Aquí Debatimos El Cine. Los CASOS del 2012

Estos han sido los CASOS de este año 2012. Espero que hayáis disfrutado y sacado provecho del buen cine. ¿Algún director especial que echéis en falta que merezca la pena? Seguro que faltan muchos. Quedará para el año que viene.

CASO #51 THE FALL. Creativos en Hollywood

Aún queda creatividad en Hollywood. Y como viene siendo habitual en esta industria todo rastro de su creatividad visual procede de haber experimentado durante años previamente. La razón más que evidente es que rentabilizar una película conlleva asumir los riesgos necesarios pero no los inútiles. Así que presentar al gran público (grande porque somos muchos y variados) un estilo visual que antes no se haya testado con seguridad en círculos menores es un riesgo innecesario para los productores. Pero, y esto también lo saben los grandes cineastas, para que un gran éxito perdure se requiere de un riesgo "controlado" y de una creatividad renovada.

La animación del 2012 a examen

Vamos a analizar la animación de este año. Cada vez más la calidad técnica es un requisito mínimo para poder tener cierta presencia en el mercado. También es un hecho que se asienta con comodidad la animación por ordenador. Comparada con el año pasado en el que la animación tradicional nos dejó grandes películas como Arrugas, El ilusionista y Chico y Rita este año no hay ninguna de este formato que haya sido una mediana-gran producción. A diferencia de lo que ocurre en las películas de "carne y hueso", en la animación el proceso de elaboración hasta que la película queda terminada dura años, no es por eso extraño que, primero, existan pocas productoras que se dedican a esta parcela del cine; segundo, que es estrenen más de una película al año; y tercero, que estén dirigidas específicamente a un público adulto. A continuación algunas consideraciones para este 2012.

¿Series, sí? ¿Sagas, no?

Andy Serkis cree que cabe la posibilidad de que Gollum aparezca en las siguientes entregas de 'El Hobbit'. Vía Ecartelera

Las sagas. Hay quien escucha esa palabra y grita sin parar: ¡Ya han fastidiado la historia! o ¡Solo les importa el dinero! ¡¿Dónde está el cine de autor?! Bueno, pues yo no grito sin parar. Por otro lado, sin embargo, todos están entusiasmados con las series (su octavo arte) e incluso llegan a hablar de la época dorada de la televisión. ¿En qué quedamos? ¿Historias de capítulo cerrado o historias que abarquen varios capítulos?

CASO #50 NAUFRAGO, LA TELERREALIDAD

‘La isla de los famosos’, ‘Ghandia Shore’ y ‘El último superviviente’ son algunos ejemplos de realities actuales. La televisión le ha sabido sacar partido desde hace más de una década a la intimidad de los famosos y gente corriente grabada en todo instante, exponiéndoles a situaciones salvajes o a una convivencia continua supervisada desde una cámara en su coronilla. Todo ello para que el espectador pueda divertirse. Muy temprano Peter Weir se dio cuenta de este fenómeno postmoderno y filmó la genial El show de Truman (1998). En las series la temática también ha funcionado a las mil maravillas con Perdidos (nació en el 2004 y perduró hasta el pasado 2010) uniéndola a la ciencia ficción.

5 diciembre. RECOMENDADOS: Operación E, Una pistola en cada mano, Sin tregua

Llegan esta semana muchos estrenos interesantes: comedia, thriller y drama. Hay de todo.

En primer lugar UNA PISTOLA EN CADA MANO cuenta la historia de cinco parejas españolas. Al igual que el director, Ces Gay, todas ellas rondan los cuarenta y se enfrentan a esa dura barrera en la que ya no hay marcha atrás. Todas las cartas están sobre la mesa y surgen los problemas de pareja: amor, desamor, fidelidad, adulterio, amistad y cosificación de la mujer. La comedia está muy bien escrita y da para más que para pasar un simple rato entretenido, también es un retrato de lo que puede ser España con sus problemas y pasiones. El reparto es de gran nivel con Ricardo Darín, Luis Tosar, Javier Cámara, Eduard Fernández y Leonor Watling. Humor español con nivel pero para gente madura.

CASO #49 La carretera: el fuego que llevamos dentro reaviva el género postapocalíptico

Hace unas semanas se estrenó Lawless (Sin ley), una muestra de que el western sigue vivo. La película se ambienta en la época de la Ley Seca de Estados Unidos. En el 2009 John Hillcoat presentaba su película más ambiciosa: La carretera.

