CASO #54 Divorcio a la italiana. Pasiones del aburrimiento

Divorcio a la italiana es una de esas comedias que no caducan. Un marido hastiado de su matrimonio y bajo el calor irritante de un verano se enamora platónicamente -aún que eso le lleve a pensar que debe por justicia ser correspondido- de una joven. De ahí a plantearse posible el asesinato de su mujer a cualquier otra solución le resulta válida para llevar a buen puerto su romance. Un palacio habitado por dos familias que se odian, las pandillas de hombres que solo saben cotillear, el padre que es el palo del que sale tal astilla es la atmósfera cerrada que rodea a esta genial comedia italiana de Pietro Germi. Los enamorados de Italia no deberían dudar en ver esta película pues no ha envejecido en sus 50 años.

CASO #53 Midnight in Paris. Esos tiempos pasados

Con Woody Allen no hay término medio. Es capaz cada año de sorprendernos con una gran película o bien con una desastrosa. Estrenar anualmente por ese afán de tener las manos ocupadas como él mismo dice le lleva por esos derroteros.

Gil están a punto de casarse con Inez pero antes deciden visitar durante unos días París, la Ciudad del Amor, nunca mejor dicho, él para mejorar su novela y conocer a sus suegros. En una de esas noches, Gil se topará con algunos de sus venerados escritores favoritos. En Midnight in Paris Allen reúne lo mejor de su cine. La tensión entre el pasado y el presente, el surrealismo y los amores frustrados son los ejes sobre los que pivotamos a lo largo del metraje. Además, la película cuenta con un Owen Wilson que realiza su mejor papel en mucho tiempo. Quizá gran parte del su acierto radique en que Allen lo haya construido para sí mismo hace 30 años.

ENTREVISTA con Michael Haneke. Funny Games

En el año 1997 Michael Haneke estrenó uno de sus filmes más conocidos Funny Games (que diez años reharía en el mismo en Hollywood copiándose plano por plano). Con esta película dejaría claro al público su interés en retratar la violencia. A lo largo de su carrera con La pianista (2001) o Escondido (2005) se reafimaría en esta tendencia. Sin embargo, sería injusto de hablar de sus películas como apología de la violencia o de ensañamiento con los personajes que pueblan su universo creativo. De este problema ya hemos hablado a raíz de Reservoir dogs.

CASO #52 El Amor de Michael Haneke

La nueva película de Haneke titulada Amour hace honor al título. Acostumbrados a un tipo de cine suyo que consiste en llamadas (golpes) de atención que provocan sacudidas en el espectador, el director austriaco filma una terrible historia de amor. Los títulos de sus películas son siempre todo un acierto. Quizá el que mejor ha sabido recoger no ya solo la esencia de la película en cuestión, sino de toda su carrera fue Código desconocido (2000) En esa película trataba, como lo hizo más suavemente Crash (Paul Haggis, 2004), retazos de historias anónimas que por lazos del destino veían involucradas sus vidas en la de los demás. Al fin y al cabo, Haneke expuso perfectamente como el motor de nuestras vidas son nuestras decisiones pero sin olvidar en ningún momento que nos vemos superados también por las decisiones de los demás. El código desconocido al que podría estar haciendo referencia sería al de la libertad humana asfixiada por la de la de los demás. Una dura mirada a quienes somos o al menos (y prefiero pensarlo así) una crítica a quienes consideran así la libertad. Pero volvamos a Amour.

CASO #48 Dogville. La arrogancia de los hombres buenos

Lo he pensado bien y mejor que hablar yo, os dejo con los protagonistas de Dogville (Lars von Trier, 2003 ganadora de los Premios del Cine Europeo).

1. En este primer vídeo está el comienzo de la película. Así transcurrirá el filme: con escenarios cuasi-invisibles y con grandes planos generales con el propósito de que veamos cuantos más habitantes mejor en la misma toma. La intención es clara: somos los espectadores de un teatro y tenemos que poder verlo todo. Pero en el cine la sensación (¿intencionada por Lars von Trier?) que se logra es aséptica en lo que se nos cuenta: emociones frías.

