CASO #49 La carretera: el fuego que llevamos dentro reaviva el género postapocalíptico

Hace unas semanas se estrenó Lawless (Sin ley), una muestra de que el western sigue vivo. La película se ambienta en la época de la Ley Seca de Estados Unidos. En el 2009 John Hillcoat presentaba su película más ambiciosa: La carretera.

La carretera nos narra el viaje de un padre y un hijo en dirección sur tras un desastre natural que ha acabado con casi todo el planeta. Son comunes las historias que giran entorno al fin del mundo, huracanes, maremotos y demás desastres naturales. De hecho si algo podía salvar este género catastrófico era un director inteligente capaz de darle una perspectiva diferente. Tal es el caso. Hillcoat, que adapta una novela del frío Cormac McCarthy, huye de la gratuidad de los efectos especiales y nos deja el desastre natural en una elipsis que encaja a la perfección con la atmósfera e intencionalidad de la película. Tampoco hay héroes que puedan salvar el mundo con fórmulas mágicas. Solo un hombre y un hijo que sobreviven.

CASO #45 Moneyball... y deja la pelota quietecita

Billy Beane revolucionó el baseball con una técnica basada en la predicción de los resultados a raíz de convertir en pura estadística el deporte. Sobre esta idea se sostiene lo que Bennet Miller (director), Brad Pitt (actor) y Aaron Sorkin (guionista) han levantado. La película peca en el mismo punto que la anterior película de Miller: no hay condensación de información y la acción se hace repetitiva. La historia se desarrolla no en los partidos sino en los entresijos previos a cada partido en el despacho de su gerente. Sorkin se demuestró como el fichaje perfecto para contar la historia. De hecho es un experto a la hora de tejer sus guiones con diálogos enrevesados y sutiles en su exposición. Pero aquí le falla la trama que se alarga y focaliza en exceso en el papel de un Brad Pitt que encarna perfectamente al soberbio y racional Billy Beane (la prueba está en la imagen de arriba). Sin embargo, hay momentos de intenso dramatismo con unos silencios cargados de significado.

CASO #44 Wall-e. chico conoce a chica

En un planeta del que los humanos hemos decidido olvidar por ser insostenible ecológicamente solo queda un robot recoge-basura. Pixar ha apostado mucho con su última película: durante la primera mitad los únicos personajes son prácticamente dos robots mudos hasta que nos traslademos a la nave-crucero en la que quedan los últimos supervivientes de la tierra. Pete Docter hilvana con maestría una sencilla historia de amor de chico despistado conoce a chica que está claramente por encima de sus posibilidades. Ante unos robots perfectamente imaginados por la compañía de John Lasseter y unos rasgos expresivos de que pocos protagonistas de otras películas pueden presumir es difícil no caer rendidos. Alguno podrá discutir que la historia es demasiado sencilla: lo es, pero su logro radica en contarnos hoy en día una sencilla historia de amor platónico.

3 de agosto. RECOMENDADOS: Pollo con ciruelas y Prometheus

Este viernes recomendamos para ver en el cine:

POLLO CON CIRUELAS (Poulet aux prunes). Una coproducción de Francia/ Alemania/ Bélgica. El trailer os recordará a películas del estilo de Jean-Pierre Jeunet (Amelie) pero está dirigida por el dúo Marjana Satrapi, Vincent Paronnaud cuyo primer trabajo es Persépolis. El estilo irónico, desenfadado y satírico a la vez se encuentra en cada fotograma. La película está dividida en varios episodios por lo que dificulta la unidad del relato y supone el distanciamiento sentimental del espectador. Con todo ello una película fantástica desde el punto de vista visual con variados homenajes al expresionismo alemán, a Hitchcock y Fellini.

La gran competencia (aunque realmente tiene un público totalmente diferente) a la que tendrá que hacer frente Pollo con ciruelas será la esperada PROMETHEUS de Ridley Scott. La película se puso el listón demasiado alto al recuperar al director que revolucionó la ciencia-ficción con Alien. Hace llamarse su precuela pero es más bien la oportunidad de relanzar la franquicia (no hay ningún mal en ello) tras el bombardeo de Alien vs Predator 1, 2, 3, 4, 5.... Ya me entendéis. Scott, que tiene ahora 75 años se hace un homenaje como máximo representante de este género pero sus alardes filosóficos descontentarán a más de uno. Si además descubrimos que en el guion está metido Da­mon Lin­de­lof, que escribió el libreto de la serie Perdidos, las turbulencias que pueda sufrir la tripulación de la nave Prometheus harán difícil que llegue a buen puerto. Sin embargo, es una película que se deja ver y que contentará la curiosidad de muchos.

