CASO #35 La Pasión de Mel Gibson en 4 puntos. El drama de un silencio

A Pedro: ¿No te he visto yo en compañía del galileo?
Pedro: Juro que no he visto a ese hombre.
No le he visto en mi vida. 

Hace una semana se celebró el viernes santo dentro de la Semana Santa y como es común en la TV pusieron películas de romanos (?) y también de la vida de Jesús. Me gustaría hablar de La Pasión de Cristo (Mel Gibson, 2004). Dentro de la basta filmografía que abarca la historia de Jesús quizá sea esta la que más acento pone en el realismo y a la vez dramatismo en lo que sucedió. En su momento la película supuso una gran polémica ya fuese por la figura de Gibson (actor, director y su propia personalidad en ocasiones un tanto combativa), por el propio tema y figura de la que trata, por el retrato violento de la Pasión o por hacerles la puñeta al sector judío de Hollywood. Sin embargo, como es bien sabido, en ocasiones cuantos más griten violentamente en tu contra más fácil es que te hagan publicidad gratuita. En EE.UU. se estrenó en 3043 pantallas y en España en 298 por lo que pese a no contar con el apoyo de la industria hollywoodiense en la que trabaja Gibson no le fue nada mal en taquilla ($611.899.420 con un presupuesto de $30.000). El cristianismo en esta ocasión fue rentable.

Al tener esta película muchos aspecto que comentar mejor es dividirlos en 4 puntos.

CASO #34 La aventura de Tintín. Divertimento sin disfrute.


                                                  Disfrutar: "Gozar los productos y utilidades de algo".
                                             Divertirse: "Recreo, pasatiempo, solaz" 

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (Steven Spielberg, 2011) es una de esas películas que hay que verlas una vez. Pero sólo una vez. De lo contrario disfrutarás de la película pero sabiendo que no vas a descubrir nada nuevo. Disfrutarás de las espectaculares secuencias en el Karuboudjan, en la avioneta o en Bagghar. Podrás descubrir los homenajes a los comics de Hergé, el alucinante detalle de precisión con que están dibujados los personajes y el background de cada imagen. Lo único que no podrás disfrutar de nuevo es con la historia que en su primer visionado se agota. Tintín es entretenimiento pero demasiado de usar y tirar. Y no es bueno oponer la calidad con el entretenimiento. Ahí está la trilogía de El Señor de los Anillos, Matrix o la saga Bourne.

Spielberg tiene la ventaja de tener los personajes construidos y que el público quiere ver (tantos lo fueron a ver que la película recaudó cerca de 250 millones de dólares en todo el mundo) cómo los ha retratado en pantalla. Spielberg juega limpio aunando varias de las historias de Tintín y no cae en la simpleza que hubiera sido copiar las viñetas. Sin embargo, la aventura de Tintín, Haddock y Milou no tiene fuerza. El grueso del trabajo se quedó en las coreografías para las batallas y persecuciones y el guión se quedó en el escritorio. Spielberg hizo una película de forma pero no de contenido. Y lo intenta solucionar con una escena tras la persecución en Bagghar demasiado forzada con un capitán que le da lecciones a Tintín de la misma manera que lo hizo Tintín en el bote en medio del mar. Lo que ocurre es que con la información que nos han dado en el resto de la película, Haddock no ha podido evolucionar dramáticamente tan rápido como se le pide. Desde otro punto de vista podría verse una “tintinización” del Capitán Haddock. Y ya está, no hay más drama que surja del interior de los personajes.

CASO #33 La mirada de una búsqueda. París, Texas de Wim Wenders

Uno de los grandes logros del cine ha sido y es mostrar la realidad de una manera única. Hay cineastas implicados en que cada película suya sea una mirada personal sobre lo que es la vida a través de historias y otros que cuentan historias que podrían haberse escrito en un libro (por lo que no han aprovechado el lenguaje cinematográfico). A veces nos olvidamos de que el cine es algo más que contar historias o vivir aventuras. ¿Quien no recuerda la niebla que envuelve al protagonista de La vida es bella cuando se topa con una pila de cadáveres o la escena de El árbol de la vida cuando los padres reciben la noticia de la muerte de su hijo? Es cierto que ambas escenas forman parte de una historia, pero el contarlas a través de imágenes, sin ruido de palabras, el resultado es realmente diferente a plasmarlo en palabras. Cada herramienta tiene su utilidad,cada lenguaje tiene sus reglas. Se puede hacer una adaptación fideligna de un libro al cine y ser original y sorprender al espectador con nuevas situaciones más cinemátográficas.

Wim Wenders es un cineasta alemán que deja plasmada su delicada mirada en cada plano de sus películas, ya sea contándonos cómo es el día a día de los ángeles custodios en el Berlín de posguerra o usando el 3D como homenaje a la danza de Pina Bausch. No me cabe duda de que el mejor cine tiene que ser una obra personal aunque se cuenten historias que nada tengan de autobiográfico. Sin embargo, en este cine cada película es el resultado de una respuesta a los interrogantes personales del autor. Incluso en el cine más industrial es imposible hacer películas en serie. Cada proyecto requiere de un guión único con unos personajes únicos (más o menos perfilados o estereotipados) e interpretados por unos actores que encarnan esos personajes. Wenders hizo también una película titulada París, Texas (Alemania, Francia, Reino Unido (ya sabéis, una coproducción europea), 1984) en donde el misterio y los interrogantes sobre la vida de una persona están retratados en Travis: un hombre que busca la razón de su vida, por qué volver con su familia, por qué recuperar a su hijo y a su mujer después de vagar por el desierto en la frontera entre México y EE.UU.

CASO #32 La diligencia. Una "bomba social"

La diligencia (Stagecoach, 1939) es uno de los grandes westerns de John Ford junto a Centauros del desierto (The Searchers, 1956) y El hombre que mató a Liberty Balance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962).

El western fue el género que sirvió para configurar la propia leyenda de Estados Unidos, que a diferencia de Europa era una nación recién nacida. En el western clásico siempre hay un personaje que resalta por su valentía o por su determinación a la hora de hacer frente a un desafío. Ringo, un forajido que busca vengar a su familia tras ser asesinada, un renegado social, es el héroe que se atreve a dar lecciones de educación a otros de mayor estatus social, y lo hace de la mano de otra renegada social, una prostituta que quiere ser madre.

