CASO #36 Los paraguas de Cherburgo.Un juego de emociones

El cine desde que nació fue motion pictures. Y pocos años después bien pudo llamarse emotion pictures. Desde la primera historia de amor el cine no ha hecho más que sacarle partido a contar historias con los temas fundamentales de la vida entre los que está el amor.

Paraguas sobre Cherburgo (Jacques Demy, 1964) además de ser una historia de amor desgarradora es un musical particular (lo podéis ver en el vídeo de abajo). Incluso todo el diálogo es cantado. Sin embargo, no estamos delante de una película de números musicales sino de diálogo cantado por lo que la película está contada sin números musicales. Claramente si no son de tu agrado los musicales será más difícil que disfrutes de la película.

Una chica vendedora de paraguas Geneviève tiene que separarse de su prometido Guy cuando es llamado al servicio militar. Sola, tendrá que hacer frente a una decisión que pondrá en peligro su relación. Esta es la sinopsis de IMDb: una historia universal decenas de veces contada a lo largo de la historia pero con la que Jacques Demy logra jugar con las emociones de los espectadores. Como  la lluvia que cae incansablemente durante la película así va el director aumentando el dolor en los dos enamorados.

CASO #35 La Pasión de Mel Gibson en 4 puntos. El drama de un silencio

A Pedro: ¿No te he visto yo en compañía del galileo?

Pedro: Juro que no he visto a ese hombre.

No le he visto en mi vida. 

Hace una semana se celebró el viernes santo dentro de la Semana Santa y como es común en la TV pusieron películas de romanos (?) y también de la vida de Jesús. Me gustaría hablar de La Pasión de Cristo (Mel Gibson, 2004). Dentro de la basta filmografía que abarca la historia de Jesús quizá sea esta la que más acento pone en el realismo y a la vez dramatismo en lo que sucedió. En su momento la película supuso una gran polémica ya fuese por la figura de Gibson (actor, director y su propia personalidad en ocasiones un tanto combativa), por el propio tema y figura de la que trata, por el retrato violento de la Pasión o por hacerles la puñeta al sector judío de Hollywood. Sin embargo, como es bien sabido, en ocasiones cuantos más griten violentamente en tu contra más fácil es que te hagan publicidad gratuita. En EE.UU. se estrenó en 3043 pantallas y en España en 298 por lo que pese a no contar con el apoyo de la industria hollywoodiense en la que trabaja Gibson no le fue nada mal en taquilla ($611.899.420 con un presupuesto de $30.000). El cristianismo en esta ocasión fue rentable.

Al tener esta película muchos aspecto que comentar mejor es dividirlos en 4 puntos.

CASO #34 La aventura de Tintín. Divertimento sin disfrute.

                                                  Disfrutar: "Gozar los productos y utilidades de algo".

                                             Divertirse: "Recreo, pasatiempo, solaz" 

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (Steven Spielberg, 2011) es una de esas películas que hay que verlas una vez. Pero sólo una vez. De lo contrario disfrutarás de la película pero sabiendo que no vas a descubrir nada nuevo. Disfrutarás de las espectaculares secuencias en el Karuboudjan, en la avioneta o en Bagghar. Podrás descubrir los homenajes a los comics de Hergé, el alucinante detalle de precisión con que están dibujados los personajes y el background de cada imagen. Lo único que no podrás disfrutar de nuevo es con la historia que en su primer visionado se agota. Tintín es entretenimiento pero demasiado de usar y tirar. Y no es bueno oponer la calidad con el entretenimiento. Ahí está la trilogía de El Señor de los Anillos, Matrix o la saga Bourne.

Spielberg tiene la ventaja de tener los personajes construidos y que el público quiere ver (tantos lo fueron a ver que la película recaudó cerca de 250 millones de dólares en todo el mundo) cómo los ha retratado en pantalla. Spielberg juega limpio aunando varias de las historias de Tintín y no cae en la simpleza que hubiera sido copiar las viñetas. Sin embargo, la aventura de Tintín, Haddock y Milou no tiene fuerza. El grueso del trabajo se quedó en las coreografías para las batallas y persecuciones y el guión se quedó en el escritorio. Spielberg hizo una película de forma pero no de contenido. Y lo intenta solucionar con una escena tras la persecución en Bagghar demasiado forzada con un capitán que le da lecciones a Tintín de la misma manera que lo hizo Tintín en el bote en medio del mar. Lo que ocurre es que con la información que nos han dado en el resto de la película, Haddock no ha podido evolucionar dramáticamente tan rápido como se le pide. Desde otro punto de vista podría verse una “tintinización” del Capitán Haddock. Y ya está, no hay más drama que surja del interior de los personajes.

