CASO #55 Los cortometrajes de animación en los OSCAR 2013

En unas semanas tendrán lugar los Premios Oscar. Me gustaría que echaseis un vistazo a los cortos de animación seleccionados para el premio. Antes de quedarse con tan solo cuatro finalistas los académicos preseleccionaron más de 50. Algunos de ellos podéis verlos en Internet.

Finalmente los cortos de animación escogidos han sido los siguientes. En general deja mucho que desear el nivel general con historias poco originales y nada atrevidas:

1. Maggie Simpson: The longest Daycare

Tras ver este cortometraje de la consagrada serie Los Simpson uno tiene la sensación de que el éxito de Toy Story 3 es el motivo por el que se ha hecho este corto. El día en la guarderia de Maggie se convierte siguiendo el estilo dinámico de la serie en toda una aventura donde en cada esquina acecha el peligro. Puedes verlo aquí.

CASO #54 El secreto de sus ojos. Thriller, comedia y romance

Juan José Campanela se ha forjado una trayectoria profesional cada vez más internacional manteniendo su calidad. Entre sus películas están El hijo de la novia y El mismo amor, la misma lluvia. Después llegaría en el 2009 El secreto de sus ojos que le valdría el Oscar a mejor película extranjera. Argentina, años 70. Benjamín Espósito es oficial de un Juzgado de Instrucción de Buenos Aires y está a punto de retirarse. Obsesionado por un brutal asesinato ocurrido treinta años antes, decide escribir una novela sobre el caso, del cual fue testigo y protagonista. Reviviendo el pasado, viene también a su memoria el recuerdo de una mujer, a quien ha amado en silencio durante todos esos años. Ricardo Darín borda absolutamente su papel de hombre enamorado de una mujer imposible que debe resolver un caso criminal que le atormenta.

D-200 #1 SER Y TENER. Inocentes y felices

Si alguien piensa que Coca-Cola fundó el primer instituto sobre la felicidad es que no ha visto esta bella historia. Georges Lopez es el profesor de una pequeña escuela de un olvidado pueblo francés en el que viven unas pocas familias. Ser y tener (Nicolas Philibert, 2002) habla del sano orgullo de ser profesor sin rebuscados argumentos. De hecho los únicos de categoría son los otorgados por sus pequeños alumnos. ¿Quién no ha querido ser alguna vez como ese profesor que te dedicaba no solo su tiempo sino toda su pasión diaria?

CASO #53 Midnight in Paris. Esos tiempos pasados

Con Woody Allen no hay término medio. Es capaz cada año de sorprendernos con una gran película o bien con una desastrosa. Estrenar anualmente por ese afán de tener las manos ocupadas como él mismo dice le lleva por esos derroteros.

Gil están a punto de casarse con Inez pero antes deciden visitar durante unos días París, la Ciudad del Amor, nunca mejor dicho, él para mejorar su novela y conocer a sus suegros. En una de esas noches, Gil se topará con algunos de sus venerados escritores favoritos. En Midnight in Paris Allen reúne lo mejor de su cine. La tensión entre el pasado y el presente, el surrealismo y los amores frustrados son los ejes sobre los que pivotamos a lo largo del metraje. Además, la película cuenta con un Owen Wilson que realiza su mejor papel en mucho tiempo. Quizá gran parte del su acierto radique en que Allen lo haya construido para sí mismo hace 30 años.

CASO #52 El Amor de Michael Haneke

La nueva película de Haneke titulada Amour hace honor al título. Acostumbrados a un tipo de cine suyo que consiste en llamadas (golpes) de atención que provocan sacudidas en el espectador, el director austriaco filma una terrible historia de amor. Los títulos de sus películas son siempre todo un acierto. Quizá el que mejor ha sabido recoger no ya solo la esencia de la película en cuestión, sino de toda su carrera fue Código desconocido (2000) En esa película trataba, como lo hizo más suavemente Crash (Paul Haggis, 2004), retazos de historias anónimas que por lazos del destino veían involucradas sus vidas en la de los demás. Al fin y al cabo, Haneke expuso perfectamente como el motor de nuestras vidas son nuestras decisiones pero sin olvidar en ningún momento que nos vemos superados también por las decisiones de los demás. El código desconocido al que podría estar haciendo referencia sería al de la libertad humana asfixiada por la de la de los demás. Una dura mirada a quienes somos o al menos (y prefiero pensarlo así) una crítica a quienes consideran así la libertad. Pero volvamos a Amour.