Un médico borracho (Boone), una prostituta (Dallas), el sheriff del pueblo (Curly), un jugador profesional (Hatfield), un viajante de whisky (Peacok), un banquero (Gatewood) y una mujer en busca de su marido desaparecido en combate (la señora Mallory) coinciden en una misma diligencia conducida por el miedoso conductor Buck. Su travesía se ve violentada por el miedo a encontrarse con los apaches. Salvo este inconveniente en el camino ningún elemento parece que pueda cambiar sus vidas. Va a ser Ringo Kid el detonante de la “bomba social” que viaja en la diligencia.

Los cortometrajes de los Oscar 2012. The fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore entre otros


Todo el mundo se ha interesado en los premios de La Academia (todavía hay quienes piensan que no hay más Academias en el mundo), ha hablado de los ganadores, de The Artist, del cine mudo, de la incursión del cine francés (que goza de muy buena salud a demás del caso de The Artist) en Hollywood. Y como todo el mundo ya sabe de todas estas cosas no voy a decir más. Pero voy a hablar de unos premios que normalmente pasan desapercibidos: los Oscar a mejor cortometraje de animación.

Dimanche (Patrick Doyon), A morning Stroll (Grant Orchard), La Luna (Enrico Casarosa), Wild Life (Wendy Tilby, Amanda Forbis) y The fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore (William Joyce, Brandon Oldenburg) fueron los candidatos al premio. Ganó el último y gracias a las redes sociales y a que tres de ellos se pueden ver online en YouTube se corrió la voz y bastante gente los pudo disfrutar.

ENTREVISTA. ¿Y ahora a dónde vamos? de Nadine Labaki

Yo no soy una política profesional, sino que hago política ingenua e inocente con mis películas a mi manera, un poco con la misma ingenuidad de los niños. Y tal vez puedo ayudar a lograr un cambio en las actitudes.
Nadine Labaki 


El viernes 2 de marzo se estrenó en España ¿Y ahora a dónde vamos?, una película coproducida por El Líbano y Francia y dirigida por una mujer, Nadine Labaki. Es su segunda película tras Caramel (2007). En un pueblo de El Líbano parece no ocurrir nada entre hombres y mujeres. La historia que se nos cuenta se centra en la llegada de la guerra y en la actuación disuasoria de las mujeres hacia los hombres para que no entren en esa guerra. Labaki hace una dura radiografía pero siempre contando con el humor como ingrediente fundamental para solucionar los problemas. Una actuación semejante a la que se da en Juan de los muertos (Cuba-España, 2011) Four lions (Reino Unido, 2010) o La banda nos visita (Israel-Francia, 2007)

CASO #31 Víctor Erice. El juego del tiempo en la ficción




Por si hay alguien que crea que no hay grandes directores españoles de cine pueden preguntar por Víctor Erice. No solo es uno de los genios españoles en el terreno de los largometrajes sino que tiene una joya en forma de cortometraje.

Se cumplen 10 años del homenaje que se hizo a la película Ten minutes older (1978) de Herz Frank usando como título el mismo nombre del cortometraje . Entre algunos de los directores invitados a que partcipasen estaban Kaurismaki, Herzog, Spike Lee, Bertolucci, Godard y Víctor Erice. Se les pedía como requisito un cortometraje de 10 minutos y que apareciese un reloj en algún momento. El corto homenajeado es un plano único en el que se recogen las miradas de unos niños que acuden a una representación de marionetas. Sin embargo, igual que hizo Val del Omar (otro de los grandes cineastas españoles) con sus fotografías de las Misiones Pedagógicas de la Segunda República, las miradas de los niños son un universo fascinante que con un mínimo de sensibilidad -por parte del espectador- consiguen dejarte pegado a la pantalla en busca de sus sentimientos y pensamientos. Toda una experiencia. Erice ya lo experimento antes en su segunda película, El espíritu de la colmena (1973).

De gustos hay mucho escrito en los videoclips

El polaco Rybczynski y el estadounidense Spike Jonze
Ya pasó con Had a bad day. Un videoclip puede ser una oportunidad fantástica para entender el lenguaje cinematográfico. Me voy a fijar en dos videoclips que entienden cada uno el cine de una manera antagónica. El arte de sus directores está en contar historias de una manera, visualmente, totalmente diferente: Rybczynski (Imagine de John Lennon, 1987) y Spike Jonze (California de Wax, 1995).

Imagine es una vuelta al pasado por muy moderno que parezca y California es un homenaje a la sintaxis del cine clásico. Me explico porque volver al pasado y clásico puede parecer lo mismo. Mucho más si vemos que lo que hace Rybczynski en Imagine parece mucho más moderno: marcar el crecimiento de una persona desde pequeña hasta mayor a través de diferentes cuadros. Wax por el contrario es un plano secuencia en el que la cámara acompaña a cámara lenta la estela de fuego de un hombre hasta tomar el autobús.

CASO #30 Blackthorn. Un western español

Se acercan los Oscar y los Goya y acaba de finalizar el festival Berlinage. Toca hoy hablar de una de las películas nominada a los Goya 2012: Blackthorn (Mateo Gil, 2011). Podría llegar a ganar el premio a mejor película, dirección, guión original, producción, fotografía, dirección artística, montaje y otras tres nominaciones más. Todas estas nominaciones (12) dan a entender que la Academia la ha tenido en consideración. Pero a algunos podría llamarle la atención por la factura, por la temática y porque a primera vista no parece llevar el sello de "cine español" que tanto le gusta a la Academia de Cine Español. No es una comedia alocada y sin sentido pasada de rosca y un poco oscena, ni es un dramón como La voz dormina (Benito Zambrano, 2011). Es sin más, y sin menos, una película canónica de género.

Con una muy buena factura (fotografía y localizaciones), Mateo Gil (este es su tercer tercer largometraje y el primero fuera de España) nos cuenta las andanzas de Blackthorn (Sam Shepard), un hombre que, tras una vida de forajido establecido en Colombia, decide volver a Estados Unidos. En el camino sufrirá el infortunio de encontrarse con  Eduardo Apocada (Eduardo Noriega), también forajido, que ha robado una buena suma de dinero. La historia de Blackthorn se repite en  Eduardo.