5 claves para disfrutar de Berlanga

Luis García Berlanga es con casi total seguridad uno de los hombres que más ha hecho por el cine español. Entre sus películas están las mejores que ha dado el nuestro cine. Quizá la palma se la llevase El espíritu de la colmena de Víctor Erice. Con poco que se sepa de nuestro cine vienen a la cabeza grandes comedias como El verdugo ('63), Plácido ('61) o Bienvenido Mr. Marshall ('53). Todas ellas de un valenciano que tanto amó Castilla en sus películas. Por sus clásicos que marcaron una época y a más de una generación se le puede perdonar haber perdido un poco la cabeza en su época democrática. Poco a poco iré reseñando algunas de sus películas aprovechando que este mes ocupa un puesto especial en la cabecera del blog.

Por ahora os dejo 5 ideas para aprovechar mejor las películas de Berlanga.

1. ¿Qué es para el cineasta el ser humano? En sus películas sus protagonistas son personas con deseos, con grandes necesidades y ambiciones (cada cual a su medida). Ya sea, por ejemplo, en el caso de Plácido que se enfrentará a todo tipo de obstáculos para llegar a la cena de Navidad o en Bienvenido Mr. Marshall en la que el pueblo entero se ve necesitado de los americanos.

CASO #47 GOOD

Sabe bien hablar de Good. Cada poco la industria del cine se nutre de historias relacionadas con la Segunda Guerra Mundial. Lo que es curioso es que pocas de estas historias se han preocupado en contarnos cuál fue el inicio del fanatismo ideológico. En esta película, escrita por John Wrathall, se va poco a poco entretejiendo los orígenes del pensamiento débil que imperó entre algunos intelectuales de la Alemania de entreguerras. Fueron muchos los que no estuvieron a la altura de responder a las incertidumbres que se les venía desde el poder. El profesor John Halder fue uno de estos intelectuales con (solo) buenas intenciones. Al periplo con las autoridades se le suma el hecho de que es el padre de familia con una madre enferma y una mujer al borde de un ataque de nervios constante.

9 de noviembre. RECOMENDADOS: Reality y En la casa

REALITY (Mateo Garrone)
¿Puede la ambición hacerte perder el sentido de la realidad? ¿Gran Hermano logra sacarte tu vida real o te obsesiona por ser tu "yo mismo" televisivo? El italiano Garrone vuelve a dar un "¡zas, en toda la boca!" a la sociedad occidental. Con un estilo muy directo que actualiza al neorrealismo Reality nos introduce en el día a día de un reality-show. Los niveles de perversión que produce este tipo de televisión es la fábula que nos cuenta Matteo Garrone. Interesará, no creo que sea una película que guste, a gente con estómagos fuertes que no vean la película con ligereza. Quizá fuese preferible conocer más de cerca la que fue su anterior película Gomorra.

CASO #46 Héroes. La pasión de una canción

La historia de Héroes es un reclamo a dejarse de tristezas y afrontar la vida, sus sinsabores y amarguras, con decisión y optimismo. Pau Freixas y Albert Espinosa, creadores de la serie Pulseras rojas (2011), afrontan con esta película un cuento feliz ambientado en un pequeño pueblo de veraneo. Los protagonistas son un grupo de chavales de los años 80 que se reúnen esos meses tras el fin de clases. Su objetivo, además de pasárselo genial, es arrebatar a los mayores una antigua casa-árbol que alberga poderes mágicos. En paralelo se nos cuenta la historia de dos de ellas en el presente. Cristina que vive la vida (en consonancia con LIFE IS LIFE) y Sala, un hombre de negocios a punto de cerrar un contrato que le arreglará la vida.

CASO #42 Gomorra. La mafia y ¿una mirada a la esperanza?

                                                      "La razón por la que amo tanto mi trabajo es porque me permite crear emociones por medio de las imágenes, y cuando lo consigo soy feliz"

La máxima a la que se puede llegar con la afirmación anterior de Mateo Garrone podría ser que el cine sea cual fuese su formato es lograr transmitir emociones con imágenes. Pasar de la de las imágenes a que el espectador sienta, se emocione. La labor del cineasta es ardua si esas emociones que se crean en la pantalla no son simples llamadas sentimentales al corazoncito, sino que prefieren las emociones más duraderas que surgen con historias universales y con unos personajes bien construidos, de esos que el guionista conoce lo suficientemente bien como para decirnos cuál es su color preferido.