La carretera nos narra el viaje de un padre y un hijo en dirección sur tras un desastre natural que ha acabado con casi todo el planeta. Son comunes las historias que giran entorno al fin del mundo, huracanes, maremotos y demás desastres naturales. De hecho si algo podía salvar este género catastrófico era un director inteligente capaz de darle una perspectiva diferente. Tal es el caso. Hillcoat, que adapta una novela del frío Cormac McCarthy, huye de la gratuidad de los efectos especiales y nos deja el desastre natural en una elipsis que encaja a la perfección con la atmósfera e intencionalidad de la película. Tampoco hay héroes que puedan salvar el mundo con fórmulas mágicas. Solo un hombre y un hijo que sobreviven.

30 de noviembre. RECOMENDADOS: La vida de Pi

Esta semana llega buen cine a nuestra cartelera. Concretamente el título más interesante es la incursión de Ang Lee en el 3D. Si uno repasa la filmografía de este director se encuentra con grandes títulos como Sentido y sensibilidad o Tigre y dragón. Es un director que ha tenido sus incursiones en el cine más blockbuster con Hulk y en el boom del cine homosexual filmó cintas como Brokeback Montain aunque ya en sus primeras películas encontramos El banquete de boda.

Llega ahora con la que podría parecer otra superproducción más: La vida de Pi. Se trata de la adaptación de la novela de Yann Martel. Un chico tras sufrir el naufragio de un barco cargado de animales vivirá una odisea. Los únicos supervivientes son un tigre y él, juntos en una barca de escasas dimensiones. Ang Lee nos cuenta una historia de fe, en donde se mezcla lo imposible como pauta para sobrevivir y también la esperanza puesta en Dios para sobrevivir. No en balde antes de embarcarse en tal aventura se nos narra su vida en la India junto a su padre agnóstico y sus dudas sobre si aceptar la religión cristiana, musulmana o el hinduismo. La cinta es visualmente fascinante con un uso perfecto del 3D, es decir, que sin él la película no habría podido contar lo que se requería como se ve en el siguiente trailer.

El Hobbit: un viaje cinematográfico

Un Gollum gigante en el aeropuerto de Nueva Zelanda

La campaña mundial para promocionar El Hobbit está siendo espectacular. El anuncio de que iba a hacerse la película saltó ya hace más de 3 años en el 2009. Desde entonces los rumores sobre quien dirigiría se extendieron por la red. Nunca quedó en duda que Peter Jackson no fuese a estar implicado en el proyecto pero en ningún momento se planteó dirigir. Por el 2011 se decidió que Guillermo del Toro sería el director pero debido a desacuerdos y a retrasos en la puesta a punto del rodaje Del Toro abandonó el proyecto. Habrá quien piense que fue una pérdida pues estoy seguro que hubiese aportado una nueva imagen a la franquicia Tolkien. Jackson, que ni se le pasaba por la cabeza volver a encabezar la dirección, tras meses de negociaciones salió a la luz como director. El estilo jackson similar al de El Señor de los Anillos perdura con un presupuesto que se estima alcanza los 500 millones de dólares. Una cantidad holgada para el nivel de recaudación de la trilogía de El Señor de los Anillos.

CASO #48 Dogville. La arrogancia de los hombres buenos

Lo he pensado bien y mejor que hablar yo, os dejo con los protagonistas de Dogville (Lars von Trier, 2003 ganadora de los Premios del Cine Europeo).

1. En este primer vídeo está el comienzo de la película. Así transcurrirá el filme: con escenarios cuasi-invisibles y con grandes planos generales con el propósito de que veamos cuantos más habitantes mejor en la misma toma. La intención es clara: somos los espectadores de un teatro y tenemos que poder verlo todo. Pero en el cine la sensación (¿intencionada por Lars von Trier?) que se logra es aséptica en lo que se nos cuenta: emociones frías.

