31 de agosto. RECOMENDADOS: Amor bajo el espino blanco y Tadeo Jones

Esta semana regresa Zhang Yimou a los cines tras un insustancial y ponposo drama The flowers of war. Lo hace con un delicioso romance adolescente Amor bajo el espino blanco ambientado en la revolución cultural china en donde impera la censura cultural y la exaltación del comunismo maoista. Con su personal delicadeza para contare romances llenos de verdad y, aunque aparentemente sensibleros, de ternura y tragedia: porque el amor es así. En una etapa de la vida del hombre y la mujer, la adolescencia, en que aún se están descubriendo a sí mismos contar un enamoramiento es toda una proeza atractiva. La cinta para los que conozcan la filmografía del directo os recordará a El camino a casa (1999)

La cinta se estrena en nada más que 28 salas por lo que a más de uno nos resultará difícil de ver. Quedará cerca su estreno en DVD y versión online.

69ª edición del Festival de Venecia. ¿Quienes estarán?

Comienza una de las citas más importantes con el cine: el Festival de Vencia conocido como La Biennale. Desde hoy hasta el día 8 de septiembre 18 películas tendrán la ocasión de alzarse con el León de Oro. Una cifra reducida con respecto a otros ediciones anteriores. Esta es uno de los cambios introducidos con la llegado del nuevo director del certamen Alberto Barbera. El jurado presidido por el director de cine Michael Mann eligirá entre los nuevos trabajos de PAUL THOMAS ANDERSON, OLIVIER ASSAYAS, BRIAN DE PALMA o TERRENCE MALICK entre otros.

The Master (el equipo en su presentación en Venecia) y To the wonder son algunas de las películas más esperadas. De la segunda de Terrence Malick (El árbol de la vida), como es habitual, no sabremos casi nada hasta que se proyecte por primera vez. Tal vez únicamente  sabemos de su reparto (Ben Affleck, Rachel McAdams, Javier Bardem, Rachel Weisz) y de unas declaraciones de su director de fotografía Emmanuel Lubezki en la que describía la película como “abstracta” y la más alejada de las convenciones del lenguaje clásico cinematográfico. Los actores han explicado que trabajaron sin guión ni luz artificial.

De The Master de Paul Thomas Anderson (Pozos de ambición) os dejo los dos trailers.

11 de agosto. RECOMENDADOS: Brave

Este fin de semana llega a los cines españoles Brave con un mes de retraso respecto a su estreno en EE.UU. La razón es que en julio la asistencia al cine hubiese sido mucho menor que en ahora por la Eurocopa. Pero es igual, la espera ha merecido la pena y la cita anual con Pixar siempre es bienvenida: animación de la mejor calidad, historias solidas y personajes con encanto. En esta ocasión Brave nos sitúa en la Escocia del siglo X en la piel de una princesa con vocación guerrera. Como es habitual la calidad técnica está al nivel de la riqueza en los temas preferidos por la compañía: la amistad, la familia, el esfuerzo, la maduración del carácter y la responsabilidad.

Por cierto, creo que por ahora no hay posibilidad de ver la versión original subtitulada.

A continuación el TRAILERy una ENTREVISTA con algunos de su equipo creativo.

Las claves del éxito en Pixar: los niveles de lectura (3/4)

Recordamos las anteriores claves del éxito de Pixar. Primero: construir una industria de entretenimiento de calidad a base de creatividad. Segundo: superación tecnológica continua para crear mundos animados.

Pero el plato fuerte por el que el público valora la marca de John Lasseter son sus historias. En la actualidad hay escasez de buenos guiones que lleguen a ser una película con gran repercusión mediática. Una razón podría ser que resulta demasiado arriesgado contar historias que sin ser espectaculares consigan grandes recaudaciones y recuperen la inversión. Pero Lasseter, cumpliendo su papel de productor (rentabilizar una película sin denostar la calidad artística), apuntó alto y no se ha quedado corto. Hacer cine de animación equivale a que toda la familia va a ir al cine. El reto era que los niños disfrutasen, los jóvenes no se avergonzasen de ver cine de animación y los padres no se aburrieran. Pixar lo consiguió apostando en un gran equipo de guionistas capaces de escribir cada película en varios niveles de lectura.