CASO #41 Hoy empieza todo. la realidad supera a la ficción

              “Un niño es lo más bonito del mundo. Nace del amor, es inocente, te mira, te sonríe, te dice cosas graciosas, los niños son maravillosos.

                           No puedo soportar que un niño sufra, no lo puedo aceptar”

Desarrollada en un pueblo del norte de Francia, y filmada en el barrio de Dutemple, en Valenciennes con la participación actoral de sus habitantes, lo que Bertrand Tavernier logró con Hoy Empieza Todo (1999) es un cuadro personal de costumbres y hábitos, de sonrisas y silencios, de esperanzas y miserias: un estudio sociológico de la olvidada y áspera labor de educación en el norte de Francia que siendo antes próspera por sus industrias ahora ha caído en la miseria material. Pero dicho así parece que la película es un documental sin alma. Digamos más bien que Tavernier nos cuenta el afán y las luchas de Daniel Lefebvre (Philippe Torreton) en su escula de preescolares.

3 de agosto. RECOMENDADOS: Pollo con ciruelas y Prometheus

Este viernes recomendamos para ver en el cine:

POLLO CON CIRUELAS (Poulet aux prunes). Una coproducción de Francia/ Alemania/ Bélgica. El trailer os recordará a películas del estilo de Jean-Pierre Jeunet (Amelie) pero está dirigida por el dúo Marjana Satrapi, Vincent Paronnaud cuyo primer trabajo es Persépolis. El estilo irónico, desenfadado y satírico a la vez se encuentra en cada fotograma. La película está dividida en varios episodios por lo que dificulta la unidad del relato y supone el distanciamiento sentimental del espectador. Con todo ello una película fantástica desde el punto de vista visual con variados homenajes al expresionismo alemán, a Hitchcock y Fellini.

La gran competencia (aunque realmente tiene un público totalmente diferente) a la que tendrá que hacer frente Pollo con ciruelas será la esperada PROMETHEUS de Ridley Scott. La película se puso el listón demasiado alto al recuperar al director que revolucionó la ciencia-ficción con Alien. Hace llamarse su precuela pero es más bien la oportunidad de relanzar la franquicia (no hay ningún mal en ello) tras el bombardeo de Alien vs Predator 1, 2, 3, 4, 5.... Ya me entendéis. Scott, que tiene ahora 75 años se hace un homenaje como máximo representante de este género pero sus alardes filosóficos descontentarán a más de uno. Si además descubrimos que en el guion está metido Da­mon Lin­de­lof, que escribió el libreto de la serie Perdidos, las turbulencias que pueda sufrir la tripulación de la nave Prometheus harán difícil que llegue a buen puerto. Sin embargo, es una película que se deja ver y que contentará la curiosidad de muchos.

CASO #38 Realismo en construcción. La lista de Schindler VS 4 Meses, 3 Semanas, 2 Días

A primera vista Steven Spielberg y Cristian Mungiu no tendrían nada en común. Spielberg se mueve más en el terreno del sentimiento y Mungiu en el lado más frío de la vida. Pero si cogemos La lista de Schindler de Spielberg y 4 meses, 3 semanas, 2 días de Mungiu guardan cierta relación. En las dos ocasiones ambos quieren hacer una película lo más realista. En un caso se cuenta cómo Oskar Schidler logró salvar la vida a cientos de judíos durante la 2ª Guerra Mundial, en el otro como Otilia ayuda a su amiga Gabita a abortar en la Rumanía de los últimos años de la URSS. En ambos casos un drama en torno a la muerte y al poder de la solidaridad filmado con una especial atención a la ambientación y al realismo de las situaciones y de los hechos que acaecen.

Sin embargo, son dos películas, a la vez, completamente diferentes. Spielberg demuestra su capacidad para organizar un descumunal despliegue de medios técnicos con una puesta en escena descarnada. Parece querer ser transparente y mostrarnos lo que hubiese ocurrido a aquellas personas, pero - ¡ay!- no es sincero en la manera de hacerlo. Se desplaza a las localizaciones reales (Polonia, Auschwitz o Jerusalén) para rodar, pero es falso en la construcción de sus personajes, que es lo más importante en un contador de historias como Spielberg. Hace un universo de ficción cerrado, en donde todo encaja absolutamente bien pero comete el error de asfixiar la historia con tal de tenerlo ordenarlo todo. Por ejemplo, es implanteable que los judios en el campo de concentración no sufran ni una sola crisis emocional, ni que el judío Stern, encargado de las cuentas de Schindler, decaiga en su en ni una sola ocasión.