Adaptaciones en el cine: una necesidad, una ventaja

Apocalypse now es una adaptación de la novela

El corazón de las tinieblas 

Las dificultades para hacer una película son inmensas. Siempre. Ya sean económicas o de tiempo o de personal. Hacer una película suele llevar una media de uno, dos años. Eso contando con que la idea original ya esté pensado. Por eso son muchas las películas que nacen como adaptaciones literarias y teatrales.  Quiero comentar tres puntos a favor de la adaptación, pues tampoco dejará nunca de existir las películas con ideas originales (inspiradas en terceros, pues en eso consiste la creatividad):

1. El cine entendido como una industria: Invertir tiempo, dinero y coordinación de personas en un proyecto es siempre arriesgado. Terminar de hacer una película no es más que el principio del salto al vacío. Si al público no solo no le gusta tu película sino que si no la conoce, se habrá tirado el dinero. Es decir, rentabilizar el dinero es una prioridad. Además del éxito de una película depende en muchos casos volver a realizar otra. Contar con una idea que ha triunfado en otros medios como en el terreno editorial es un punto a favor importante para que el gusto conozca en primer lugar que se va a estrenar una película. No hay mayor industria en este sentido que la de Hollywood y su moda de adaptar cuentos.

¿Qué ocurre cuando llegamos al cine y no vemos esa buena película que esperábamos?

"Para mi, el cine son cuatrocientas butacas que llenar"

Hitchcock

Si el cine está para entretener, no hay mayor máxima que hacer que el público vea una película. Con frecuencia uno se plantea si querer entretener a toda costa permite llevar a cabotodo tipo de triquiñuelas. Me refiero a si una sala de cine está para que se llene o para ver una buena película.

Las grandes obras de cine están cargadas de humanidad. Nos gustaría encontrarnos por la calle a los personajes de las historias que se nos cuentan. Algunos no nos atreveríamos a decirles nada pero sería un placer poder verles actuar. Ya simplemente con este propósito, sencillo de entender pero difícil -muy difícil- de llevar a cabo, basta con querer ir a ver una película. Las productoras no dudan en preparar a su público con este propósito con trailers, imágenes, spots, camisetas, pulseras, peluches, sorteos de entradas y todo tipo de esas triquiñuelas. Todo ello para ir al cine a ver una gran historia. ¿Todo ello para llenar una sala de cine?

16 de noviembre. RECOMENDADOS: Lawless, La parte de los ángeles y Holy Motors

Los estrenos de este viernes 16 llega con tres estrenos variados y cada uno de ellos muy interesante: Lawless (Sin ley), The Angel´s share (La parte de los ángeles) y Holy motors.

Lawless se desarrolla durante la época de la Ley Seca de Estados Unidos que se desarrolló entre 1920 y 1933. Unos traficantes de alcohol son perseguidos por la justicia. Dirige John Hillcoat (La carretera) y cuenta con un reparto de lujo: Tom Hardy (El Caballero Oscuro. La leyenda renace), Gary Oldman (El topo), Jessica Chastain (Criadas y Señoras), Mia Wasikowska (Alicia en el País de las Maravillas) y Shia Labeouf (Transformers). Acción, tiroteos y un guion que promete.

5 claves para disfrutar de Berlanga

Luis García Berlanga es con casi total seguridad uno de los hombres que más ha hecho por el cine español. Entre sus películas están las mejores que ha dado el nuestro cine. Quizá la palma se la llevase El espíritu de la colmena de Víctor Erice. Con poco que se sepa de nuestro cine vienen a la cabeza grandes comedias como El verdugo ('63), Plácido ('61) o Bienvenido Mr. Marshall ('53). Todas ellas de un valenciano que tanto amó Castilla en sus películas. Por sus clásicos que marcaron una época y a más de una generación se le puede perdonar haber perdido un poco la cabeza en su época democrática. Poco a poco iré reseñando algunas de sus películas aprovechando que este mes ocupa un puesto especial en la cabecera del blog.

Por ahora os dejo 5 ideas para aprovechar mejor las películas de Berlanga.

1. ¿Qué es para el cineasta el ser humano? En sus películas sus protagonistas son personas con deseos, con grandes necesidades y ambiciones (cada cual a su medida). Ya sea, por ejemplo, en el caso de Plácido que se enfrentará a todo tipo de obstáculos para llegar a la cena de Navidad o en Bienvenido Mr. Marshall en la que el pueblo entero se ve necesitado de los americanos.

CASO #47 GOOD

Sabe bien hablar de Good. Cada poco la industria del cine se nutre de historias relacionadas con la Segunda Guerra Mundial. Lo que es curioso es que pocas de estas historias se han preocupado en contarnos cuál fue el inicio del fanatismo ideológico. En esta película, escrita por John Wrathall, se va poco a poco entretejiendo los orígenes del pensamiento débil que imperó entre algunos intelectuales de la Alemania de entreguerras. Fueron muchos los que no estuvieron a la altura de responder a las incertidumbres que se les venía desde el poder. El profesor John Halder fue uno de estos intelectuales con (solo) buenas intenciones. Al periplo con las autoridades se le suma el hecho de que es el padre de familia con una madre enferma y una mujer al borde de un ataque de nervios constante.