CASO #33 La mirada de una búsqueda. París, Texas de Wim Wenders

Uno de los grandes logros del cine ha sido y es mostrar la realidad de una manera única. Hay cineastas implicados en que cada película suya sea una mirada personal sobre lo que es la vida a través de historias y otros que cuentan historias que podrían haberse escrito en un libro (por lo que no han aprovechado el lenguaje cinematográfico). A veces nos olvidamos de que el cine es algo más que contar historias o vivir aventuras. ¿Quien no recuerda la niebla que envuelve al protagonista de La vida es bella cuando se topa con una pila de cadáveres o la escena de El árbol de la vida cuando los padres reciben la noticia de la muerte de su hijo? Es cierto que ambas escenas forman parte de una historia, pero el contarlas a través de imágenes, sin ruido de palabras, el resultado es realmente diferente a plasmarlo en palabras. Cada herramienta tiene su utilidad,cada lenguaje tiene sus reglas. Se puede hacer una adaptación fideligna de un libro al cine y ser original y sorprender al espectador con nuevas situaciones más cinemátográficas.

Wim Wenders es un cineasta alemán que deja plasmada su delicada mirada en cada plano de sus películas, ya sea contándonos cómo es el día a día de los ángeles custodios en el Berlín de posguerra o usando el 3D como homenaje a la danza de Pina Bausch. No me cabe duda de que el mejor cine tiene que ser una obra personal aunque se cuenten historias que nada tengan de autobiográfico. Sin embargo, en este cine cada película es el resultado de una respuesta a los interrogantes personales del autor. Incluso en el cine más industrial es imposible hacer películas en serie. Cada proyecto requiere de un guión único con unos personajes únicos (más o menos perfilados o estereotipados) e interpretados por unos actores que encarnan esos personajes. Wenders hizo también una película titulada París, Texas (Alemania, Francia, Reino Unido (ya sabéis, una coproducción europea), 1984) en donde el misterio y los interrogantes sobre la vida de una persona están retratados en Travis: un hombre que busca la razón de su vida, por qué volver con su familia, por qué recuperar a su hijo y a su mujer después de vagar por el desierto en la frontera entre México y EE.UU.

CASO #32 La diligencia. Una "bomba social"

La diligencia (Stagecoach, 1939) es uno de los grandes westerns de John Ford junto a Centauros del desierto (The Searchers, 1956) y El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962).

El western fue el género que sirvió para configurar la propia leyenda de Estados Unidos, que a diferencia de Europa era una nación recién nacida. En el western clásico siempre hay un personaje que resalta por su valentía o por su determinación a la hora de hacer frente a un desafío. Ringo, un forajido que busca vengar a su familia tras ser asesinada, un renegado social, es el héroe que se atreve a dar lecciones de educación a otros de mayor estatus social, y lo hace de la mano de otra renegada social, una prostituta que quiere ser madre.

Un médico borracho (Boone), una prostituta (Dallas), el sheriff del pueblo (Curly), un jugador profesional (Hatfield), un viajante de whisky (Peacok), un banquero (Gatewood) y una mujer en busca de su marido desaparecido en combate (la señora Mallory) coinciden en una misma diligencia conducida por el miedoso conductor Buck. Su travesía se ve violentada por el miedo a encontrarse con los apaches. Salvo este inconveniente en el camino ningún elemento parece que pueda cambiar sus vidas. Va a ser Ringo Kid el detonante de la “bomba social” que viaja en la diligencia.

Los cortometrajes de los Oscar 2012. The fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore entre otros

Todo el mundo se ha interesado en los premios de La Academia (todavía hay quienes piensan que no hay más Academias en el mundo), ha hablado de los ganadores, de The Artist, del cine mudo, de la incursión del cine francés (que goza de muy buena salud a demás del caso de The Artist) en Hollywood. Y como todo el mundo ya sabe de todas estas cosas no voy a decir más. Pero voy a hablar de unos premios que normalmente pasan desapercibidos: los Oscar a mejor cortometraje de animación.

Dimanche (Patrick Doyon), A morning Stroll (Grant Orchard), La Luna (Enrico Casarosa), Wild Life (Wendy Tilby, Amanda Forbis) y The fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore (William Joyce, Brandon Oldenburg) fueron los candidatos al premio. Ganó el último y gracias a las redes sociales y a que tres de ellos se pueden ver online en YouTube se corrió la voz y bastante gente los pudo disfrutar.

