ENTREVISTA con Michael Haneke. Funny Games

En el año 1997 Michael Haneke estrenó uno de sus filmes más conocidos Funny Games (que diez años reharía en el mismo en Hollywood copiándose plano por plano). Con esta película dejaría claro al público su interés en retratar la violencia. A lo largo de su carrera con La pianista (2001) o Escondido (2005) se reafimaría en esta tendencia. Sin embargo, sería injusto de hablar de sus películas como apología de la violencia o de ensañamiento con los personajes que pueblan su universo creativo. De este problema ya hemos hablado a raíz de Reservoir dogs.

CASO #41 Hoy empieza todo. la realidad supera a la ficción

              “Un niño es lo más bonito del mundo. Nace del amor, es inocente, te mira, te sonríe, te dice cosas graciosas, los niños son maravillosos.

                           No puedo soportar que un niño sufra, no lo puedo aceptar”

Desarrollada en un pueblo del norte de Francia, y filmada en el barrio de Dutemple, en Valenciennes con la participación actoral de sus habitantes, lo que Bertrand Tavernier logró con Hoy Empieza Todo (1999) es un cuadro personal de costumbres y hábitos, de sonrisas y silencios, de esperanzas y miserias: un estudio sociológico de la olvidada y áspera labor de educación en el norte de Francia que siendo antes próspera por sus industrias ahora ha caído en la miseria material. Pero dicho así parece que la película es un documental sin alma. Digamos más bien que Tavernier nos cuenta el afán y las luchas de Daniel Lefebvre (Philippe Torreton) en su escula de preescolares.

Del 8 al 15. Cine para que no te aburras este verano

8. Toy Story

La primera película de animación de Pixar. A la espera del estreno de Brave biene bien repasar esta fabulosa historia de juguetes y descubrir que hay un amigo en tí. La soledad, el desplazo e incluso la duda existencial solo logran superarse con la ayuda de tus files amigos, aunque estos sean un juguete del hiperespacio, un cerdo, un perro con muelle y un cerdo. El trabajo que realizó el equipo capitaneado por John Lasseter es de incuestionable valor y abrió la brecha de uno de los estudios de cine con más prestigio y trayectoria de la historia.

Del 1 al 7. Cine para este mes de agosto. Primera parte

¿Qué os parece esta primera selección de cine para ver este mes?filingaps.blogspot.com.es/2012/07/el-pad…
— Filling the gaps (@FTGaps) julio 31, 2012

1. Million Dollar

Baby

Hay algunas películas que quieren marcar época. Million Dollar Baby (2004) tiene grandes motivos para serlo. Ya sea por su temática (las esperanzas rotas de la vida de una mujer y la eutanasia) o por su estilo lo que consiguió Clint Eastwood es una obra maestra. Aunque sería demasiado injusto que solo él reciba todos los aplausos: los actores bordan sus papeles, el guión de Paul Haggis es el eje sobre el que gira y se sostiene todo el mecanismo de la historia de la boxeadora Maggie y la fotografía de Tom Stern asienta la película en lo más profundo de la ambigüedad del cine negro con su paleta de claroscuros. Una obra maestra de Clint Eastwood que se vió compensada en Gran Torino.

CASO #38 Realismo en construcción. La lista de Schindler VS 4 Meses, 3 Semanas, 2 Días

A primera vista Steven Spielberg y Cristian Mungiu no tendrían nada en común. Spielberg se mueve más en el terreno del sentimiento y Mungiu en el lado más frío de la vida. Pero si cogemos La lista de Schindler de Spielberg y 4 meses, 3 semanas, 2 días de Mungiu guardan cierta relación. En las dos ocasiones ambos quieren hacer una película lo más realista. En un caso se cuenta cómo Oskar Schidler logró salvar la vida a cientos de judíos durante la 2ª Guerra Mundial, en el otro como Otilia ayuda a su amiga Gabita a abortar en la Rumanía de los últimos años de la URSS. En ambos casos un drama en torno a la muerte y al poder de la solidaridad filmado con una especial atención a la ambientación y al realismo de las situaciones y de los hechos que acaecen.