Las claves del éxito en Pixar. Vanguardia en animación digital (2/4)

En la anterior entrada vimos cómo una de las claves del éxito de Pixar era su modelo inspirado por Steve Jobs que trata de fomentar la iniciativa en sus trabajadores: cada proyecto sale del propio equipo creativo. También influye la mentalidad de que ir a trabajar a Pixar es ir a trabajar jugando.

La segunda clave del éxito de Pixar es ser la vanguardia de la animación digital.

Las claves del éxito en Pixar. Industria y creatividad (1/4)

John Lasseter hablando con la productora de
Brave Katherine Sarafian y su director Mark Andrews

Hablar de Pixar es hablar de éxito asegurado y de talento a la hora de contar historias; de industria y de creatividad. Nunca debe creerse que hacer espléndidas películas se encuentra únicamente en el terreno de los pequeños presupuestos y que es cosa de un hombre que quiere ser a la vez director, productor, guionista, director de fotografía y incluso actor de sus propias películas. El cine es trabajo en equipo en estado puro. Consiste en sacar el máximo partido de los talentos creativos que el productor pone a disposición del director y su equipo. Para ello Pixar tiene un modo de trabajar algo distinto del resto de productoras. Es un claro ejemplo de cómo reunir y trabajar con cientos de personas a la vez: cada uno en su especialidad pero con una visión unificada en el director y el productor.

3 de agosto. RECOMENDADOS: Pollo con ciruelas y Prometheus

Este viernes recomendamos para ver en el cine:

POLLO CON CIRUELAS (Poulet aux prunes). Una coproducción de Francia/ Alemania/ Bélgica. El trailer os recordará a películas del estilo de Jean-Pierre Jeunet (Amelie) pero está dirigida por el dúo Marjana Satrapi, Vincent Paronnaud cuyo primer trabajo es Persépolis. El estilo irónico, desenfadado y satírico a la vez se encuentra en cada fotograma. La película está dividida en varios episodios por lo que dificulta la unidad del relato y supone el distanciamiento sentimental del espectador. Con todo ello una película fantástica desde el punto de vista visual con variados homenajes al expresionismo alemán, a Hitchcock y Fellini.

La gran competencia (aunque realmente tiene un público totalmente diferente) a la que tendrá que hacer frente Pollo con ciruelas será la esperada PROMETHEUS de Ridley Scott. La película se puso el listón demasiado alto al recuperar al director que revolucionó la ciencia-ficción con Alien. Hace llamarse su precuela pero es más bien la oportunidad de relanzar la franquicia (no hay ningún mal en ello) tras el bombardeo de Alien vs Predator 1, 2, 3, 4, 5.... Ya me entendéis. Scott, que tiene ahora 75 años se hace un homenaje como máximo representante de este género pero sus alardes filosóficos descontentarán a más de uno. Si además descubrimos que en el guion está metido Da­mon Lin­de­lof, que escribió el libreto de la serie Perdidos, las turbulencias que pueda sufrir la tripulación de la nave Prometheus harán difícil que llegue a buen puerto. Sin embargo, es una película que se deja ver y que contentará la curiosidad de muchos.

Del 8 al 15. Cine para que no te aburras este verano

8. Toy Story

La primera película de animación de Pixar. A la espera del estreno de Brave biene bien repasar esta fabulosa historia de juguetes y descubrir que hay un amigo en tí. La soledad, el desplazo e incluso la duda existencial solo logran superarse con la ayuda de tus files amigos, aunque estos sean un juguete del hiperespacio, un cerdo, un perro con muelle y un cerdo. El trabajo que realizó el equipo capitaneado por John Lasseter es de incuestionable valor y abrió la brecha de uno de los estudios de cine con más prestigio y trayectoria de la historia.