ENTREVISTA. ¿Y ahora a dónde vamos? de Nadine Labaki

Yo no soy una política profesional, sino que hago política ingenua e inocente con mis películas a mi manera, un poco con la misma ingenuidad de los niños. Y tal vez puedo ayudar a lograr un cambio en las actitudes.

Nadine Labaki 

El viernes 2 de marzo se estrenó en España ¿Y ahora a dónde vamos?, una película coproducida por El Líbano y Francia y dirigida por una mujer, Nadine Labaki. Es su segunda película tras Caramel (2007). En un pueblo de El Líbano parece no ocurrir nada entre hombres y mujeres. La historia que se nos cuenta se centra en la llegada de la guerra y en la actuación disuasoria de las mujeres hacia los hombres para que no entren en esa guerra. Labaki hace una dura radiografía pero siempre contando con el humor como ingrediente fundamental para solucionar los problemas. Una actuación semejante a la que se da en Juan de los muertos (Cuba-España, 2011) Four lions (Reino Unido, 2010) o La banda nos visita (Israel-Francia, 2007)

CASO #31 Víctor Erice. El juego del tiempo en la ficción

Por si hay alguien que crea que no hay grandes directores españoles de cine pueden preguntar por Víctor Erice. No solo es uno de los genios españoles en el terreno de los largometrajes sino que tiene una joya en forma de cortometraje.

Se cumplen 10 años del homenaje que se hizo a la película Ten minutes older (1978) de Herz Frank usando como título el mismo nombre del cortometraje . Entre algunos de los directores invitados a que partcipasen estaban Kaurismaki, Herzog, Spike Lee, Bertolucci, Godard y Víctor Erice. Se les pedía como requisito un cortometraje de 10 minutos y que apareciese un reloj en algún momento. El corto homenajeado es un plano único en el que se recogen las miradas de unos niños que acuden a una representación de marionetas. Sin embargo, igual que hizo Val del Omar (otro de los grandes cineastas españoles) con sus fotografías de las Misiones Pedagógicas de la Segunda República, las miradas de los niños son un universo fascinante que con un mínimo de sensibilidad -por parte del espectador- consiguen dejarte pegado a la pantalla en busca de sus sentimientos y pensamientos. Toda una experiencia. Erice ya lo experimento antes en su segunda película, El espíritu de la colmena (1973).

De gustos hay mucho escrito en los videoclips

El polaco Rybczynski y el estadounidense Spike Jonze

Ya pasó con Had a bad day. Un videoclip puede ser una oportunidad fantástica para entender el lenguaje cinematográfico. Me voy a fijar en dos videoclips que entienden cada uno el cine de una manera antagónica. El arte de sus directores está en contar historias de una manera, visualmente, totalmente diferente: Rybczynski (Imagine de John Lennon, 1987) y Spike Jonze (California de Wax, 1995).

Imagine es una vuelta al pasado por muy moderno que parezca y California es un homenaje a la sintaxis del cine clásico. Me explico porque volver al pasado y clásico puede parecer lo mismo. Mucho más si vemos que lo que hace Rybczynski en Imagine parece mucho más moderno: marcar el crecimiento de una persona desde pequeña hasta mayor a través de diferentes cuadros. Wax por el contrario es un plano secuencia en el que la cámara acompaña a cámara lenta la estela de fuego de un hombre hasta tomar el autobús.

CASO #30 Blackthorn. Un western español

Se acercan los Oscar y los Goya y acaba de finalizar el festival Berlinage. Toca hoy hablar de una de las películas nominada a los Goya 2012: Blackthorn (Mateo Gil, 2011). Podría llegar a ganar el premio a mejor película, dirección, guión original, producción, fotografía, dirección artística, montaje y otras tres nominaciones más. Todas estas nominaciones (12) dan a entender que la Academia la ha tenido en consideración. Pero a algunos podría llamarle la atención por la factura, por la temática y porque a primera vista no parece llevar el sello de "cine español" que tanto le gusta a la Academia de Cine Español. No es una comedia alocada y sin sentido pasada de rosca y un poco oscena, ni es un dramón como La voz dormina (Benito Zambrano, 2011). Es sin más, y sin menos, una película canónica de género.

Con una muy buena factura (fotografía y localizaciones), Mateo Gil (este es su tercer tercer largometraje y el primero fuera de España) nos cuenta las andanzas de Blackthorn (Sam Shepard), un hombre que, tras una vida de forajido establecido en Colombia, decide volver a Estados Unidos. En el camino sufrirá el infortunio de encontrarse con  Eduardo Apocada (Eduardo Noriega), también forajido, que ha robado una buena suma de dinero. La historia de Blackthorn se repite en  Eduardo.