CASO #29 Los descendientes. Sexo, muerte, hijos desmadrados y George Clooney

Los descendientes (Estados Unidos, 2012) sigue una corriente de cine que lleva desarrollándose desde hace unos cuantos años. Directores como Jason ReitmanTom McCarthyPaul Thomas Anderson o Wes Anderson. Por su realista mirada a la realidad y por su comedia un tanto ácida y desengañada estos directores han forjado una cara nueva del cine contemporáneo. Alexader Payne (de raíces griegas, aunque no tiene ninguna crisis creativa) es el director, guionista y productor de esta fantástica comedia-drama (si es que se la debe encasillar). Payne no se corta un pelo y deja al espectador bien sentado en la butaca desde el  comienzo de la película con la voz en of de Matt King (George Clooney): la escéptica visión del mundo de King: El sol brilla, los pájaros cantan... ¿y qué? Estoy en el hospital y estoy sano. El paraiso se puede ir a la mierda.

CASO #28 Roma, città aperta. Entre la vida y el cine


Años de guerra, años de hambre, años de cine. Rossellini es uno de los maestros del cine italiano de los años 40. Fue un hombre pegado a la realidad para traspasarla con su cámara y así realizar una obra de arte: Roma, città aperta (Italia, 1945). Comienza el neorrealismo italiano. Un nuevo cine que pretendió plasmar la situación social y moral de la guerra en Europa. En esta exposición social se entrelaza lo cotidiano y lo artístico en una unión perfecta que hace del cine una crítica y una denuncia. Como dice Amedée Ayfre, el neorrealismo es una descripción global de la realidad a través de una conciencia global del artista. ¿Qué se esconde tras esta frase?

"Cabezones" de febrero de Filling the gaps

Ya el pasado mes de enero apareció una nueva cabecera en el blog: Los "Cabezones" de ese mes fueron Mike Leigh, Walt Disney, Orson Welles y Andrei Tarkovsky.

En febrero hay más "Cabezones". ¿Sabes quienes son? ¿Cuáles son sus películas? ¿Qué decís de ellos? A lo largo del mes irán apareciendo entradas que tendrán como protagonistas a alguno de estos hombres. Así que en cierta manera sabréis cual será la guía del mes para este mes.


CASO #27 Million Dollar Baby en 11 fotogramas


Hay algunas películas que quieren marcar época. Million Dollar Baby (2004) tiene grandes motivos para serlo. Ya sea por su temática (las esperanzas rotas de la vida de una mujer y la eutanasia) o por su estilo lo que consiguió Clint Eastwood es una obra maestra. Aunque sería demasiado injusto que solo él reciba todos los aplausos: los actores bordan sus papeles, el guión de Paul Haggis es el eje sobre el que gira y se sostiene todo el mecanismo de la historia de la boxeadora Maggie y la fotografía de Tom Stern asienta la película en lo más profundo de la ambigüedad del cine negro con su paleta de claroscuros.

Con los siguientes fotogramas quiero explicar cómo el trabajo del guionista y del director de fotografía se funden para adentrar al espectador en las esperanzas y dudas de los tres personajes protagonistas: Frankie Dunn (Clint Eastwood), Maggie (Hilary Swank) y Eddie Scrap (Morgan Freeman). Siendo esta una película que dio mucho que hablar sobre la posición de Eastwood acerca de la eutanasia, me parece que la mejor manera de intentar aclarar el debate es "leyendo las imágenes" de la película. El uso de las sombras nos revelarán el estado interior moral de los personajes (base sobre la que trabaja el cine negro).

CASO #26 Los 400 golpes. El cine de autor

El cine del mañana me parece más personal, algo así como una confesión. 

En 1959 tres películas cambiarían el rumbo del cine de una década en Francia primero para extenderse por Europa: Les 400 coups (François Truffaut), A bout de soufflé (Jean Luc Godar) y Paris nous appartient (Jacques Rivette). Estas películas romperán los moldes tradicionales del cine francés de los años 50 igual que lo hizo ya antes en la década de los 40 el cine italiano. Comienza un movimiento renovador que tomará el nombre de Nouvelle Vague y que se desarrollará a lo largo de la década de los 60. Ante todo esta nueva ola es fruto de un grupo de cinéfilos escritores de una revista que comenzaba a ser considerada  todo un referente: Cahiers du Cinema. Estos pensadores-intelectuales buscan un cambio de rumbo: el cine que les precede es demasiado academicista según ellos.

CASO #25 The Artist. Ninguna forma de cine muere


Muchos quizá piensen que estrenar hoy en día una película en blanco y negro es una temeridad y que hacerla además muda es una auténtica locura, pero no es así. The Artist (2011) ha venido a demostrar que el cine no es mejor por tener color ni sonido sincrónico, ha venido a demostrar que los clásicos mudos siguen teniendo éxito entre el público y ha dado, de alguna manera, la razón a todos aquellos grandes del cine mudo que se opusieron a la llegada del sonoro. Todos aquellos directores que consideraban que el sonido no suponía un avance en el cine, sino el fin de la expresión de la imagen en movimiento. Muchos de ellos no supieron comprender que ninguna forma de cine muere aunque un adelanto técnico ofrezca la posibilidad de hacer cosas hasta entonces imposibles.

CASO #24 Fantástico Mr. Fox. Entre la fidelidad a la obra y el sello personal


Por mucho que pasen los años y las décadas nada puede impedir que nos sigamos pareciendo a nuestros antepasados en nuestra forma de ser: en nuestras prioridades, metas o sentimientos. Lo vemos palpablemente en muchas ocasiones en las adaptaciones de libros antiguos a películas. Por ejemplo hace unos meses nuevamente fue adaptada la novela de Jane Eyre muy personalmente por Cary Fukunaga pero sin romper con la obra original (las dos claves necesarias para que tanto el libro como la película pueden ser obras de arte). Pero como todavía no he podido ver esta película no puedo decir nada de ella.

ENTREVISTA: Alejandro Brugués director de Juan de los muertos. “No creo que irse sea la solución”

Alexis Díaz de Villegas junto al director Alejandro Brugués
Volvemos a las entrevistas que las teníamos un poco olvidadas.