Sin embargo, son dos películas, a la vez, completamente diferentes. Spielberg demuestra su capacidad para organizar un descumunal despliegue de medios técnicos con una puesta en escena descarnada. Parece querer ser transparente y mostrarnos lo que hubiese ocurrido a aquellas personas, pero - ¡ay!- no es sincero en la manera de hacerlo. Se desplaza a las localizaciones reales (Polonia, Auschwitz o Jerusalén) para rodar, pero es falso en la construcción de sus personajes, que es lo más importante en un contador de historias como Spielberg. Hace un universo de ficción cerrado, en donde todo encaja absolutamente bien pero comete el error de asfixiar la historia con tal de tenerlo ordenarlo todo. Por ejemplo, es implanteable que los judios en el campo de concentración no sufran ni una sola crisis emocional, ni que el judío Stern, encargado de las cuentas de Schindler, decaiga en su en ni una sola ocasión.

De gustos hay mucho escrito en los videoclips

El polaco Rybczynski y el estadounidense Spike Jonze

Ya pasó con Had a bad day. Un videoclip puede ser una oportunidad fantástica para entender el lenguaje cinematográfico. Me voy a fijar en dos videoclips que entienden cada uno el cine de una manera antagónica. El arte de sus directores está en contar historias de una manera, visualmente, totalmente diferente: Rybczynski (Imagine de John Lennon, 1987) y Spike Jonze (California de Wax, 1995).

Imagine es una vuelta al pasado por muy moderno que parezca y California es un homenaje a la sintaxis del cine clásico. Me explico porque volver al pasado y clásico puede parecer lo mismo. Mucho más si vemos que lo que hace Rybczynski en Imagine parece mucho más moderno: marcar el crecimiento de una persona desde pequeña hasta mayor a través de diferentes cuadros. Wax por el contrario es un plano secuencia en el que la cámara acompaña a cámara lenta la estela de fuego de un hombre hasta tomar el autobús.

CASO #23 Super 8. Nostalgia y homenaje de un cine que se ¿extingue?

Super 8 (J.J. Abrams, 2011) es una película de otro tiempo. Una mirada nostálgica y por lo tanto extraña hasta cierto punto del cine actual. Así mismo, al otro lado de la moneda, una nueva oportunidad de recuperar lo perdido.

Abrams toma prestada la personalidad y el caché de Steven Spielberg en Super 8. Se reviste del cine de Spielberg para hacer un homenaje en toda regla de las películas que marcaron a una genración de hace ya varias década. En casi cada uno de los planos se encuentran reminiscencias de las aventuras que dieron vida Tiburón (Steven Spielberg, 1975) Encuentros en la tercera fase (Ibid, 1977), E.T (Ibid, 1982), Los Goonies (Richard Donner, 1985 y producida por Spielberg) o Parque Jurásico (Spielberg, 1993). Cito estas cinco películas que las he visto pero sobre todo la película está construida con los temas del Spielberg más conocido: la infancia, las pandillas de verano, la amistad, el bien y el mal encarnados en buenos buenísimos y malos malísimos.

CASO: Señora Violencia, deme usted sus razones

La primera vez que ví Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino tardé una semana en terminarla. No porque no me gustase o me aburriese sino porque no tenía las dos horas y pico necesarias para verla. Hace unos días tuve la ocasión de volver a ver por segunda vez (y de un tirón) la primera película de Tarantino.

Si en el caso de Pulp fiction la violencia del film llegaba a tener algún sentido por su tono grotesco, en Reservoir dogs (1992) la violencia carece de sentido. Es gratuita; un despliegue de sangre y crudeza para el disfrute. La violencia como protagonista. Un paréntesis: en la fotografía de la película priman los colores blanco (el edificio) y negro (los personajes), y rojo para que resalte la sangre. Fin del paréntesis. Violencia para el disfrute, una violencia estética. ¿Pero realmente todo debe ser sujeto de representación en el cine? O más bien, ¿Si se elige representar un tema en el cine se debe tener algún tipo de ética o respeto?, ¿o todo vale ya que estamos trabajando en el campo de la ficción? Hay quien escusa a Tarantino de su estilo grotesco, insultante y degradante (no todo es así en su cine porque la forma de enfocar la maternidad en Kill Bill es fantástica) porque es Tarantino que tiene un estilo tarantaniano. En fin, que dicen que Tarantino es un artista y que por ello está por encima del bien y del mal.