FESTIVAL DE CANNES: Retrospectiva y premios (2008-2006)

Continuamos con la historia de las películas del Festival de Cannes. El primer cartel que aparece corresponde al año 2006. Es un homenaje a Deseando amar (In the mood for love) de Wong Kar Wai, una película magistral del año 2000. En aquel año se celebraba la 59ª edición del festival teniendo de ganadara El viento que agita la cebada. El cartel de la 60ª edición del festival tuvo de protagonista a varios artistas que saltaron delante del fotógrafo Philippe Halsman. Entre ellos se encuentran Pedro Almodovar, Juliette Binoche, Jane Campion, Penélope Cruz, Gérard Depardieu o Samuel L. Jackson. Por último el cartel de la 61ª edición está basado en un fotograma de una de las películas de David Lynch.

AÑO 2008 - 61ª EDICIÓN DEL FESTIVAL

La clase (Entre le murs). Este Festival tiene una especial predilección por películas que aborden temas de actualidad. La educación fue el tema premiado con la Palma de Oro de ese año. El francés Laurent Cantet escribe y dirige esta película que hace una radiografía del panorama francés en la enseñanza. Con el eje central en una clase de un instituto y con un estilo que se diluye entre la ficción y el documental, Cantet nos regala un film crudo en donde la fuerza que reside en unas interpretaciónes austeras pero muy convincentes y en el aplomo del retrato de la realidad francesa (que se puede estrapolar a Europa en general). Nada queda fuera de la mirada de Laurent Cantent en esta película que hay que ver.

CANNES 2012: ¿El Festival que crea a sus autores?

El año pasado seguí más de cerca este festival anual en el que se congrega el cine de autor ¿de Europa?, donde se refugian algunos cineastas independientes de las salas de cine y donde otros buscan una salida a sus películas y a sus carreras como cineastas. Este año sin embargo lo he pensado mejor y dejaré que el día 27 den el veredicto final y anuncian la ganadora. Ya habrá tiempo de ver las películas (las que lleguen a la cartelera y a tu ciudad, claro). Aún así, lo que sí resulta de interés es todo lo que rodea al Festival: ¿de qué países son las películas a competición? y ¿qué directores compiten?

CASO #36 Los paraguas de Cherburgo.Un juego de emociones

El cine desde que nació fue motion pictures. Y pocos años después bien pudo llamarse emotion pictures. Desde la primera historia de amor el cine no ha hecho más que sacarle partido a contar historias con los temas fundamentales de la vida entre los que está el amor.

Paraguas sobre Cherburgo (Jacques Demy, 1964) además de ser una historia de amor desgarradora es un musical particular (lo podéis ver en el vídeo de abajo). Incluso todo el diálogo es cantado. Sin embargo, no estamos delante de una película de números musicales sino de diálogo cantado por lo que la película está contada sin números musicales. Claramente si no son de tu agrado los musicales será más difícil que disfrutes de la película.

Una chica vendedora de paraguas Geneviève tiene que separarse de su prometido Guy cuando es llamado al servicio militar. Sola, tendrá que hacer frente a una decisión que pondrá en peligro su relación. Esta es la sinopsis de IMDb: una historia universal decenas de veces contada a lo largo de la historia pero con la que Jacques Demy logra jugar con las emociones de los espectadores. Como  la lluvia que cae incansablemente durante la película así va el director aumentando el dolor en los dos enamorados.

CASO #33 La mirada de una búsqueda. París, Texas de Wim Wenders

Uno de los grandes logros del cine ha sido y es mostrar la realidad de una manera única. Hay cineastas implicados en que cada película suya sea una mirada personal sobre lo que es la vida a través de historias y otros que cuentan historias que podrían haberse escrito en un libro (por lo que no han aprovechado el lenguaje cinematográfico). A veces nos olvidamos de que el cine es algo más que contar historias o vivir aventuras. ¿Quien no recuerda la niebla que envuelve al protagonista de La vida es bella cuando se topa con una pila de cadáveres o la escena de El árbol de la vida cuando los padres reciben la noticia de la muerte de su hijo? Es cierto que ambas escenas forman parte de una historia, pero el contarlas a través de imágenes, sin ruido de palabras, el resultado es realmente diferente a plasmarlo en palabras. Cada herramienta tiene su utilidad,cada lenguaje tiene sus reglas. Se puede hacer una adaptación fideligna de un libro al cine y ser original y sorprender al espectador con nuevas situaciones más cinemátográficas.