Es perfectamente comprensible y admirable que en Cuba exista un cine de denuncia si se ve la situación que atraviesa el país desde hace décadas. Y más aún si se tiene en cuenta que aquellos que hacen cine de denuncia son los propios cineastas cubanos. Lo que alienta aún más este tipo de cine en Cuba es la dificultad que tiene que atravesar el cineasta para llevar a cabo sus películas. Juan de los muertos (Cuba, España, 2011) de Alejandro Brugués (Personal Belongings, 2007) es un caso típico. Solo que añade una pequeña peculiaridad: se trata de cine de zombis. Dejo aquí algunos extractos de una entrevista de Miradas de cine divididas por temas.

5 claves para entender la animación

Quien haya entrado más de una vez en la página de Facebook de Filling the gaps habrá podido observar que uno de los contenidos más importantes que tiene son los cortometrajes de animación. La razón es que la animación es una puerta abierta a la imaginación y a una forma de expresión que se renueva cada vez más rápido. De entre todas sus potencialidades hay cinco que merecen subrayarse:
  • Es un formato, no un género. Cuando pensamos en animación nos vienen a la cabeza casi seguro las películas de Pixar y Dreamwork (Steven Spielberg). De hecho es una prueba de su buena salud gracias a las mejoras tecnológicas han permitido a la animación escalar posiciones en su reconocimiento. Pero no se puede uno olvidar que la vertiente narrativa no es más que una de ellas. 
  • Creación de un mundo totalmente único. Ya que no existe una referencia objetiva a la realidad la primera decisión a la hora de emprender cualquier proyecto es crear un mundo nuevo. Esto se refleja en una mayor importancia de la autoría de los personajes, del espacio y del tiempo.

CASO #23 Super 8. Nostalgia y homenaje de un cine que se ¿extingue?


Super 8 (J.J. Abrams, 2011) es una película de otro tiempo. Una mirada nostálgica y por lo tanto extraña hasta cierto punto del cine actual. Así mismo, al otro lado de la moneda, una nueva oportunidad de recuperar lo perdido.

Abrams toma prestada la personalidad y el caché de Steven Spielberg en Super 8. Se reviste del cine de Spielberg para hacer un homenaje en toda regla de las películas que marcaron a una genración de hace ya varias década. En casi cada uno de los planos se encuentran reminiscencias de las aventuras que dieron vida Tiburón (Steven Spielberg, 1975) Encuentros en la tercera fase (Ibid, 1977), E.T (Ibid, 1982), Los Goonies (Richard Donner, 1985 y producida por Spielberg) o Parque Jurásico (Spielberg, 1993). Cito estas cinco películas que las he visto pero sobre todo la película está construida con los temas del Spielberg más conocido: la infancia, las pandillas de verano, la amistad, el bien y el mal encarnados en buenos buenísimos y malos malísimos.

Mascadito o de degustación propia. El montaje transparente o el montaje protagonista

Carnage (Un dios salvaje, Roman Polanski) es una adpatación de una obra de teatro con un solo escenario.  Eso no quita que el uso del plano en profundidad, la puesta en escena de los actores y la colocación de la cámara no sean protagonistas.

¡Que no se note! ¡Que no se vea! ¡Que nadie se de cuenta! parecen gritar los que prefieren un montaje de los planos transparente. Se creen que los espectadores son tontos. Acaso la literatura más importante y renovadora no ha tomado como estandarte un perfeccionamiento del lenguaje, un lenguaje que se basa en la creación y no en un acumulo de reglas estandarizadas y convencionales. Parecen que tienen un trauma ya que aspiran a que los cambios de plano no se vean y para ello en muchas ocasiones recurren a un exceso de  planos (por ejemplo el uso del plano-contraplano en una conversación). ¡Poner al espectador en una posición ideal y privilegiada! gritan. Me vienen a la cabeza las secuencias de acción de la saga Bourne de Paul Greengrass.

Decía Andre Bazin acerca del montaje que consistía en la "creación de sentido que las imágenes no contienen objetivamente y que procede únicamente de sus mutuas relaciones". Una premisa muy clara y contundente. Creación de sentido. Por lo tanto creación. En este sentido todo aquel que piense que el cine puede ser objetivo está totalmente equivocado, al menos según Bazin. El montaje es subjetivo incluso en el cine documental e incluso en el más realista. El cine es una mirada personal del director a la realidad. Además puede considerarse el montaje más allá de la mera unión de planos. El montaje llega a la creación de una historia y de unos personajes. Érase el cine de ficción.

Entrevista: Aki Kaurismäki director de El Habre. Abordo la vida, lo que da de sí


Resulta difícil hacer un resumen comentado de la entrevista que le hace José María Aresté a Aki Kaurismäki (Luces al atardecer). Finlandés hasta los huesos sus películas se caracterizan por los silencios y el minimalismo. Es decir que "si la película se lleva a un nivel minimalista aún el simple sonido de una tos puede ser bastante dramático". Eso no le impide hacer películas optimistas aunque para ello tenga que sufrir él y el espectador antes de ver luz entre tanto negro.

El 28 de diciembre llega a los cines su última obra. Se trata de El havre (una pequeña localidad de Normandía donde se desarrolla la película). Aquí os dejo algunas de las declaraciones del director y guionista. Sin embargo es imprescindible leer la entrevista al completo que la podéis encontrar en Decine21.com.

CASO: Ponyo en el acantilado. Metamorfosis en animación


Hemos hablado en varias ocasiones sobre el cine de animación. Como no es más que un soporte para hacer películas con sus puntos fuertes y débiles no hay ningún problema. Basta con ver de lo que es capaz Malcolm Sutherland con sus cortos.

Una de las películas más tiernas que he visto en muchos años es Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo, 2008) del gran maestro de universos fantásticos Hayao Miyazaki. El nombre del creador debería sonarnos por el éxito que supuso El viaje de Chihiro del 2001: una fantástica aventura épica en busca del sentido de la vida y de la donación al otro. Una joya de la animación universal. Un paso de la inocencia a la madurez. Una muestra de lo grande que puede ser el cine. Una demostración de que hay valores universales que llegan a traspasar fronteras culturales.

PROPÓSITOS DE NAVIDAD. Nº 1: No volver a ver una película doblada por el bien de la humanidad


¡Eres un radicaall! Espera, espera. Ahora me explico. Los propósitos son así. Son ideales, como quien dice que dejará de fumar al año siguiente con un cigarrillo en la boca. Pero creo que merece la pena.
  1. Me diréis yo veo una película para descansar, no me voy a poner a descifrar un nuevo idioma. Es desastroso pensar que vemos películas por el simple hecho de pasar el rato. Es cierto que hay que disfrutar de las películas pero no es el primer objetivo.