CASO #29 Los descendientes. Sexo, muerte, hijos desmadrados y George Clooney

Los descendientes (Estados Unidos, 2012) sigue una corriente de cine que lleva desarrollándose desde hace unos cuantos años. Directores como Jason Reitman, Tom McCarthy, Paul Thomas Anderson o Wes Anderson. Por su realista mirada a la realidad y por su comedia un tanto ácida y desengañada estos directores han forjado una cara nueva del cine contemporáneo. Alexader Payne (de raíces griegas, aunque no tiene ninguna crisis creativa) es el director, guionista y productor de esta fantástica comedia-drama (si es que se la debe encasillar). Payne no se corta un pelo y deja al espectador bien sentado en la butaca desde el  comienzo de la película con la voz en of de Matt King (George Clooney): la escéptica visión del mundo de King: El sol brilla, los pájaros cantan... ¿y qué? Estoy en el hospital y estoy sano. El paraiso se puede ir a la mierda.

CASO #28 Roma, città aperta. Entre la vida y el cine

Años de guerra, años de hambre, años de cine. Rossellini es uno de los maestros del cine italiano de los años 40. Fue un hombre pegado a la realidad para traspasarla con su cámara y así realizar una obra de arte: Roma, città aperta (Italia, 1945). Comienza el neorrealismo italiano. Un nuevo cine que pretendió plasmar la situación social y moral de la guerra en Europa. En esta exposición social se entrelaza lo cotidiano y lo artístico en una unión perfecta que hace del cine una crítica y una denuncia. Como dice Amedée Ayfre, el neorrealismo es una descripción global de la realidad a través de una conciencia global del artista. ¿Qué se esconde tras esta frase?

"Cabezones" de febrero de Filling the gaps

Ya el pasado mes de enero apareció una nueva cabecera en el blog: Los "Cabezones" de ese mes fueron Mike Leigh, Walt Disney, Orson Welles y Andrei Tarkovsky.

En febrero hay más "Cabezones". ¿Sabes quienes son? ¿Cuáles son sus películas? ¿Qué decís de ellos? A lo largo del mes irán apareciendo entradas que tendrán como protagonistas a alguno de estos hombres. Así que en cierta manera sabréis cual será la guía del mes para este mes.

CASO #27 Million Dollar Baby en 11 fotogramas

Hay algunas películas que quieren marcar época. Million Dollar Baby (2004) tiene grandes motivos para serlo. Ya sea por su temática (las esperanzas rotas de la vida de una mujer y la eutanasia) o por su estilo lo que consiguió Clint Eastwood es una obra maestra. Aunque sería demasiado injusto que solo él reciba todos los aplausos: los actores bordan sus papeles, el guión de Paul Haggis es el eje sobre el que gira y se sostiene todo el mecanismo de la historia de la boxeadora Maggie y la fotografía de Tom Stern asienta la película en lo más profundo de la ambigüedad del cine negro con su paleta de claroscuros.

Con los siguientes fotogramas quiero explicar cómo el trabajo del guionista y del director de fotografía se funden para adentrar al espectador en las esperanzas y dudas de los tres personajes protagonistas: Frankie Dunn (Clint Eastwood), Maggie (Hilary Swank) y Eddie Scrap (Morgan Freeman). Siendo esta una película que dio mucho que hablar sobre la posición de Eastwood acerca de la eutanasia, me parece que la mejor manera de intentar aclarar el debate es "leyendo las imágenes" de la película. El uso de las sombras nos revelarán el estado interior moral de los personajes (base sobre la que trabaja el cine negro).

CASO #26 Los 400 golpes. El cine de autor

El cine del mañana me parece más personal, algo así como una confesión. 

En 1959 tres películas cambiarían el rumbo del cine de una década en Francia primero para extenderse por Europa: Les 400 coups (François Truffaut), A bout de soufflé (Jean Luc Godar) y Paris nous appartient (Jacques Rivette). Estas películas romperán los moldes tradicionales del cine francés de los años 50 igual que lo hizo ya antes en la década de los 40 el cine italiano. Comienza un movimiento renovador que tomará el nombre de Nouvelle Vague y que se desarrollará a lo largo de la década de los 60. Ante todo esta nueva ola es fruto de un grupo de cinéfilos escritores de una revista que comenzaba a ser considerada  todo un referente: Cahiers du Cinema. Estos pensadores-intelectuales buscan un cambio de rumbo: el cine que les precede es demasiado academicista según ellos.