Todos los Videoblog de Peter Jackson sobre El Hobbit. Cómo transformar 266 días en marketing

 

La labor que ha hecho el equipo de Peter Jackson durante 266 días ha sido asombroso. Más lo es, si cabe, de cara al público si durante ese tiempo hemos podido participar de esa esperiencia. P. Jackson puntualmente nos ha ido informando del rodaje y de cómo ha puesto en marcha semejante máquina en la que han intervenido centenas de personas que han dejado su granito de arena para que fuera posible hacer real, literalmente, la Tierra Media de Tolkien.

Los créditos de la Trilogía de El Señor de los Anillos eran infinitos con listas interminables de nombres a los que por primera vez les vemos las caras de la manera más cercana gracias a los ocho videoblogs protagonizados por su director, cosa alguna que antes en ninguna producción sus responsables se habían preocupado por lograr de manera tan radical: hacer cercana la "fábrica de sueños" a su público y vender el producto desde casi el cascarón. Eso sí, presentando todo como si fuese real pero sin mencionar nada que suponga un desbarajuste para el marketing de la una película. Pues por muy cerca que nos ponga Peter de su mundo tolkiano nunca correrá el riesgo de mostrarnos de verdad el día a día real de un rodaje.

Videoblog 10: Promoción y Premiere de la película



Videoblog 9: La Post-Producción



Videoblog 8: El último antes de la Post-Producción

CASO #39 Moonrise Kingdom. El detalle de la teatralidad

Wes Anderson está entusiasmado con su universo friki, mágico, irreal y tremendamente actual por sus temas, tanto que ha logrado crear un grupo fiel de seguidores, que aumenta película tras película, manteniéndose fiel al estilo que ha creado, reforzándolo hasta tal punto que Moonrise Kingdom es el resultado de llevar al extremo los planteamientos iniciales iniciales de su carrera: planos geométricamente planificados, ambientación kitsch (sin menospreciar), la incomunicación, el amor, la soledad, la familia, el guitarrista casi siempre presente y una música perfectamente elegida (Life of mars, I am waiting, Making time, Hey Jude, String Quartet, These days, …). Podría decirse que sus películas son la aspiración de un personaje a encontrarse a sí mismo.

Aquí tenéis algunos puntos-contrastes comunes en su filmografía, especialmente aquellos que hacen referencia a su última película, Moonrise Kingdom (presente en el Festival de Cannes 2012).

CASO #38 Realismo en construcción. La lista de Schindler VS 4 Meses, 3 Semanas, 2 Días

A primera vista Steven Spielberg y Cristian Mungiu no tendrían nada en común. Spielberg se mueve más en el terreno del sentimiento y Mungiu en el lado más frío de la vida. Pero si cogemos La lista de Schindler de Spielberg y 4 meses, 3 semanas, 2 días de Mungiu guardan cierta relación. En las dos ocasiones ambos quieren hacer una película lo más realista. En un caso se cuenta cómo Oskar Schidler logró salvar la vida a cientos de judíos durante la 2ª Guerra Mundial, en el otro como Otilia ayuda a su amiga Gabita a abortar en la Rumanía de los últimos años de la URSS. En ambos casos un drama en torno a la muerte y al poder de la solidaridad filmado con una especial atención a la ambientación y al realismo de las situaciones y de los hechos que acaecen.

Sin embargo, son dos películas, a la vez, completamente diferentes. Spielberg demuestra su capacidad para organizar un descumunal despliegue de medios técnicos con una puesta en escena descarnada. Parece querer ser transparente y mostrarnos lo que hubiese ocurrido a aquellas personas, pero - ¡ay!- no es sincero en la manera de hacerlo. Se desplaza a las localizaciones reales (Polonia, Auschwitz o Jerusalén) para rodar, pero es falso en la construcción de sus personajes, que es lo más importante en un contador de historias como Spielberg. Hace un universo de ficción cerrado, en donde todo encaja absolutamente bien pero comete el error de asfixiar la historia con tal de tenerlo ordenarlo todo. Por ejemplo, es implanteable que los judios en el campo de concentración no sufran ni una sola crisis emocional, ni que el judío Stern, encargado de las cuentas de Schindler, decaiga en su en ni una sola ocasión.