CASO: El cine de Malick y Tarkovsky: A hombros de gigantes



Uno de los objetivos de todo blog, sea cual sea su temática es dar a conocer otros blogs o webs. Parece un poco raro: los que tenemos un blog escribimos nuestras propias entradas, hacemos lo posible para que las lean y encima damos publicidad gratuita a otros blogs. Así es: lo propio de los blogs es formar una comunidad porque el saber de muchos es mayor que el saber de uno mismo y es indiscutible que en un solo blog no está todo. De esta manera quiero continuar con el tema de El árbol de la vida, una fantástica película que, pese a que no gustó nada a unos a otros nos fascinó.

Yo ya escribí lo que pienso de ella así que escuchemos lo que dicen otros para poder tener una idea más universal. Sugiero que os paséis por alguna de estos enlaces:

CASO: Hay cine de animación más allá de Pixar: Malcolm Sutherland

Existen todo tipo de premios para las películas. Desde mejor película hasta mejor sonido. Entre algunas de las candidaturas está la de mejor película de animación. Y a veces uno se pregunta por qué tiene que hacer esa distinción tan explícita. En los últimos años, en los Oscar, casi siempre ha ganado en esta categoría Pixar: Toy Story 3, Up, Wall-e... Sin embargo, muchos se han quejado diciendo que se habría merecido también el premio a mejor película del año. Estoy de acuerdo: grandes historias con acabado perfecto. Excepto porque en las de animación no hay actores casi todo este tipo de películas que vemos en el cine siguen el mismo esquema que las películas de carne y hueso. ¿Por qué diferenciarlas? ¿Qué sentido tiene hacer películas de animación si siguen las mismas estructuras que las que no son animadas?

El cine de animación tiene unas características propias, unas potencialidades que pueden quedar obstruidas en el modelo tan narrativo al que nos tiene acostumbrado Pixar y Dreamworks especialmente.

CASO: 'Mary and Max' y 'Amelie'. El gusto por lo feo. Una nueva belleza



No cabe ninguna duda de que el arte persigue la belleza. Pero yo no lo veo tan claro. Remontémonos unos años atrás en la Historia (dejémoslo en el siglo XX). Fijémonos en las vanguardias de los años 20: el arte por el arte, el dadaismo: la ruptura con todo lo que antes había sido considerado arte. Llegan los 40 y el arte desvaría en la propaganda. En los años 60-70 con la subida del tren de vida, el arte se democratiza (que palabra con tan poco significado) y los Estados Unidos exportan a Europa el Pop Art. De Europa nace la generación del 68 con una ideología izquierdista de libertades poniendo en cuestión toda norma vigente (educación, sexualidad o autoridad son algunos temas que derrumba). A la par, y volviendo al cine, surgen el maremoto de las nuevas olas: cine social, comprometido. Un cine en donde el mensaje se convierte en el centro de la obra. Sin embargo, no sería justo despreciar la labor que se desarrolló para hacer surgir una nueva estética al servicio del tono de los temas: colores grises, fotografía realista, etc. Parece que el arte se ha cansado de perseguir la belleza de la forma más clasica.

Volvamos al presente (¿Cuándo nos fuimos de él, si el pasado es la materia para construir el presente?). Aunque sea en un cine más bien minoritario (ser minoritario es tener menos público no ser raro), existe una tendencia a recalcar lo feo, lo estrambótico. Quiero fijarme en dos ejemplos recientes. El caso de Amelie (2001) de Jean-Pierre Jeunet y de Mary and Max (2009) de Adam Elliot.

Borracho o de chimpancé ¿Qué más da?

Últimamente me he puesto a ver cortos de animación, en especial de stop motion. Aunque tampoco es este último no es tan cine de animación. Todos los movimientos son reales y lo único que se hace es filmar (fotografiar) a esos pequeños actores que son los muñecos. También a raíz del Tintín de Spielberg (¿o es de Hergé?) y de su técnica de captura de movimiento me he preguntado cómo es posible que no reconozcan el mérito que tiene el ya experimentado Andy Serkis con el trato de gorilas, chimpancés, hobbits deformados y capitanes borrachos. De verdad, no lo entiendo.


CASO. El árbol de la vida o cómo mirar

Os pido paciencia con esta entrada y con la película.


Hace una semana tuve la oportunidad de ver The tree of life (2011), la última obra de Terrence Malick. Una película que bien te cautiva desde el primer momento o difiícilmente se te hace soportable. La película fue vendida como una superproducción de gran calidad técnica (mágníficas imágenes del universo) producida e interpretada por Brad Pit. Sin embargo, la película es todo lo contrario. Es una mirada poética de la infancia. Y no exagero si digo que se trata de una plegaria de una madre a Dios por la pérdida de uno de sus hijos pequeños. Ya desde el primer minuto, con la cita de Job (creo que la Biblia al final la conoceremos por las citas en el cine), Malick deja clara sus intenciones. No cabe duda de que pretende hacer un coloso, una obra ontológica. Tras hacer un primer montaje de siete horas y un resultado final de más de dos horas, el director estadounidense deja claro que tenía algo que decir. 

¿Dónde estabas tú cuando hice los cimientos de la tierra,
cuando las estrellas del cielo empezaron a cantar
y todos los hijos de Dios gritaron de alegría?
Job 38: 4,7

Disney se suma al proyecto YouTube


Vuelven a aparecer noticias sobre YouTube (Google) y su plan para firmar acuerdos con grandes industrias de contenidos audiovisuales. YouTube tiene en mente minimizar aún más la frontera que separa al usuario de las grandes productoras. Con una gran visión comercial, poco a poco está haciendo acuerdos para prestar en su plataforma películas y videos inéditos. Por lo que puede suceder que el gigante de los videos online pase a participar en la creación de videos.