(Walt Disney) Company: Disney, Eiser, Wells, Iger, Lasseter y Perlmutter

Tras la compra de Marvel Studios por parte de la compañía Disney se ha actualizado el interés por la importancia de la originalidad en los proyectos audiovisuales. Hemos podido ver en varias webs los miedos a que Star Wars pierda su sello personal y se infantilice.

Vemos a Disney como un monstruo sediento de dinero. Pero es ingenuo pensar que Disney puede ser tan inocente como Blancanieves al comerse la manzana. En sus años de vida Walt Disney Company se ha transformado y renovado para mantenerse al día. Aspecto que considero una virtud en una empresa. ¿Ha perdido su identidad? ¿La tuvo algún día? Cuando el señor Walt comenzó sus andanzas como creativo y estrenó Blancanieves (1937) quiso que sus películas entretuviesen y divertiesen a la gente. Desde entonces y hasta ahora a premiado en el ideario de la compañia la calidad. Sí que es cierto que ha creado títulos como Pocahontas 2, El Rey León 2, Hercules 2, La cenicienta 2, Mulán 2, y así hasta el infinito y más allá. Pero año tras año ha llegado con un estreno interesante. ¿Cómo crear una empresa creativa y competente? Uniéndose gente creativa para crear sinergias en la que cada parte aporta su sello personal.

9 de noviembre. RECOMENDADOS: Reality y En la casa

REALITY (Mateo Garrone)
¿Puede la ambición hacerte perder el sentido de la realidad? ¿Gran Hermano logra sacarte tu vida real o te obsesiona por ser tu "yo mismo" televisivo? El italiano Garrone vuelve a dar un "¡zas, en toda la boca!" a la sociedad occidental. Con un estilo muy directo que actualiza al neorrealismo Reality nos introduce en el día a día de un reality-show. Los niveles de perversión que produce este tipo de televisión es la fábula que nos cuenta Matteo Garrone. Interesará, no creo que sea una película que guste, a gente con estómagos fuertes que no vean la película con ligereza. Quizá fuese preferible conocer más de cerca la que fue su anterior película Gomorra.

CASO #46 Héroes. La pasión de una canción

La historia de Héroes es un reclamo a dejarse de tristezas y afrontar la vida, sus sinsabores y amarguras, con decisión y optimismo. Pau Freixas y Albert Espinosa, creadores de la serie Pulseras rojas (2011), afrontan con esta película un cuento feliz ambientado en un pequeño pueblo de veraneo. Los protagonistas son un grupo de chavales de los años 80 que se reúnen esos meses tras el fin de clases. Su objetivo, además de pasárselo genial, es arrebatar a los mayores una antigua casa-árbol que alberga poderes mágicos. En paralelo se nos cuenta la historia de dos de ellas en el presente. Cristina que vive la vida (en consonancia con LIFE IS LIFE) y Sala, un hombre de negocios a punto de cerrar un contrato que le arreglará la vida.

CASO #45 Moneyball... y deja la pelota quietecita

Billy Beane revolucionó el baseball con una técnica basada en la predicción de los resultados a raíz de convertir en pura estadística el deporte. Sobre esta idea se sostiene lo que Bennet Miller (director), Brad Pitt (actor) y Aaron Sorkin (guionista) han levantado. La película peca en el mismo punto que la anterior película de Miller: no hay condensación de información y la acción se hace repetitiva. La historia se desarrolla no en los partidos sino en los entresijos previos a cada partido en el despacho de su gerente. Sorkin se demuestró como el fichaje perfecto para contar la historia. De hecho es un experto a la hora de tejer sus guiones con diálogos enrevesados y sutiles en su exposición. Pero aquí le falla la trama que se alarga y focaliza en exceso en el papel de un Brad Pitt que encarna perfectamente al soberbio y racional Billy Beane (la prueba está en la imagen de arriba). Sin embargo, hay momentos de intenso dramatismo con unos silencios cargados de significado.