CASO #37 Juno y el optimismo ácido de Diablo Cody

“I don’t see what anyone can see 

In anyone else. But you” 

Yo acabé con un nudo en el estómago. Y es que Juno es una comedia fantásticamente trágica, pero muy optimista. Muy moderna y de la que espero que vengan otras más. Con solo la música, la película es realmente conmovedora e inteligente. Ellen Page hace una interpretación que hace envidiar a cualquier actriz experimentada: logra una actuación sincera (si se puede hablar así de las actuaciones). Page carga con el personaje de Juno y todo lo que este lleva consigo, si se puede hablar así de su papel de una chica de 16 que se queda embarazada de un amigo en el instituto. El personaje de Ellen Page sería la Jody Foster de Taxi Driver o el Antonine Doinel de Los 400 golpes.

Dirigida por Jason Reitman, Juno tiene mucho del estilo de Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton, Valerie Faris), estrenada dos años atrás y premiada en el festival de cine independiente de Sundance. Recibió el premio a Mejor Guion original en los Oscar y en los BAFTA del año 2007 y otra decena de premios sobre todo para la actriz protagonista (ahora conocida más por Origen).

CANNES 2012: ¿El Festival que crea a sus autores?

El año pasado seguí más de cerca este festival anual en el que se congrega el cine de autor ¿de Europa?, donde se refugian algunos cineastas independientes de las salas de cine y donde otros buscan una salida a sus películas y a sus carreras como cineastas. Este año sin embargo lo he pensado mejor y dejaré que el día 27 den el veredicto final y anuncian la ganadora. Ya habrá tiempo de ver las películas (las que lleguen a la cartelera y a tu ciudad, claro). Aún así, lo que sí resulta de interés es todo lo que rodea al Festival: ¿de qué países son las películas a competición? y ¿qué directores compiten?

CASO #35 La Pasión de Mel Gibson en 4 puntos. El drama de un silencio

A Pedro: ¿No te he visto yo en compañía del galileo?

Pedro: Juro que no he visto a ese hombre.

No le he visto en mi vida. 

Hace una semana se celebró el viernes santo dentro de la Semana Santa y como es común en la TV pusieron películas de romanos (?) y también de la vida de Jesús. Me gustaría hablar de La Pasión de Cristo (Mel Gibson, 2004). Dentro de la basta filmografía que abarca la historia de Jesús quizá sea esta la que más acento pone en el realismo y a la vez dramatismo en lo que sucedió. En su momento la película supuso una gran polémica ya fuese por la figura de Gibson (actor, director y su propia personalidad en ocasiones un tanto combativa), por el propio tema y figura de la que trata, por el retrato violento de la Pasión o por hacerles la puñeta al sector judío de Hollywood. Sin embargo, como es bien sabido, en ocasiones cuantos más griten violentamente en tu contra más fácil es que te hagan publicidad gratuita. En EE.UU. se estrenó en 3043 pantallas y en España en 298 por lo que pese a no contar con el apoyo de la industria hollywoodiense en la que trabaja Gibson no le fue nada mal en taquilla ($611.899.420 con un presupuesto de $30.000). El cristianismo en esta ocasión fue rentable.

Al tener esta película muchos aspecto que comentar mejor es dividirlos en 4 puntos.

CASO #32 La diligencia. Una "bomba social"

La diligencia (Stagecoach, 1939) es uno de los grandes westerns de John Ford junto a Centauros del desierto (The Searchers, 1956) y El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962).

El western fue el género que sirvió para configurar la propia leyenda de Estados Unidos, que a diferencia de Europa era una nación recién nacida. En el western clásico siempre hay un personaje que resalta por su valentía o por su determinación a la hora de hacer frente a un desafío. Ringo, un forajido que busca vengar a su familia tras ser asesinada, un renegado social, es el héroe que se atreve a dar lecciones de educación a otros de mayor estatus social, y lo hace de la mano de otra renegada social, una prostituta que quiere ser madre.

Un médico borracho (Boone), una prostituta (Dallas), el sheriff del pueblo (Curly), un jugador profesional (Hatfield), un viajante de whisky (Peacok), un banquero (Gatewood) y una mujer en busca de su marido desaparecido en combate (la señora Mallory) coinciden en una misma diligencia conducida por el miedoso conductor Buck. Su travesía se ve violentada por el miedo a encontrarse con los apaches. Salvo este inconveniente en el camino ningún elemento parece que pueda cambiar sus vidas. Va a ser Ringo Kid el detonante de la “bomba social” que viaja en la diligencia.