Del 1 al 7. Cine para este mes de agosto. Primera parte

¿Qué os parece esta primera selección de cine para ver este mes?filingaps.blogspot.com.es/2012/07/el-pad…
— Filling the gaps (@FTGaps) julio 31, 2012

1. Million Dollar

Baby

Hay algunas películas que quieren marcar época. Million Dollar Baby (2004) tiene grandes motivos para serlo. Ya sea por su temática (las esperanzas rotas de la vida de una mujer y la eutanasia) o por su estilo lo que consiguió Clint Eastwood es una obra maestra. Aunque sería demasiado injusto que solo él reciba todos los aplausos: los actores bordan sus papeles, el guión de Paul Haggis es el eje sobre el que gira y se sostiene todo el mecanismo de la historia de la boxeadora Maggie y la fotografía de Tom Stern asienta la película en lo más profundo de la ambigüedad del cine negro con su paleta de claroscuros. Una obra maestra de Clint Eastwood que se vió compensada en Gran Torino.

Todos los Videoblog de Peter Jackson sobre El Hobbit. Cómo transformar 266 días en marketing

 

La labor que ha hecho el equipo de Peter Jackson durante 266 días ha sido asombroso. Más lo es, si cabe, de cara al público si durante ese tiempo hemos podido participar de esa esperiencia. P. Jackson puntualmente nos ha ido informando del rodaje y de cómo ha puesto en marcha semejante máquina en la que han intervenido centenas de personas que han dejado su granito de arena para que fuera posible hacer real, literalmente, la Tierra Media de Tolkien.

Los créditos de la Trilogía de El Señor de los Anillos eran infinitos con listas interminables de nombres a los que por primera vez les vemos las caras de la manera más cercana gracias a los ocho videoblogs protagonizados por su director, cosa alguna que antes en ninguna producción sus responsables se habían preocupado por lograr de manera tan radical: hacer cercana la "fábrica de sueños" a su público y vender el producto desde casi el cascarón. Eso sí, presentando todo como si fuese real pero sin mencionar nada que suponga un desbarajuste para el marketing de la una película. Pues por muy cerca que nos ponga Peter de su mundo tolkiano nunca correrá el riesgo de mostrarnos de verdad el día a día real de un rodaje.

Videoblog 10: Promoción y Premiere de la película



Videoblog 9: La Post-Producción



Videoblog 8: El último antes de la Post-Producción

CASO #40 In the mood for love o El estado propicio para amar

Reinaba la intranquilidad.

Ella, tímida, inclinaba la cabeza

Para que él se acercase.

Pero a él le faltaba el valor

Ella dio media vuelta y se alejó

Leu Yee-Chang

Dos parejas se mudan a una pequeña comunidad instalada en el Hong Kong de los años 60. Diferentes circunstancias hacen que el marido de una de las parejas y la mujer de la otra tengan que estar continuamente de viaje lo que supone que los otros dos cónyuges, Ms. Chang y Chow Mo-wan, tengan que encontrarse asiduamente. Inevitablemente empieza a surgir entre ellos una relación que supera la curiosidad como vecinos. Las situaciones de ayuda mutua, de comprensión, de compartir sus soledades les supone que arda en ellos el amor como si de un fuego lento pero que se extiende en todas direcciones. A partir de aquí Wong Kar Wai nos irá desvelando el éspiritu del que estamos hechos y su capacidad para enamorarse de una forma sutil y elegante, muy elegante. ¿Hasta dónde serán capaces de llegar en su pasión? ¿A qué razones se atendrán y sacarán las fuerzas necesarias para mantenerse fieles a su compromiso?