CASO #44 Wall-e. chico conoce a chica

En un planeta del que los humanos hemos decidido olvidar por ser insostenible ecológicamente solo queda un robot recoge-basura. Pixar ha apostado mucho con su última película: durante la primera mitad los únicos personajes son prácticamente dos robots mudos hasta que nos traslademos a la nave-crucero en la que quedan los últimos supervivientes de la tierra. Pete Docter hilvana con maestría una sencilla historia de amor de chico despistado conoce a chica que está claramente por encima de sus posibilidades. Ante unos robots perfectamente imaginados por la compañía de John Lasseter y unos rasgos expresivos de que pocos protagonistas de otras películas pueden presumir es difícil no caer rendidos. Alguno podrá discutir que la historia es demasiado sencilla: lo es, pero su logro radica en contarnos hoy en día una sencilla historia de amor platónico.

CASO #43 De dioses y hombres. La forja del héroe

Lo que ha logrado Xavier Beauvois y su equipo es de alta calidad al llevar al cine la vida de unos monjes argelinos de la década de los noventa. Con merecimiento se lo reconocieron en el Festival de Cannes de 2010 llevándose el Premio del Jurado (para el común de los mortales el segundo premio). Hacer un retrato de una comunidad de monjes no se presta con facilidad a una película de ficción. Si se hiciese una encuesta general en la que se preguntase por las preocupaciones de un monje francés en el norte de África una gran mayoría respondería rezar y vivir en paz en su monasterio. Sin embargo, ya sea a causa de la desatención por parte de los medios de comunicación generalistas o por cualquier otro motivo, se desconoce los peligros a los que están expuestos en el siglo XXI.

Uno de los retos a los que se enfrenta una película, y esta también, es lograr captar la atención del espectador. En primer lugar al público al que se dirige. Para ello no cabe duda que se sigue recurriendo a argumentos facilotes, secuencias espectaculares y a temas truculentos propensos a mostrar la cara más sórdida de la vida. No quiero decir con ello que sean películas descartables sino que es difícil que con planteamientos como estos no se caiga en lo zafio. Sin embargo, grandes películas están centradas en historias de gente sencilla con envergadura extraordinaria.

28 de septiembre. RECOMENDADOS: El artista y la modelo, Blancanieves

Hoy se estrenan dos producciones españolas para chuparse los dedos para los que tienen ganas de originalidad, de homenajes al cine y reflexiones sobre el arte que es hacer cine y cualquier otro arte a través del arte. Pero también para reencontrarse con un clásico que todos conocemos ahora en blanco y negro y muda en palabras.

Tras ver el trailer de Blancanieves, dirigida por Pablo Berger, la primera referencia mental nos lleva a The Artist. Pero si aquella era un homenaje al Hollywood mudo, lo que hace Berger es una reflexión divertida y llena de acción como lo es el clásico de los Hermanos Grimm. Blancanieves es Carmen (Macarena García), una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra, Encarna (Maribel Verdú). Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de enanos toreros. Digamos que es una apuesta arriesgada (la película ha tardado más de ocho años en dar a luz, en tiempos arriesgados como los de ahora. Eso sí, el éxito de The Artist puede ser una sabrosa referencia para el público que quiera verla.

21 de septiembre. RECOMENDADOS: Mátalos suavemente y Martes después de Navidad

Las dos películas que recomendamos no son de lo más complacientes con el espectador pues muestran la cara más sucia del ser humano. Esa es la pega que se le puede achacar a Mátalos Suavemente (Andrew Dominik) y a Martes, Después De Navidad (Radu Muntean). La primera fue presentada en Cannes (2012) y la segunda fue la ganadora en el Festival de Gijón (2010).

No es palabrería que sea el personaje que interpreta Brad Pitt, asesino a sueldo encargado de restablecer la justicia, el que diga “en América vas por libre”. Killing them softly (Mátalos suavemente) es, como buena película de cine negro moderno, una apuesta por hacer buenos retratos de sus personajes interpretados por grandes actores. Todo ello captado por el director de fotografía Grig Fraser en una atmósfera de suciedad y violencia. Lo cierto es que si por algo se caracterizan los filmes de su director Andrew Dominik es por la violencia. La actual reconstrucción del cine negro hacia una vertiente más descarnada con una mirada desconfiada a la bondad del hombre está presente en la película. La violencia no es solo física sino Dominick apuesta por una puesta en escena de largas conversaciones perfectas para dirigir a sus actores por derroteros sin una salida moral. Por cierto, un reparto excepcional con Brad Pitt, Richard Jenkins, Ray Liotta, Sam Sephard.