Wim Wenders es un cineasta alemán que deja plasmada su delicada mirada en cada plano de sus películas, ya sea contándonos cómo es el día a día de los ángeles custodios en el Berlín de posguerra o usando el 3D como homenaje a la danza de Pina Bausch. No me cabe duda de que el mejor cine tiene que ser una obra personal aunque se cuenten historias que nada tengan de autobiográfico. Sin embargo, en este cine cada película es el resultado de una respuesta a los interrogantes personales del autor. Incluso en el cine más industrial es imposible hacer películas en serie. Cada proyecto requiere de un guión único con unos personajes únicos (más o menos perfilados o estereotipados) e interpretados por unos actores que encarnan esos personajes. Wenders hizo también una película titulada París, Texas (Alemania, Francia, Reino Unido (ya sabéis, una coproducción europea), 1984) en donde el misterio y los interrogantes sobre la vida de una persona están retratados en Travis: un hombre que busca la razón de su vida, por qué volver con su familia, por qué recuperar a su hijo y a su mujer después de vagar por el desierto en la frontera entre México y EE.UU.

De gustos hay mucho escrito en los videoclips

El polaco Rybczynski y el estadounidense Spike Jonze

Ya pasó con Had a bad day. Un videoclip puede ser una oportunidad fantástica para entender el lenguaje cinematográfico. Me voy a fijar en dos videoclips que entienden cada uno el cine de una manera antagónica. El arte de sus directores está en contar historias de una manera, visualmente, totalmente diferente: Rybczynski (Imagine de John Lennon, 1987) y Spike Jonze (California de Wax, 1995).

Imagine es una vuelta al pasado por muy moderno que parezca y California es un homenaje a la sintaxis del cine clásico. Me explico porque volver al pasado y clásico puede parecer lo mismo. Mucho más si vemos que lo que hace Rybczynski en Imagine parece mucho más moderno: marcar el crecimiento de una persona desde pequeña hasta mayor a través de diferentes cuadros. Wax por el contrario es un plano secuencia en el que la cámara acompaña a cámara lenta la estela de fuego de un hombre hasta tomar el autobús.

CASO #28 Roma, città aperta. Entre la vida y el cine

Años de guerra, años de hambre, años de cine. Rossellini es uno de los maestros del cine italiano de los años 40. Fue un hombre pegado a la realidad para traspasarla con su cámara y así realizar una obra de arte: Roma, città aperta (Italia, 1945). Comienza el neorrealismo italiano. Un nuevo cine que pretendió plasmar la situación social y moral de la guerra en Europa. En esta exposición social se entrelaza lo cotidiano y lo artístico en una unión perfecta que hace del cine una crítica y una denuncia. Como dice Amedée Ayfre, el neorrealismo es una descripción global de la realidad a través de una conciencia global del artista. ¿Qué se esconde tras esta frase?

CASO #26 Los 400 golpes. El cine de autor

El cine del mañana me parece más personal, algo así como una confesión. 

En 1959 tres películas cambiarían el rumbo del cine de una década en Francia primero para extenderse por Europa: Les 400 coups (François Truffaut), A bout de soufflé (Jean Luc Godar) y Paris nous appartient (Jacques Rivette). Estas películas romperán los moldes tradicionales del cine francés de los años 50 igual que lo hizo ya antes en la década de los 40 el cine italiano. Comienza un movimiento renovador que tomará el nombre de Nouvelle Vague y que se desarrollará a lo largo de la década de los 60. Ante todo esta nueva ola es fruto de un grupo de cinéfilos escritores de una revista que comenzaba a ser considerada  todo un referente: Cahiers du Cinema. Estos pensadores-intelectuales buscan un cambio de rumbo: el cine que les precede es demasiado academicista según ellos.