CASO #39 Moonrise Kingdom. El detalle de la teatralidad

Wes Anderson está entusiasmado con su universo friki, mágico, irreal y tremendamente actual por sus temas, tanto que ha logrado crear un grupo fiel de seguidores, que aumenta película tras película, manteniéndose fiel al estilo que ha creado, reforzándolo hasta tal punto que Moonrise Kingdom es el resultado de llevar al extremo los planteamientos iniciales iniciales de su carrera: planos geométricamente planificados, ambientación kitsch (sin menospreciar), la incomunicación, el amor, la soledad, la familia, el guitarrista casi siempre presente y una música perfectamente elegida (Life of mars, I am waiting, Making time, Hey Jude, String Quartet, These days, …). Podría decirse que sus películas son la aspiración de un personaje a encontrarse a sí mismo.

Aquí tenéis algunos puntos-contrastes comunes en su filmografía, especialmente aquellos que hacen referencia a su última película, Moonrise Kingdom (presente en el Festival de Cannes 2012).

CASO #38 Realismo en construcción. La lista de Schindler VS 4 Meses, 3 Semanas, 2 Días

A primera vista Steven Spielberg y Cristian Mungiu no tendrían nada en común. Spielberg se mueve más en el terreno del sentimiento y Mungiu en el lado más frío de la vida. Pero si cogemos La lista de Schindler de Spielberg y 4 meses, 3 semanas, 2 días de Mungiu guardan cierta relación. En las dos ocasiones ambos quieren hacer una película lo más realista. En un caso se cuenta cómo Oskar Schidler logró salvar la vida a cientos de judíos durante la 2ª Guerra Mundial, en el otro como Otilia ayuda a su amiga Gabita a abortar en la Rumanía de los últimos años de la URSS. En ambos casos un drama en torno a la muerte y al poder de la solidaridad filmado con una especial atención a la ambientación y al realismo de las situaciones y de los hechos que acaecen.

Sin embargo, son dos películas, a la vez, completamente diferentes. Spielberg demuestra su capacidad para organizar un descumunal despliegue de medios técnicos con una puesta en escena descarnada. Parece querer ser transparente y mostrarnos lo que hubiese ocurrido a aquellas personas, pero - ¡ay!- no es sincero en la manera de hacerlo. Se desplaza a las localizaciones reales (Polonia, Auschwitz o Jerusalén) para rodar, pero es falso en la construcción de sus personajes, que es lo más importante en un contador de historias como Spielberg. Hace un universo de ficción cerrado, en donde todo encaja absolutamente bien pero comete el error de asfixiar la historia con tal de tenerlo ordenarlo todo. Por ejemplo, es implanteable que los judios en el campo de concentración no sufran ni una sola crisis emocional, ni que el judío Stern, encargado de las cuentas de Schindler, decaiga en su en ni una sola ocasión.

7 retratos de la realidad: De Origen a 4 meses, 3 semanas, 2 días

4 meses, 3 semanas, 2 días

Dejo caer esta pequeña bomba: ¿Qué es retratar la realidad?

El cine, a diferencia de la literatura, trabaja con las cosas materiales que tenemos para construirse. No vasta con que el director, el guionista o el productor tenga una buena idea; hay que darle forma y construirla. Pero hay muchas maneras de enfocar el combate entre la cámara y la realidad.

1. El cine es contar una historias. El cine es una evolución de la literatura y por tanto existe todo un despliegue de géneros a los que atenerse para crear historias con sus reglas, modelos, estándares...
2. La realidad es una anécdota: que le den dos duros a la realidad. Yo cuento mi historia y me da lo mismo ambientarla en la Edad Media o en el futuro. Por ejemplo, War horse (Steven Spielberg, 2011) se centra en la amistad. En su caso, mientras que el escenario en el que transcurra tenga un halo de romanticismo pasteloso y de tragedia, podría desarrollarse en el jardín de mi casa y tener de protagonista a un perro en lugar de a un caballo.
3. La realidad se construye, ya sea con escenarios o con CGI (imágenes generadas por ordenador como en el caso de Origen  de Cristopher Nolan). Crear mundos fantásticos o de ciencia ficción, películas históricas...