CASO #42 Gomorra. La mafia y ¿una mirada a la esperanza?

                                                      "La razón por la que amo tanto mi trabajo es porque me permite crear emociones por medio de las imágenes, y cuando lo consigo soy feliz"

La máxima a la que se puede llegar con la afirmación anterior de Mateo Garrone podría ser que el cine sea cual fuese su formato es lograr transmitir emociones con imágenes. Pasar de la de las imágenes a que el espectador sienta, se emocione. La labor del cineasta es ardua si esas emociones que se crean en la pantalla no son simples llamadas sentimentales al corazoncito, sino que prefieren las emociones más duraderas que surgen con historias universales y con unos personajes bien construidos, de esos que el guionista conoce lo suficientemente bien como para decirnos cuál es su color preferido.

14 de septiembre. RECOMENDADOS: El nombre Y Érase una fe

Este viernes llega con dos propuestas francesas muy interesantes: El Nombre (Alexandre de La Patellière y Matthieu Delaporte, 2012) y Érase Una Fe (Pierre Barnérias, 2010). El cine francés lleva unos años exportando al resto de Europa sus productos. Unos de más calidad que otros pero como una gota después de otra han ido calando en la taquilla española. Tenemos como ejemplo los casos recientes de The Artist o Midnight in Paris. Francia posee una de las industrias de cine más fuertes de Europa. Una causa de esta continua expansión de su cinematografía está en hacer películas que puedan gustar a un público amplio: hacer industria con calidad.

Esta vez la película que tiene oportunidad de hacerse hueco en la cartelera es la comedia El nombre. Para hacernos una idea está dentro del formato de Un dios salvaje en la que el guion de Yasmina Reza y Roman Polanski mostraba la desfachatez y la superficialidad de la "buena educación". En el caso de El nombre a raíz de una reunión familiar en donde se discute el nombre que se le va a poner al niño que está en camino surgirá todo lo que no se ha dicho por "respeto" y "buenos modales". Una comedia inteligente y bien rodada.

CASO #41 Hoy empieza todo. la realidad supera a la ficción

              “Un niño es lo más bonito del mundo. Nace del amor, es inocente, te mira, te sonríe, te dice cosas graciosas, los niños son maravillosos.

                           No puedo soportar que un niño sufra, no lo puedo aceptar”

Desarrollada en un pueblo del norte de Francia, y filmada en el barrio de Dutemple, en Valenciennes con la participación actoral de sus habitantes, lo que Bertrand Tavernier logró con Hoy Empieza Todo (1999) es un cuadro personal de costumbres y hábitos, de sonrisas y silencios, de esperanzas y miserias: un estudio sociológico de la olvidada y áspera labor de educación en el norte de Francia que siendo antes próspera por sus industrias ahora ha caído en la miseria material. Pero dicho así parece que la película es un documental sin alma. Digamos más bien que Tavernier nos cuenta el afán y las luchas de Daniel Lefebvre (Philippe Torreton) en su escula de preescolares.

7 de septiembre. RECOMENDADOS: Solo es el principio y Shanghai

El cine de estreno de esta semana se plantea variado pero nos quedamos con dos de las ocho propuestas: el documental Solo Es El Principio y la película ambientada en la década de los cuarenta en Japón Shanghai.

De parte de Francia llega la primera con dos años de retraso. Se centra en un experimento social que se hizo en una escuela infantil. La propuesta es muy atractiva: clases de filosofía con niños. El resultado es esclarecedor: todos los niños son filósofos pero solo algunos adultos continúan siéndolo. Los directores Pierre Barougier y Jean-Pierre Pozzi nos regalan no solo hora y media entre niños sino también esas pequeñas grandes reflexiones de una edad en la que la vida aún está por descubrir sin tabúes ni prejuicios.

Las películas son propuestas

Escena del rodaje de Mar adentro (Alejandro Amenábar, 2004).

La película, que coincidió su estreno en momentos de agitación

acerca de la eutanasia, supuso un cambio significativo en la percepción

a favor de la eutanasia en España. 

¿El cine va a solucionar cuestiones políticas? ¿Va a conseguir que un pueblo salga de la pobreza? ¿Qué se acabe el crimen? Al menos directamente no. Pero las películas están hechas por personas, sobre personas y para personas. No es un producto de usar y tirar. Las películas nos configuran la personalidad: hacen mella. Es matizable pero tiene algo de verdad esta afirmación. En el imaginario colectivo el bien y el mal están configurados en gran medida por lo que hemos visto en las películas. También, por ello, es el responsable de que en nuestra cultura bien y mal tengan un valor más bien relativo.