CASO #51 THE FALL. Creativos en Hollywood

Aún queda creatividad en Hollywood. Y como viene siendo habitual en esta industria todo rastro de su creatividad visual procede de haber experimentado durante años previamente. La razón más que evidente es que rentabilizar una película conlleva asumir los riesgos necesarios pero no los inútiles. Así que presentar al gran público (grande porque somos muchos y variados) un estilo visual que antes no se haya testado con seguridad en círculos menores es un riesgo innecesario para los productores. Pero, y esto también lo saben los grandes cineastas, para que un gran éxito perdure se requiere de un riesgo "controlado" y de una creatividad renovada.

CASO #50 NAUFRAGO, LA TELERREALIDAD

‘La isla de los famosos’, ‘Ghandia Shore’ y ‘El último superviviente’ son algunos ejemplos de realities actuales. La televisión le ha sabido sacar partido desde hace más de una década a la intimidad de los famosos y gente corriente grabada en todo instante, exponiéndoles a situaciones salvajes o a una convivencia continua supervisada desde una cámara en su coronilla. Todo ello para que el espectador pueda divertirse. Muy temprano Peter Weir se dio cuenta de este fenómeno postmoderno y filmó la genial El show de Truman (1998). En las series la temática también ha funcionado a las mil maravillas con Perdidos (nació en el 2004 y perduró hasta el pasado 2010) uniéndola a la ciencia ficción.

CASO #48 Dogville. La arrogancia de los hombres buenos

Lo he pensado bien y mejor que hablar yo, os dejo con los protagonistas de Dogville (Lars von Trier, 2003 ganadora de los Premios del Cine Europeo).

1. En este primer vídeo está el comienzo de la película. Así transcurrirá el filme: con escenarios cuasi-invisibles y con grandes planos generales con el propósito de que veamos cuantos más habitantes mejor en la misma toma. La intención es clara: somos los espectadores de un teatro y tenemos que poder verlo todo. Pero en el cine la sensación (¿intencionada por Lars von Trier?) que se logra es aséptica en lo que se nos cuenta: emociones frías.

CASO #45 Moneyball... y deja la pelota quietecita

Billy Beane revolucionó el baseball con una técnica basada en la predicción de los resultados a raíz de convertir en pura estadística el deporte. Sobre esta idea se sostiene lo que Bennet Miller (director), Brad Pitt (actor) y Aaron Sorkin (guionista) han levantado. La película peca en el mismo punto que la anterior película de Miller: no hay condensación de información y la acción se hace repetitiva. La historia se desarrolla no en los partidos sino en los entresijos previos a cada partido en el despacho de su gerente. Sorkin se demuestró como el fichaje perfecto para contar la historia. De hecho es un experto a la hora de tejer sus guiones con diálogos enrevesados y sutiles en su exposición. Pero aquí le falla la trama que se alarga y focaliza en exceso en el papel de un Brad Pitt que encarna perfectamente al soberbio y racional Billy Beane (la prueba está en la imagen de arriba). Sin embargo, hay momentos de intenso dramatismo con unos silencios cargados de significado.

CASO #44 Wall-e. chico conoce a chica

En un planeta del que los humanos hemos decidido olvidar por ser insostenible ecológicamente solo queda un robot recoge-basura. Pixar ha apostado mucho con su última película: durante la primera mitad los únicos personajes son prácticamente dos robots mudos hasta que nos traslademos a la nave-crucero en la que quedan los últimos supervivientes de la tierra. Pete Docter hilvana con maestría una sencilla historia de amor de chico despistado conoce a chica que está claramente por encima de sus posibilidades. Ante unos robots perfectamente imaginados por la compañía de John Lasseter y unos rasgos expresivos de que pocos protagonistas de otras películas pueden presumir es difícil no caer rendidos. Alguno podrá discutir que la historia es demasiado sencilla: lo es, pero su logro radica en contarnos hoy en día una sencilla historia de amor platónico.