Los cortometrajes de los Oscar 2012. The fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore entre otros

Todo el mundo se ha interesado en los premios de La Academia (todavía hay quienes piensan que no hay más Academias en el mundo), ha hablado de los ganadores, de The Artist, del cine mudo, de la incursión del cine francés (que goza de muy buena salud a demás del caso de The Artist) en Hollywood. Y como todo el mundo ya sabe de todas estas cosas no voy a decir más. Pero voy a hablar de unos premios que normalmente pasan desapercibidos: los Oscar a mejor cortometraje de animación.

Dimanche (Patrick Doyon), A morning Stroll (Grant Orchard), La Luna (Enrico Casarosa), Wild Life (Wendy Tilby, Amanda Forbis) y The fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore (William Joyce, Brandon Oldenburg) fueron los candidatos al premio. Ganó el último y gracias a las redes sociales y a que tres de ellos se pueden ver online en YouTube se corrió la voz y bastante gente los pudo disfrutar.

De gustos hay mucho escrito en los videoclips

El polaco Rybczynski y el estadounidense Spike Jonze

Ya pasó con Had a bad day. Un videoclip puede ser una oportunidad fantástica para entender el lenguaje cinematográfico. Me voy a fijar en dos videoclips que entienden cada uno el cine de una manera antagónica. El arte de sus directores está en contar historias de una manera, visualmente, totalmente diferente: Rybczynski (Imagine de John Lennon, 1987) y Spike Jonze (California de Wax, 1995).

Imagine es una vuelta al pasado por muy moderno que parezca y California es un homenaje a la sintaxis del cine clásico. Me explico porque volver al pasado y clásico puede parecer lo mismo. Mucho más si vemos que lo que hace Rybczynski en Imagine parece mucho más moderno: marcar el crecimiento de una persona desde pequeña hasta mayor a través de diferentes cuadros. Wax por el contrario es un plano secuencia en el que la cámara acompaña a cámara lenta la estela de fuego de un hombre hasta tomar el autobús.

CASO #29 Los descendientes. Sexo, muerte, hijos desmadrados y George Clooney

Los descendientes (Estados Unidos, 2012) sigue una corriente de cine que lleva desarrollándose desde hace unos cuantos años. Directores como Jason Reitman, Tom McCarthy, Paul Thomas Anderson o Wes Anderson. Por su realista mirada a la realidad y por su comedia un tanto ácida y desengañada estos directores han forjado una cara nueva del cine contemporáneo. Alexader Payne (de raíces griegas, aunque no tiene ninguna crisis creativa) es el director, guionista y productor de esta fantástica comedia-drama (si es que se la debe encasillar). Payne no se corta un pelo y deja al espectador bien sentado en la butaca desde el  comienzo de la película con la voz en of de Matt King (George Clooney): la escéptica visión del mundo de King: El sol brilla, los pájaros cantan... ¿y qué? Estoy en el hospital y estoy sano. El paraiso se puede ir a la mierda.

CASO #27 Million Dollar Baby en 11 fotogramas

Hay algunas películas que quieren marcar época. Million Dollar Baby (2004) tiene grandes motivos para serlo. Ya sea por su temática (las esperanzas rotas de la vida de una mujer y la eutanasia) o por su estilo lo que consiguió Clint Eastwood es una obra maestra. Aunque sería demasiado injusto que solo él reciba todos los aplausos: los actores bordan sus papeles, el guión de Paul Haggis es el eje sobre el que gira y se sostiene todo el mecanismo de la historia de la boxeadora Maggie y la fotografía de Tom Stern asienta la película en lo más profundo de la ambigüedad del cine negro con su paleta de claroscuros.

Con los siguientes fotogramas quiero explicar cómo el trabajo del guionista y del director de fotografía se funden para adentrar al espectador en las esperanzas y dudas de los tres personajes protagonistas: Frankie Dunn (Clint Eastwood), Maggie (Hilary Swank) y Eddie Scrap (Morgan Freeman). Siendo esta una película que dio mucho que hablar sobre la posición de Eastwood acerca de la eutanasia, me parece que la mejor manera de intentar aclarar el debate es "leyendo las imágenes" de la película. El uso de las sombras nos revelarán el estado interior moral de los personajes (base sobre la que trabaja el cine negro).