YouTube está preparándose para ofrecer un gran “boom” de nuevos videos y para ello ha decidido invertir 70 millones de euros. Si esta decisión la tomó hace unas semanas, el primero en caer en sus "zarpas" ha sido Walt Disney. Disney, con una gran presencia en todos los medios (cine, TV, revistas y música) se ha propuesto conseguir una mejor distribución de sus contenidos audiovisuales. La estrategia consistirá en producir nuevos contenidos adaptados para YouTube: poca duración y de origen amateur.

Los pasos dobles: el baile continúa fuera de las salas

Leo que ayer domingo Isaki Lacuesta (Los pasos dobles, España 2011) publicó un artículo en La vanguardia en el que criticaba la inoperancia de los críticos de cine ante el cine más independiente (como el de las películas de Isaki Lacuesta). En especial el punto de mira lo ha puesto sobre Carlos Boyero, crítico de cine de El País.


No he visto Los pasos dobles ni ninguna película del cineasta. Lo que sé de él lo sé a partir de lo que he leído. La película recibió el mayor premio de el prestigioso Festival de San Sebastián (el más internacional de España y con relevancia en el panorama europeo). Hay que decir que se trata de una película complicada: recaudó 23.835€ en total y se estrenó el 23 de septiembre. Una película de minorías y que no juzgo si es una gran obra o una manifestación de egocentrismo que a veces se da en estas películas.

ENTREVISTA con Chapero-Jackson. A lo más profundo de El Quijote: Verbo

Como cada semana le llega el turno a la sección de ENTREVISTA que está respondiendo muy bien, sobre todo la de Mike Leigh.

Llega a las carteleras la premiada Verbo. Ópera prima en largometrajes de Eduardo Chapero-Jackson que lleva una larga trayectoria en cortometrajes  con una muy buena crítica (ahí está el caso de Alumbramiento, mejor corto en los Premios del Cine Europeo). Madrileño de madre americana y padre español y licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Nueva York no se olvida de sus raices y pone el foco de su primer largo en El Quijote (sí, el que "todos" leímos con 17 años). Chapero-Jackson se ha marcado por objetivo actualizar al idealista Quijote con un joven rapero que recita oráculos. Una adaptación del clásico ambientado en la actualidad con estilo hip-hop adolescente que tiene todo el potencial para gustar al público más joven (todos somos jóvenes) pero sin caer en lo patético ni en la ridiculez. Desde que El Quijote es un clásico fundamental para la cultura rusa yo me veo en la obligación de recuperar a este personaje.

La película cuenta con tres puntos fuertes que se dejan entrever en la entrevista hecha al director por la productora Vértigo Films.

CASO: Las fresas de Bergman. La melancolía

Fresas salvajes (Igmar Bergman, 1957) es una road movie como Andrei Rublev. Un hombre atormentado por su pasado. Por la indiferencia con que él ha tratado a la gente. En un viaje a la universidad de Lund tendrá lugar una serie de paradas en la que se le irán sumando diferentes compañeros: su nuera, una pandilla de italianos y un matrimonio roto. Sin embargo, la fuerza del film está en los sueños que tendrá Isak (protagonista de esta historia), que se plantean como viajes a su pasado. Son recuerdos nostálgicos que le enfrentarán a su vida. Un espejo del que no se podrá escapar. Sin embargo, la respuesta a todas sus dudas y a su malestar interior lo encontrará en sus compañeros de viaje que no dudarán en decirle la verdad de su vida. En fín, un viaje que reconstruirá su vida.


Antes de verla la primera motivación era conocer algo de Bergman. Cuando empecé a ver la película me quedé asombrado. A los diez minutos una escena singular. Propia del expresionismo alemán. La filmación de un sueño de gran elocuencia y dinamismo. Podría considerarse un prólogo. La escena fuera del conjunto de la película no sería más que una reliquia pero integrada en una bella historia se convierte en un magnífico resumen y anticipación de todo lo que va a ocurrir.


La película tiene otro punto fuerte: las interpretaciones. Victor Sjöström da vida (o lo que le queda de ella) a un anciano Isak Borg. "Un viejo egoista que se salva por sus modales, pero que en el fondo no engañan a nadie". Así le describe la mujer de su hijo. En su personaje abundan los silencios, los primeros planos ante los que aguanta sin inmutarse, transmitiendo con su mirada su estado interior como pocos saben hacerlo. Su mujer, en uno de los sueños-recuerdos, lo describirá hacia el final de esta manera: "Aún sabiendo tantas cosas no sabes nada de la vida".

Bergman siempre fue un gran pensador y en cada una de sus películas dejaba el rastro de su pensamiento. Bergman buscaba sin cesar en sus películas el sentido de la vida. Por ello, no es de extrañar que aparezcan temas tan recurrentes como la importancia de la infancia, el matrimonio, las envidias o la existencia de Dios. En una discusión entre dos de los compañeros, Isak les responde con un poema expléndido:

¿Dónde está el amigo que buscas por todas partes?
Al hacerse de día, mi ansia también crece.
Cuando se acaba el día aún no le he encontrado
Aunque el corazón me queme, veo sus huellas en toda la fuerza que se revela
En el aroma de una flor y en una espina que se inclina
En el suspiro que exhalo, en el aire que respiro está el amor
Oigo su voz en la brisa de verano

CASO: Las claves para entender el fenómeno de Tintín en Spielberg



A Steven Spielberg, como si de una bomba se tratase. Puede explotar en cualquier momento. Un movimiento a la derecha y sale E.T. Un moviento brusco y tienes el fiasco de La guerra de los mundos. Un tropiezo y nos estrellamos con Parque Jurásico III. Una sacudida y El imperio del sol. Así que mucho cuidado con el "explosivo" director. Ahora llega con Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio. Eso sí, con la compañía y la ayuda de Peter Jackson y no George Lucas (¿Este hombre solo sabe reeditar Star Wars?)

Cuando te hacen una sorpresa lo que esperan es que te sorprendas. Cuando vas al cine no soportas que antes te destripen el argumento. ¿O sí?

ENTREVISTA: Los Hermanos Dardenne. Quiero mi bicicleta, papá

Esta es la segunda entrada de Entrevista tras la primera sobre Mike Leigh (Another year)

Cuando ves que en una solo película se pueden reunir temas tan jugosos y actuales como el trauma que deja la ausencia del padre en la vida de un niño, la desintegración familiar, la búsqueda afectiva en el otro y la dificultad de perdonar te preguntas: ¿Por qué no la he visto ya? Y como dirían algunos: Todo esto y más en... El niño de la bicicleta el viernes 28 de octubre (este viernes).