CASO #42 Gomorra. La mafia y ¿una mirada a la esperanza?

                                                      "La razón por la que amo tanto mi trabajo es porque me permite crear emociones por medio de las imágenes, y cuando lo consigo soy feliz"

La máxima a la que se puede llegar con la afirmación anterior de Mateo Garrone podría ser que el cine sea cual fuese su formato es lograr transmitir emociones con imágenes. Pasar de la de las imágenes a que el espectador sienta, se emocione. La labor del cineasta es ardua si esas emociones que se crean en la pantalla no son simples llamadas sentimentales al corazoncito, sino que prefieren las emociones más duraderas que surgen con historias universales y con unos personajes bien construidos, de esos que el guionista conoce lo suficientemente bien como para decirnos cuál es su color preferido.

3 de agosto. RECOMENDADOS: Pollo con ciruelas y Prometheus

Este viernes recomendamos para ver en el cine:

POLLO CON CIRUELAS (Poulet aux prunes). Una coproducción de Francia/ Alemania/ Bélgica. El trailer os recordará a películas del estilo de Jean-Pierre Jeunet (Amelie) pero está dirigida por el dúo Marjana Satrapi, Vincent Paronnaud cuyo primer trabajo es Persépolis. El estilo irónico, desenfadado y satírico a la vez se encuentra en cada fotograma. La película está dividida en varios episodios por lo que dificulta la unidad del relato y supone el distanciamiento sentimental del espectador. Con todo ello una película fantástica desde el punto de vista visual con variados homenajes al expresionismo alemán, a Hitchcock y Fellini.

La gran competencia (aunque realmente tiene un público totalmente diferente) a la que tendrá que hacer frente Pollo con ciruelas será la esperada PROMETHEUS de Ridley Scott. La película se puso el listón demasiado alto al recuperar al director que revolucionó la ciencia-ficción con Alien. Hace llamarse su precuela pero es más bien la oportunidad de relanzar la franquicia (no hay ningún mal en ello) tras el bombardeo de Alien vs Predator 1, 2, 3, 4, 5.... Ya me entendéis. Scott, que tiene ahora 75 años se hace un homenaje como máximo representante de este género pero sus alardes filosóficos descontentarán a más de uno. Si además descubrimos que en el guion está metido Da­mon Lin­de­lof, que escribió el libreto de la serie Perdidos, las turbulencias que pueda sufrir la tripulación de la nave Prometheus harán difícil que llegue a buen puerto. Sin embargo, es una película que se deja ver y que contentará la curiosidad de muchos.

Del 1 al 7. Cine para este mes de agosto. Primera parte

¿Qué os parece esta primera selección de cine para ver este mes?filingaps.blogspot.com.es/2012/07/el-pad…
— Filling the gaps (@FTGaps) julio 31, 2012

1. Million Dollar

Baby

Hay algunas películas que quieren marcar época. Million Dollar Baby (2004) tiene grandes motivos para serlo. Ya sea por su temática (las esperanzas rotas de la vida de una mujer y la eutanasia) o por su estilo lo que consiguió Clint Eastwood es una obra maestra. Aunque sería demasiado injusto que solo él reciba todos los aplausos: los actores bordan sus papeles, el guión de Paul Haggis es el eje sobre el que gira y se sostiene todo el mecanismo de la historia de la boxeadora Maggie y la fotografía de Tom Stern asienta la película en lo más profundo de la ambigüedad del cine negro con su paleta de claroscuros. Una obra maestra de Clint Eastwood que se vió compensada en Gran Torino.

CASO #40 In the mood for love o El estado propicio para amar

Reinaba la intranquilidad.

Ella, tímida, inclinaba la cabeza

Para que él se acercase.