CASO #24 Fantástico Mr. Fox. Entre la fidelidad a la obra y el sello personal

Por mucho que pasen los años y las décadas nada puede impedir que nos sigamos pareciendo a nuestros antepasados en nuestra forma de ser: en nuestras prioridades, metas o sentimientos. Lo vemos palpablemente en muchas ocasiones en las adaptaciones de libros antiguos a películas. Por ejemplo hace unos meses nuevamente fue adaptada la novela de Jane Eyre muy personalmente por Cary Fukunaga pero sin romper con la obra original (las dos claves necesarias para que tanto el libro como la película pueden ser obras de arte). Pero como todavía no he podido ver esta película no puedo decir nada de ella.

ENTREVISTA: Alejandro Brugués director de Juan de los muertos. “No creo que irse sea la solución”

Alexis Díaz de Villegas junto al director Alejandro Brugués

Alexis Díaz de Villegas junto al director Alejandro Brugués

Volvemos a las entrevistas que las teníamos un poco olvidadas.

Es perfectamente comprensible y admirable que en Cuba exista un cine de denuncia si se ve la situación que atraviesa el país desde hace décadas. Y más aún si se tiene en cuenta que aquellos que hacen cine de denuncia son los propios cineastas cubanos. Lo que alienta aún más este tipo de cine en Cuba es la dificultad que tiene que atravesar el cineasta para llevar a cabo sus películas. Juan de los muertos (Cuba, España, 2011) de Alejandro Brugués (Personal Belongings, 2007) es un caso típico. Solo que añade una pequeña peculiaridad: se trata de cine de zombis. Dejo aquí algunos extractos de una entrevista de Miradas de cine divididas por temas.

CASO: El cine de Malick y Tarkovsky: A hombros de gigantes

Uno de los objetivos de todo blog, sea cual sea su temática es dar a conocer otros blogs o webs. Parece un poco raro: los que tenemos un blog escribimos nuestras propias entradas, hacemos lo posible para que las lean y encima damos publicidad gratuita a otros blogs. Así es: lo propio de los blogs es formar una comunidad porque el saber de muchos es mayor que el saber de uno mismo y es indiscutible que en un solo blog no está todo. De esta manera quiero continuar con el tema de El árbol de la vida, una fantástica película que, pese a que no gustó nada a unos a otros nos fascinó.

Yo ya escribí lo que pienso de ella así que escuchemos lo que dicen otros para poder tener una idea más universal. Sugiero que os paséis por alguna de estos enlaces:

CASO: Hay cine de animación más allá de Pixar: Malcolm Sutherland

Existen todo tipo de premios para las películas. Desde mejor película hasta mejor sonido. Entre algunas de las candidaturas está la de mejor película de animación. Y a veces uno se pregunta por qué tiene que hacer esa distinción tan explícita. En los últimos años, en los Oscar, casi siempre ha ganado en esta categoría Pixar: Toy Story 3, Up, Wall-e... Sin embargo, muchos se han quejado diciendo que se habría merecido también el premio a mejor película del año. Estoy de acuerdo: grandes historias con acabado perfecto. Excepto porque en las de animación no hay actores casi todo este tipo de películas que vemos en el cine siguen el mismo esquema que las películas de carne y hueso. ¿Por qué diferenciarlas? ¿Qué sentido tiene hacer películas de animación si siguen las mismas estructuras que las que no son animadas?

El cine de animación tiene unas características propias, unas potencialidades que pueden quedar obstruidas en el modelo tan narrativo al que nos tiene acostumbrado Pixar y Dreamworks especialmente.

CASO. El árbol de la vida o cómo mirar

Os pido paciencia con esta entrada y con la película.

Hace una semana tuve la oportunidad de ver The tree of life (2011), la última obra de Terrence Malick. Una película que bien te cautiva desde el primer momento o difiícilmente se te hace soportable. La película fue vendida como una superproducción de gran calidad técnica (mágníficas imágenes del universo) producida e interpretada por Brad Pit. Sin embargo, la película es todo lo contrario. Es una mirada poética de la infancia. Y no exagero si digo que se trata de una plegaria de una madre a Dios por la pérdida de uno de sus hijos pequeños. Ya desde el primer minuto, con la cita de Job (creo que la Biblia al final la conoceremos por las citas en el cine), Malick deja clara sus intenciones. No cabe duda de que pretende hacer un coloso, una obra ontológica. Tras hacer un primer montaje de siete horas y un resultado final de más de dos horas, el director estadounidense deja claro que tenía algo que decir. 

¿Dónde estabas tú cuando hice los cimientos de la tierra,

cuando las estrellas del cielo empezaron a cantar

y todos los hijos de Dios gritaron de alegría?

Job 38: 4,7