Los Hermanos Luc y Jean-Pierre Dardenne se mantienen fieles a su estilo de crítica social centrada en la problemática padre-hijo (El niño, El hijo, Rosetta). Con una trayectoria personal y profesional amplia, los hermanos no se cortan un pelo en su crítica a la situación de desconfianza en los vínculos familiares pero aportando soluciones o al menos aportan nuevos puntos de vista. Al contrario de lo que ocurre con otros directores que creen que con mostrar la crudeza de la vida y describir el lado más negro de la realidad hacen crítica. Tal es el caso de Steve McQueen con su nueva película, aclamada en los festivales más importantes, a punto de estrenarse, Shame (un crudo relato sobre un adicto al sexo).

CASO: Andrei Rublev. Las road movies: viajes sin hacer turismo

Es común ver en el cine road movies. Porque la vida es un viaje y el cine es contar historias (casi siempre) con metáforas, que mejor manera que tratar de recorrer la vida de una persona a través de un viaje. Me gustaría poner de ejemplo, para demostrar que este tipo de cine es universal, dos películas totalmente diferentes en cuanto a estilo, tiempo y lugar. Fresas salvajes (1957) de Igmar Bergman y Andrei Rublev (1967) de Tarkovsky.

Entre estas dos películas tuvo lugar la gran Ola que removió todo el cine, primero el europeo, hasta influir en el resto del mundo. Estas olas trajeron una nueva manera de hacer cine. Nueva y diferente, eso sí, en cada país, según sus propias caracteristicas. Aspecto que todavía no ha cambiado en Europa, que es nuestro caso, ya que existe un amor maternal y protector de los cineastas y gobiernos por el cine de su país. Esta es la razón por la que tengan tan poca relevancia las películas de un país en otro vecino. Queremos unirnos pero sin revolvernos. La única solución: las coproducciones entre varios países que enriquecen culturalmente las películas y tienen muchas más posibilidades de triunfar en taquilla. Porque no hay que olvidar, y a más de uno hay que recordar, que el cine está hecho para ser visto y que el arte no tiene por vocación ser minoritario.

Las taquillas: sálvese quien pueda


¿No deberían dejar el cine a los profesionales de Hollywood? ¿Quién ha dicho que los estrenos de pequeña producción no se vean porque a nadie le interesa?

Puede ser una razón que no tengan demandas millonarias pero por encima está que cuentan con poca ayuda para hacer competencia a los grandes estrenos. El dato más relevante para saber si una película va "a ir bien" en taquilla es el número de salas con las que cuenta para llegar al gran público. Y de esto depende del presupuesto con el que cuente, de las prioridades de las distribuidoras y de los demás estrenos de fin de semana. Ojo, que hablar de cine minoritario no es sinónimo de cine europeo, asiático, ni siquiera de cine español (No habrá paz para los malvados, Mientras duermes, Intruders o La piel que habito, estuvieron en el Top 10).

Festival 4+1. Un festival en 5 ciudades simultáneamente

Si hace unos días hablaba de cómo están empezando a llegar (poco a poco) soluciones serias para expandir el negocio del cine en Internet, también existen festivales que hacen lo posible para internacionalizar lo máximo su impacto y el de sus películas. Me refiero al novedoso, ésta será su segunda edición, Festival 4+1 promovido por la Fundación Mafre. Tendrá lugar este mes de octubre entre los días 26 a 30. Contará con la proyección en primer lugar de la esperada El niño de la bicicleta de los Hermanos Dardene, Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes.

Dos aspectos remarcan su aspiración internacional:

ENTREVISTA: Mike Leigh, genio inglés



El pasado viernes 14 de octubre se estrenó la última película de Mike Leigh, director de Secretos y mentiras (1996) un melodrama costumbrista con toques de comedia ganadora de la Palma de Oro en Cannes. Esta vez se trata de Another year (nuevamente nominada en Cannes). La obra más precisa, limpia y depurada en su estilo hasta la fecha de Leigh. Algunos la califican de cruel, otros de realista y en contraposición, unos últimos, de retrato de la felicidad en la cotidianidad. De lo que no cabe duda es que se trata de uno de los directores más  sorprendentes de la actualidad. Vamos con los puntos principales de la entrevista:
  1. Así describe Leigh sus películas: Mis películas no son, y esta tampoco, la clase de películas de las que puedes decir cuál es la idea que subyace detrás. No es que el argumento sea retorcido o que Leigh no tenga las cosas claras, sino que mis películas miran al mundo y hablan sobre él. Todo lo que hago es sostener un espejo frente a la naturaleza. La realidad es sufrientemente compleja para tener un “argumento”. Todo lo que me preocupa es presentar un retrato completo de mis personajes.

3 secciones para dejar las cosas claras

Vamos a poner las cosas en orden. El blog nació para reflexionar sobre el cine. Reflexionar sobre las películas y sobre lo que rodea al mundo de las películas. Conforme a esto habéis podido ver que los títulos de las entradas a veces llevan la palabra CASO (CASO: "Had a bad day". Cuestión de montaje). Es porque las entradas las estoy dividiendo en dos secciones: las de CASO, referidas a una película en particular; y las que mantienen una relación con la actualidad del cine (Los Peques toman tus pantallas: Google, Apple, Amazon, Netflix, Voddler).

Creo que voy a empezar una nueva sección en FILLING THE GAPS. Será ENTREVISTA. Como aún la relevancia que tengo en el mundo no me permite hacer las entrevistas a los directores, guionistas, productores o actores por mis propios medios, os podréis imaginar ya que las entrevistas serán de otros blogs o revistas. Siempre citaré la fuente y pondré el enlace correspondiente si la entrevista es de Internet.

De tal forma que tenemos ya tres secciones: ACTUALIDAD, CASO y ENTREVISTA. ¡Qué las disfrutéis y aprovechéis!

Los Peques toman tus pantallas: Google, Apple, Amazon, Netflix, Voddler

Ya no hay excusas para pasarte a la legalidad en Internet a la hora de ver películas online. Desde que Google, Apple, Amazon, Netflix, Filmin o Voddler existen  podemos ver en Internet con calidad, sin cortes y desde cualquier sitio con conexión. Se podrá disfrutar como si de un videoclub al uso fuese. Es decir, alquiler por un par de días o visitando en streming.