31 de agosto. RECOMENDADOS: Amor bajo el espino blanco y Tadeo Jones

Esta semana regresa Zhang Yimou a los cines tras un insustancial y ponposo drama The flowers of war. Lo hace con un delicioso romance adolescente Amor bajo el espino blanco ambientado en la revolución cultural china en donde impera la censura cultural y la exaltación del comunismo maoista. Con su personal delicadeza para contare romances llenos de verdad y, aunque aparentemente sensibleros, de ternura y tragedia: porque el amor es así. En una etapa de la vida del hombre y la mujer, la adolescencia, en que aún se están descubriendo a sí mismos contar un enamoramiento es toda una proeza atractiva. La cinta para los que conozcan la filmografía del directo os recordará a El camino a casa (1999)

La cinta se estrena en nada más que 28 salas por lo que a más de uno nos resultará difícil de ver. Quedará cerca su estreno en DVD y versión online.

69ª edición del Festival de Venecia. ¿Quienes estarán?

Comienza una de las citas más importantes con el cine: el Festival de Vencia conocido como La Biennale. Desde hoy hasta el día 8 de septiembre 18 películas tendrán la ocasión de alzarse con el León de Oro. Una cifra reducida con respecto a otros ediciones anteriores. Esta es uno de los cambios introducidos con la llegado del nuevo director del certamen Alberto Barbera. El jurado presidido por el director de cine Michael Mann eligirá entre los nuevos trabajos de PAUL THOMAS ANDERSON, OLIVIER ASSAYAS, BRIAN DE PALMA o TERRENCE MALICK entre otros.

The Master (el equipo en su presentación en Venecia) y To the wonder son algunas de las películas más esperadas. De la segunda de Terrence Malick (El árbol de la vida), como es habitual, no sabremos casi nada hasta que se proyecte por primera vez. Tal vez únicamente  sabemos de su reparto (Ben Affleck, Rachel McAdams, Javier Bardem, Rachel Weisz) y de unas declaraciones de su director de fotografía Emmanuel Lubezki en la que describía la película como “abstracta” y la más alejada de las convenciones del lenguaje clásico cinematográfico. Los actores han explicado que trabajaron sin guión ni luz artificial.

De The Master de Paul Thomas Anderson (Pozos de ambición) os dejo los dos trailers.

11 de agosto. RECOMENDADOS: Brave

Este fin de semana llega a los cines españoles Brave con un mes de retraso respecto a su estreno en EE.UU. La razón es que en julio la asistencia al cine hubiese sido mucho menor que en ahora por la Eurocopa. Pero es igual, la espera ha merecido la pena y la cita anual con Pixar siempre es bienvenida: animación de la mejor calidad, historias solidas y personajes con encanto. En esta ocasión Brave nos sitúa en la Escocia del siglo X en la piel de una princesa con vocación guerrera. Como es habitual la calidad técnica está al nivel de la riqueza en los temas preferidos por la compañía: la amistad, la familia, el esfuerzo, la maduración del carácter y la responsabilidad.

Por cierto, creo que por ahora no hay posibilidad de ver la versión original subtitulada.

A continuación el TRAILERy una ENTREVISTA con algunos de su equipo creativo.

Las claves del éxito en Pixar: los niveles de lectura (3/4)

Recordamos las anteriores claves del éxito de Pixar. Primero: construir una industria de entretenimiento de calidad a base de creatividad. Segundo: superación tecnológica continua para crear mundos animados.

Pero el plato fuerte por el que el público valora la marca de John Lasseter son sus historias. En la actualidad hay escasez de buenos guiones que lleguen a ser una película con gran repercusión mediática. Una razón podría ser que resulta demasiado arriesgado contar historias que sin ser espectaculares consigan grandes recaudaciones y recuperen la inversión. Pero Lasseter, cumpliendo su papel de productor (rentabilizar una película sin denostar la calidad artística), apuntó alto y no se ha quedado corto. Hacer cine de animación equivale a que toda la familia va a ir al cine. El reto era que los niños disfrutasen, los jóvenes no se avergonzasen de ver cine de animación y los padres no se aburrieran. Pixar lo consiguió apostando en un gran equipo de guionistas capaces de escribir cada película en varios niveles de lectura.