¿Wes Anderson? ¿Monrise kingdoom?

Este viernes 15 de junio se estrena Moonrise Kingdom, la última película de Wes Anderson y presentada en el Festival de Cannes. Sus películas son cuentos visuales. La propia planificación de las escenas, con largos trávellings horizontales y encuadres medidos con regla, parecen estar servidas de una manera infantil; todo tiene un aire de superficialidad en sus historias. Sin embargo, siempre trata temas universales como la relación entre padres e hijos o la aventura mostrados de una manera única.

En su última película nos cuenta cómo dos niños de los años 60 tras enamorarse en un campamento de Boy Scouts se fugan para casarse. Bruce Willis, Eduard Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton y Jason Schwarzman son los actores que aparecen en esta película pero no esperemos verlos interpretando sus papeles más conocidos pues en el cine de Anderson todo tiene un aire de teatralidad y fantasía.

Aquí os dejo una recopilación de imágenes para que os hagáis una idea del universon Anderson. También el trailer de Moonrise kingdom.

Esa cosa rara llamada cine: hacer comedias no es gracioso

Johnny Depp "es" Barnabas Collins

Esta entrada es una continuación de lo que dije en ¡Mirar al pajarillo!

El cine es una maravilla. Incluso en sus películas malas. En esas en las que sabemos perfectamente que se han hecho porque las productoras tienen que cumplir su cupo de películas anuales o en aquellas hechas por directores que tuvieron sus genialidades pero que ahora están de capa caída como Tim Burton. ¿Por qué digo que ese tipo de cine de "mala calidad" es incluso una maravilla? Porque es toda una proeza lograr hacer sentir en el espectador una sensación de realidad. ¿Sensación de realidad? Pero si la mayoría de las películas se hacen siguiendo unos cánones, unas técnicas, que los productores, directores y guionistas en su mayoría conocen y saben utilizarlas para lograr un efecto. Es esta una de las maravillas del cine y uno de sus grandes lastres.

¿Acaso no vamos a ver Los Vengadores sabiendo que no van a inventar nada nuevo, que solo van a aplicar la fórmula (pero bien aplicada)? Y con la ventaja de que casi todos los personajes han sido trabajados en otras películas. Y si por un casual el público no los conoce, por supuesto que ha visto a los actores en otros trabajos. Ante todo en este tipo de producciones es fundamental que el público no se sienta extraño ante lo que va a ver: no vaya a molestarse a su majestad el público. Más mágico y extraordinario resulta que veamos a Jeremy Renner, primero, como desactivador de bombas en En tierra hostil, y ahora, de sustituto de Ethan Hunt en Misión Imposible: Protocolo fantásma, más adelante de Ojo de Alcón en Los Vengadores y nada más y nada menos que de nuevo chico Bourne en la próxima cuarta entrega. No. Por su puesto que el cine no puede hacer realidad. Tan solo un trasunto de ella. ¿Y entonces por qué vamos al cine a vivir experiencias que nos gustaría ver cumplidas en nuestras vidas: una comedia, un drama sobre la crisis económica o una tierna o trágica historia de amor? Sabemos que los contadores de esas historias han establecido todos los elementos, todas sus artimañas de cara a una estrategia que con suerte funcione y el espectador, en la oscuridad de una sala o en la pantalla de su ordenador, con gente hablando a su alrededor e importunando, SIENTA un algo, un no-se-qué que haga que se le escape una sonrisa, una lágrima, se le ericen los pelos, tenga un escalofrío o pegue un bote en su asiento vertiendo su Coca-Cola de 2,50€.