Las grandes distribuidoras y productoras tiemblan cada vez que se menciona este modelo de negocio. Que si no es rentable, que si el cine en sala desaparecería... Nosotros ponemos como excusas que Sinde nos cobra el canon cada vez que compramos un CD virgen y los grandes de Hollywood se escudan en un modelo de negocio que poco a poco se hunde. Sin embargo, ahora que casi todos pueden disponer de una pantalla de 40 pulgadas o hasta de un home cinema con palomitas ir al cine más de una vez cada dos meses nos cansa.

CASO: Rebelde sin causa. El cine como retrato de la realidad

Uno de los grandes atractivos del cine es el compromiso que tiene con la vida social del momento. Algunos llegan a decir que el cine es un espejo de la sociedad y otros, sin embargo, que configura la sociedad adelantándose y creando modelos que aún no existen. El factor más importante es que narra historias (Hollywood). Las historias que se nos presentan son fábulas de nuestra época, alusiones a situaciones cotidianas elevadas, por la magia del cine de imitar la realidad, a grandes relatos épicos.

Momentos en la que verdaderamente el cine se "afilió" a la realidad social del momento fue la década de los años 50-60. Son años en los que se configuraron nuevas formas de ver la vida que debían ser retratadas por el cine. Y el cine estuvo allí retratando pero también configurando, creando cambios de rumbo artístico e ideológico en la historia del cine. En 1955 se estrenaba "Rebelde sin causa".

3 ideas para no perderse en el cine

Todos quedamos con nuestros amigos a tomar un algo, a ir de vacaciones, a jugar al fútbol. También quedamos a ir al cine. Pero, al revés de lo que hacemos cuando planeamos las vacaciones a Vietnam vemos si necesitamos ponernos unas vacunas, contratar un guía turístico y comparar los precios para hacerse con el mejor, cuando vamos al cine muchas veces nos enteramos de cuáles son los últimos estrenos de taquilla y decidimos la película cuando casi estamos pagando. Diréis que estoy exagerando. Un poco sí, pero nunca está de más ir un poco enterados sobre lo que hay en taquilla en vez de ir a ver lo que echen.

Tres ideas para aprovechar mejor tus 8 € de entrada:

CASO: "Had a bad day". Cuestión de montaje


Hay momentos en los que te presentan vídeos tan interesantes que tienes que ponerlos en Fillingaps. Y si además es un videoclip y tiene que ver con el blog mejor que mejor. Me refiero al videoclip de "Had a bad day" (Daniel Powter). Acostumbrados a que este tipo de vídeos consistan en descontrolados montajes a todo ritmo a base de intercalación de imágenes alucinares pero sin ninguna intención más que la de mantenerte absorbido, una bocanada de aire fresco sienta sienta la mar de bien.

La clave de este videoclip está en la estructura con truco. Después de mostrárselo a bastantes personas me di cuenta de que pocos habían entendido el significado de las imágenes al 100%. Una historia de amor de dos personas aburridas de su vida monótona: despertarse, vestirse, ir al trabajo a escuchar las historias del jefe de siempre. Hasta que un día se te presenta el amor de tu vida. La historia no cambia aunque lo veas diez veces pero si uno se fija bien solo transcurren tres días en total en la historia. Primero se cuenta cómo se despiertan los tres días diferentes y luego cómo se visten, cómo salen a trabajar. Pero son esos tres días los mismos. Se muestra la rutina de cada uno de esos tres en trocitos de la realidad pero sin seguir un orden cronológico. Los días malos se curan plantándole cara a la vida y sobre todo ehándole cara a ser diferente.

Fiesta del cine

La semana del 19 al 28 de septiembre tuvo lugar la Fiesta del Cine que se desarrolla en España. La Fiesta del Cine es un proyecto que nació hace tre años y que trata de promover la asistencia a las salas de cine rebajando las entradas durante una semana a 2€ (eso sí, a una serie de salas adheridas). Para promocionar esta Fiesta se llegó a escribir un Manifiesto contra el aburrimiento. Cualquier movilización es buena para subir los ingresos en taquilla. Qué pena que solo se adhiriesen a la Fiesta 284 cines de toda España. Tampoco están para regalar entradas.

CASO: Matar a un ruiseñor. ¿Quién cuenta tus recuerdos?


Como vimos hace unos días, Robert Mulligan dirigió allá por 1962 la adaptacion de la novela de Harper Lee, Matar a un ruiseñor. También hemos pensado sobre la figura de Atticus y la justicia en relación a la película de En un mundo mejor. La película se centra en los recuerdos que tiene una chica, Scout, de su padre, Atticus Finch (Gregory Peck). Año 1932. Atticus tiene que hacer frente como abogado a las acusaciones falsas que sufre un negro de abusar de una mujer blanca. Podría ser una síntesis del relato. Sin embargo, es providencial la aportación que hace la niña en la historia para que realmente sea fascinate la película. Los niños aportan frescura y un punto de vista único a cualquier conflicto que se quiera narrar.

Scout adulta nos cuenta sus recuerdos de tres años de infancia. La historia gana enteros en profundidad al convertirse esos recuerdos en una idealización de esos años. Como cualquiera de nosotros con nuestros padres, Scout ve en su padre la persona idílica para resolver sus problemas.

CASO: ¿Dónde está la convicción de un hombre bueno?


Dije que continuaría hablando de En un mundo mejor de Susanne Bier. He tardado un poco porque quería ponerla en relación con otra gran película. Pese a que les distancie casi 50 años tiene algún punto en común: la concepción de la justicia y de la rectitud ética. En To Kill a Mockingbird (Matar a un ruiseñor), Atticus Finch se convirtió en el prototipo de hombre bueno (una persona serena e incondicional a su conciencia).

Me parece que el personaje de Anton de En un mundo mejor podría ser una reminiscencia de Atticus. Ambos tienen que hacer frente a las bajezas que les infligen otros que solo entienden la comunicación en clave de violencia y de desprecio. Como cada película es hija del tiempo en que se estrenó es diferente el enfoque que se da de la reacción ante el desprecio. Atticus y Anton saben que responder con la misma moneda a sus adversarios no es la solución. Sin embargo las motivaciones de uno y de otro son distintas.
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