Pero a él le faltaba el valor

Ella dio media vuelta y se alejó

Leu Yee-Chang

Dos parejas se mudan a una pequeña comunidad instalada en el Hong Kong de los años 60. Diferentes circunstancias hacen que el marido de una de las parejas y la mujer de la otra tengan que estar continuamente de viaje lo que supone que los otros dos cónyuges, Ms. Chang y Chow Mo-wan, tengan que encontrarse asiduamente. Inevitablemente empieza a surgir entre ellos una relación que supera la curiosidad como vecinos. Las situaciones de ayuda mutua, de comprensión, de compartir sus soledades les supone que arda en ellos el amor como si de un fuego lento pero que se extiende en todas direcciones. A partir de aquí Wong Kar Wai nos irá desvelando el éspiritu del que estamos hechos y su capacidad para enamorarse de una forma sutil y elegante, muy elegante. ¿Hasta dónde serán capaces de llegar en su pasión? ¿A qué razones se atendrán y sacarán las fuerzas necesarias para mantenerse fieles a su compromiso?

CASO #39 Moonrise Kingdom. El detalle de la teatralidad

Wes Anderson está entusiasmado con su universo friki, mágico, irreal y tremendamente actual por sus temas, tanto que ha logrado crear un grupo fiel de seguidores, que aumenta película tras película, manteniéndose fiel al estilo que ha creado, reforzándolo hasta tal punto que Moonrise Kingdom es el resultado de llevar al extremo los planteamientos iniciales iniciales de su carrera: planos geométricamente planificados, ambientación kitsch (sin menospreciar), la incomunicación, el amor, la soledad, la familia, el guitarrista casi siempre presente y una música perfectamente elegida (Life of mars, I am waiting, Making time, Hey Jude, String Quartet, These days, …). Podría decirse que sus películas son la aspiración de un personaje a encontrarse a sí mismo.

Aquí tenéis algunos puntos-contrastes comunes en su filmografía, especialmente aquellos que hacen referencia a su última película, Moonrise Kingdom (presente en el Festival de Cannes 2012).

CASO #38 Realismo en construcción. La lista de Schindler VS 4 Meses, 3 Semanas, 2 Días

A primera vista Steven Spielberg y Cristian Mungiu no tendrían nada en común. Spielberg se mueve más en el terreno del sentimiento y Mungiu en el lado más frío de la vida. Pero si cogemos La lista de Schindler de Spielberg y 4 meses, 3 semanas, 2 días de Mungiu guardan cierta relación. En las dos ocasiones ambos quieren hacer una película lo más realista. En un caso se cuenta cómo Oskar Schidler logró salvar la vida a cientos de judíos durante la 2ª Guerra Mundial, en el otro como Otilia ayuda a su amiga Gabita a abortar en la Rumanía de los últimos años de la URSS. En ambos casos un drama en torno a la muerte y al poder de la solidaridad filmado con una especial atención a la ambientación y al realismo de las situaciones y de los hechos que acaecen.

Sin embargo, son dos películas, a la vez, completamente diferentes. Spielberg demuestra su capacidad para organizar un descumunal despliegue de medios técnicos con una puesta en escena descarnada. Parece querer ser transparente y mostrarnos lo que hubiese ocurrido a aquellas personas, pero - ¡ay!- no es sincero en la manera de hacerlo. Se desplaza a las localizaciones reales (Polonia, Auschwitz o Jerusalén) para rodar, pero es falso en la construcción de sus personajes, que es lo más importante en un contador de historias como Spielberg. Hace un universo de ficción cerrado, en donde todo encaja absolutamente bien pero comete el error de asfixiar la historia con tal de tenerlo ordenarlo todo. Por ejemplo, es implanteable que los judios en el campo de concentración no sufran ni una sola crisis emocional, ni que el judío Stern, encargado de las cuentas de Schindler, decaiga en su en ni una sola ocasión.