CASO #25 The Artist. Ninguna forma de cine muere

Muchos quizá piensen que estrenar hoy en día una película en blanco y negro es una temeridad y que hacerla además muda es una auténtica locura, pero no es así. The Artist (2011) ha venido a demostrar que el cine no es mejor por tener color ni sonido sincrónico, ha venido a demostrar que los clásicos mudos siguen teniendo éxito entre el público y ha dado, de alguna manera, la razón a todos aquellos grandes del cine mudo que se opusieron a la llegada del sonoro. Todos aquellos directores que consideraban que el sonido no suponía un avance en el cine, sino el fin de la expresión de la imagen en movimiento. Muchos de ellos no supieron comprender que ninguna forma de cine muere aunque un adelanto técnico ofrezca la posibilidad de hacer cosas hasta entonces imposibles.

CASO #24 Fantástico Mr. Fox. Entre la fidelidad a la obra y el sello personal

Por mucho que pasen los años y las décadas nada puede impedir que nos sigamos pareciendo a nuestros antepasados en nuestra forma de ser: en nuestras prioridades, metas o sentimientos. Lo vemos palpablemente en muchas ocasiones en las adaptaciones de libros antiguos a películas. Por ejemplo hace unos meses nuevamente fue adaptada la novela de Jane Eyre muy personalmente por Cary Fukunaga pero sin romper con la obra original (las dos claves necesarias para que tanto el libro como la película pueden ser obras de arte). Pero como todavía no he podido ver esta película no puedo decir nada de ella.

ENTREVISTA: Alejandro Brugués director de Juan de los muertos. “No creo que irse sea la solución”

Alexis Díaz de Villegas junto al director Alejandro Brugués

Alexis Díaz de Villegas junto al director Alejandro Brugués

Volvemos a las entrevistas que las teníamos un poco olvidadas.

Es perfectamente comprensible y admirable que en Cuba exista un cine de denuncia si se ve la situación que atraviesa el país desde hace décadas. Y más aún si se tiene en cuenta que aquellos que hacen cine de denuncia son los propios cineastas cubanos. Lo que alienta aún más este tipo de cine en Cuba es la dificultad que tiene que atravesar el cineasta para llevar a cabo sus películas. Juan de los muertos (Cuba, España, 2011) de Alejandro Brugués (Personal Belongings, 2007) es un caso típico. Solo que añade una pequeña peculiaridad: se trata de cine de zombis. Dejo aquí algunos extractos de una entrevista de Miradas de cine divididas por temas.

5 claves para entender la animación

Quien haya entrado más de una vez en la página de Facebook de Filling the gaps habrá podido observar que uno de los contenidos más importantes que tiene son los cortometrajes de animación. La razón es que la animación es una puerta abierta a la imaginación y a una forma de expresión que se renueva cada vez más rápido. De entre todas sus potencialidades hay cinco que merecen subrayarse:

• Es un formato, no un género. Cuando pensamos en animación nos vienen a la cabeza casi seguro las películas de Pixar y Dreamwork (Steven Spielberg). De hecho es una prueba de su buena salud gracias a las mejoras tecnológicas han permitido a la animación escalar posiciones en su reconocimiento. Pero no se puede uno olvidar que la vertiente narrativa no es más que una de ellas. 

• Creación de un mundo totalmente único. Ya que no existe una referencia objetiva a la realidad la primera decisión a la hora de emprender cualquier proyecto es crear un mundo nuevo. Esto se refleja en una mayor importancia de la autoría de los personajes, del espacio y del tiempo.

CASO #23 Super 8. Nostalgia y homenaje de un cine que se ¿extingue?

Super 8 (J.J. Abrams, 2011) es una película de otro tiempo. Una mirada nostálgica y por lo tanto extraña hasta cierto punto del cine actual. Así mismo, al otro lado de la moneda, una nueva oportunidad de recuperar lo perdido.

Abrams toma prestada la personalidad y el caché de Steven Spielberg en Super 8. Se reviste del cine de Spielberg para hacer un homenaje en toda regla de las películas que marcaron a una genración de hace ya varias década. En casi cada uno de los planos se encuentran reminiscencias de las aventuras que dieron vida Tiburón (Steven Spielberg, 1975) Encuentros en la tercera fase (Ibid, 1977), E.T (Ibid, 1982), Los Goonies (Richard Donner, 1985 y producida por Spielberg) o Parque Jurásico (Spielberg, 1993). Cito estas cinco películas que las he visto pero sobre todo la película está construida con los temas del Spielberg más conocido: la infancia, las pandillas de verano, la amistad, el bien y el mal encarnados en buenos buenísimos y malos malísimos.