CASO #37 Juno y el optimismo ácido de Diablo Cody

“I don’t see what anyone can see 

In anyone else. But you” 

Yo acabé con un nudo en el estómago. Y es que Juno es una comedia fantásticamente trágica, pero muy optimista. Muy moderna y de la que espero que vengan otras más. Con solo la música, la película es realmente conmovedora e inteligente. Ellen Page hace una interpretación que hace envidiar a cualquier actriz experimentada: logra una actuación sincera (si se puede hablar así de las actuaciones). Page carga con el personaje de Juno y todo lo que este lleva consigo, si se puede hablar así de su papel de una chica de 16 que se queda embarazada de un amigo en el instituto. El personaje de Ellen Page sería la Jody Foster de Taxi Driver o el Antonine Doinel de Los 400 golpes.

Dirigida por Jason Reitman, Juno tiene mucho del estilo de Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton, Valerie Faris), estrenada dos años atrás y premiada en el festival de cine independiente de Sundance. Recibió el premio a Mejor Guion original en los Oscar y en los BAFTA del año 2007 y otra decena de premios sobre todo para la actriz protagonista (ahora conocida más por Origen).

FESTIVAL DE CANNES: Retrospectiva y premios (2008-2006)

Continuamos con la historia de las películas del Festival de Cannes. El primer cartel que aparece corresponde al año 2006. Es un homenaje a Deseando amar (In the mood for love) de Wong Kar Wai, una película magistral del año 2000. En aquel año se celebraba la 59ª edición del festival teniendo de ganadara El viento que agita la cebada. El cartel de la 60ª edición del festival tuvo de protagonista a varios artistas que saltaron delante del fotógrafo Philippe Halsman. Entre ellos se encuentran Pedro Almodovar, Juliette Binoche, Jane Campion, Penélope Cruz, Gérard Depardieu o Samuel L. Jackson. Por último el cartel de la 61ª edición está basado en un fotograma de una de las películas de David Lynch.

AÑO 2008 - 61ª EDICIÓN DEL FESTIVAL

La clase (Entre le murs). Este Festival tiene una especial predilección por películas que aborden temas de actualidad. La educación fue el tema premiado con la Palma de Oro de ese año. El francés Laurent Cantet escribe y dirige esta película que hace una radiografía del panorama francés en la enseñanza. Con el eje central en una clase de un instituto y con un estilo que se diluye entre la ficción y el documental, Cantet nos regala un film crudo en donde la fuerza que reside en unas interpretaciónes austeras pero muy convincentes y en el aplomo del retrato de la realidad francesa (que se puede estrapolar a Europa en general). Nada queda fuera de la mirada de Laurent Cantent en esta película que hay que ver.

FESTIVAL DE CANNES: Retrospectiva y premios (2011-2009)

Si en la anterior entrada hablamos de los directores de Cannes de esta temporada toca hoy hablar de la historia del Festival: quienes fueron las películas ganadoras de los últimos 12 años. Muchos de los títulos sonarán. Ahí está la fantástica El árbol de la vida, El pianista, Bailar en la oscuridad o El viento que agita la cebada son títulos conocidos. Siempre pasar por un festival de cine supone un gran impulso publicitario para cualquier película, crea lazos con futuras distribuidoras y gana el beneplácito de la crítica y de un futuro posible público cuando la película salga a la cartelera. Son filmes arriesgados que, por su calidad cinematográfica y el respeto que genera el hombre que hay tras ella, logran la tan ansiada Palma de Oro, el máximo galardón que otorga el jurado del Festival de Cannes.

CANNES 2012: ¿El Festival que crea a sus autores?

El año pasado seguí más de cerca este festival anual en el que se congrega el cine de autor ¿de Europa?, donde se refugian algunos cineastas independientes de las salas de cine y donde otros buscan una salida a sus películas y a sus carreras como cineastas. Este año sin embargo lo he pensado mejor y dejaré que el día 27 den el veredicto final y anuncian la ganadora. Ya habrá tiempo de ver las películas (las que lleguen a la cartelera y a tu ciudad, claro). Aún así, lo que sí resulta de interés es todo lo que rodea al Festival: ¿de qué países son las películas a competición? y ¿qué directores compiten?