CASO #37 Juno y el optimismo ácido de Diablo Cody

“I don’t see what anyone can see 

In anyone else. But you” 

Yo acabé con un nudo en el estómago. Y es que Juno es una comedia fantásticamente trágica, pero muy optimista. Muy moderna y de la que espero que vengan otras más. Con solo la música, la película es realmente conmovedora e inteligente. Ellen Page hace una interpretación que hace envidiar a cualquier actriz experimentada: logra una actuación sincera (si se puede hablar así de las actuaciones). Page carga con el personaje de Juno y todo lo que este lleva consigo, si se puede hablar así de su papel de una chica de 16 que se queda embarazada de un amigo en el instituto. El personaje de Ellen Page sería la Jody Foster de Taxi Driver o el Antonine Doinel de Los 400 golpes.

Dirigida por Jason Reitman, Juno tiene mucho del estilo de Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton, Valerie Faris), estrenada dos años atrás y premiada en el festival de cine independiente de Sundance. Recibió el premio a Mejor Guion original en los Oscar y en los BAFTA del año 2007 y otra decena de premios sobre todo para la actriz protagonista (ahora conocida más por Origen).

FESTIVAL DE CANNES: Retrospectiva y premios (2008-2006)

Continuamos con la historia de las películas del Festival de Cannes. El primer cartel que aparece corresponde al año 2006. Es un homenaje a Deseando amar (In the mood for love) de Wong Kar Wai, una película magistral del año 2000. En aquel año se celebraba la 59ª edición del festival teniendo de ganadara El viento que agita la cebada. El cartel de la 60ª edición del festival tuvo de protagonista a varios artistas que saltaron delante del fotógrafo Philippe Halsman. Entre ellos se encuentran Pedro Almodovar, Juliette Binoche, Jane Campion, Penélope Cruz, Gérard Depardieu o Samuel L. Jackson. Por último el cartel de la 61ª edición está basado en un fotograma de una de las películas de David Lynch.

AÑO 2008 - 61ª EDICIÓN DEL FESTIVAL

La clase (Entre le murs). Este Festival tiene una especial predilección por películas que aborden temas de actualidad. La educación fue el tema premiado con la Palma de Oro de ese año. El francés Laurent Cantet escribe y dirige esta película que hace una radiografía del panorama francés en la enseñanza. Con el eje central en una clase de un instituto y con un estilo que se diluye entre la ficción y el documental, Cantet nos regala un film crudo en donde la fuerza que reside en unas interpretaciónes austeras pero muy convincentes y en el aplomo del retrato de la realidad francesa (que se puede estrapolar a Europa en general). Nada queda fuera de la mirada de Laurent Cantent en esta película que hay que ver.

FESTIVAL DE CANNES: Retrospectiva y premios (2011-2009)

Si en la anterior entrada hablamos de los directores de Cannes de esta temporada toca hoy hablar de la historia del Festival: quienes fueron las películas ganadoras de los últimos 12 años. Muchos de los títulos sonarán. Ahí está la fantástica El árbol de la vida, El pianista, Bailar en la oscuridad o El viento que agita la cebada son títulos conocidos. Siempre pasar por un festival de cine supone un gran impulso publicitario para cualquier película, crea lazos con futuras distribuidoras y gana el beneplácito de la crítica y de un futuro posible público cuando la película salga a la cartelera. Son filmes arriesgados que, por su calidad cinematográfica y el respeto que genera el hombre que hay tras ella, logran la tan ansiada Palma de Oro, el máximo galardón que otorga el jurado del Festival de Cannes.

CANNES 2012: ¿El Festival que crea a sus autores?

El año pasado seguí más de cerca este festival anual en el que se congrega el cine de autor ¿de Europa?, donde se refugian algunos cineastas independientes de las salas de cine y donde otros buscan una salida a sus películas y a sus carreras como cineastas. Este año sin embargo lo he pensado mejor y dejaré que el día 27 den el veredicto final y anuncian la ganadora. Ya habrá tiempo de ver las películas (las que lleguen a la cartelera y a tu ciudad, claro). Aún así, lo que sí resulta de interés es todo lo que rodea al Festival: ¿de qué países son las películas a competición? y ¿qué directores compiten?