Las claves del éxito en Pixar. Vanguardia en animación digital (2/4)

En la anterior entrada vimos cómo una de las claves del éxito de Pixar era su modelo inspirado por Steve Jobs que trata de fomentar la iniciativa en sus trabajadores: cada proyecto sale del propio equipo creativo. También influye la mentalidad de que ir a trabajar a Pixar es ir a trabajar jugando.

La segunda clave del éxito de Pixar es ser la vanguardia de la animación digital.

Las claves del éxito en Pixar. Industria y creatividad (1/4)

John Lasseter hablando con la productora de
Brave Katherine Sarafian y su director Mark Andrews

Hablar de Pixar es hablar de éxito asegurado y de talento a la hora de contar historias; de industria y de creatividad. Nunca debe creerse que hacer espléndidas películas se encuentra únicamente en el terreno de los pequeños presupuestos y que es cosa de un hombre que quiere ser a la vez director, productor, guionista, director de fotografía y incluso actor de sus propias películas. El cine es trabajo en equipo en estado puro. Consiste en sacar el máximo partido de los talentos creativos que el productor pone a disposición del director y su equipo. Para ello Pixar tiene un modo de trabajar algo distinto del resto de productoras. Es un claro ejemplo de cómo reunir y trabajar con cientos de personas a la vez: cada uno en su especialidad pero con una visión unificada en el director y el productor.

3 de agosto. RECOMENDADOS: Pollo con ciruelas y Prometheus

Este viernes recomendamos para ver en el cine:

POLLO CON CIRUELAS (Poulet aux prunes). Una coproducción de Francia/ Alemania/ Bélgica. El trailer os recordará a películas del estilo de Jean-Pierre Jeunet (Amelie) pero está dirigida por el dúo Marjana Satrapi, Vincent Paronnaud cuyo primer trabajo es Persépolis. El estilo irónico, desenfadado y satírico a la vez se encuentra en cada fotograma. La película está dividida en varios episodios por lo que dificulta la unidad del relato y supone el distanciamiento sentimental del espectador. Con todo ello una película fantástica desde el punto de vista visual con variados homenajes al expresionismo alemán, a Hitchcock y Fellini.

La gran competencia (aunque realmente tiene un público totalmente diferente) a la que tendrá que hacer frente Pollo con ciruelas será la esperada PROMETHEUS de Ridley Scott. La película se puso el listón demasiado alto al recuperar al director que revolucionó la ciencia-ficción con Alien. Hace llamarse su precuela pero es más bien la oportunidad de relanzar la franquicia (no hay ningún mal en ello) tras el bombardeo de Alien vs Predator 1, 2, 3, 4, 5.... Ya me entendéis. Scott, que tiene ahora 75 años se hace un homenaje como máximo representante de este género pero sus alardes filosóficos descontentarán a más de uno. Si además descubrimos que en el guion está metido Da­mon Lin­de­lof, que escribió el libreto de la serie Perdidos, las turbulencias que pueda sufrir la tripulación de la nave Prometheus harán difícil que llegue a buen puerto. Sin embargo, es una película que se deja ver y que contentará la curiosidad de muchos.

Del 8 al 15. Cine para que no te aburras este verano

8. Toy Story

La primera película de animación de Pixar. A la espera del estreno de Brave biene bien repasar esta fabulosa historia de juguetes y descubrir que hay un amigo en tí. La soledad, el desplazo e incluso la duda existencial solo logran superarse con la ayuda de tus files amigos, aunque estos sean un juguete del hiperespacio, un cerdo, un perro con muelle y un cerdo. El trabajo que realizó el equipo capitaneado por John Lasseter es de incuestionable valor y abrió la brecha de uno de los estudios de cine con más prestigio y trayectoria de la historia.

Del 1 al 7. Cine para este mes de agosto. Primera parte

¿Qué os parece esta primera selección de cine para ver este mes?filingaps.blogspot.com.es/2012/07/el-pad…
— Filling the gaps (@FTGaps) julio 31, 2012

1. Million Dollar

Baby

Hay algunas películas que quieren marcar época. Million Dollar Baby (2004) tiene grandes motivos para serlo. Ya sea por su temática (las esperanzas rotas de la vida de una mujer y la eutanasia) o por su estilo lo que consiguió Clint Eastwood es una obra maestra. Aunque sería demasiado injusto que solo él reciba todos los aplausos: los actores bordan sus papeles, el guión de Paul Haggis es el eje sobre el que gira y se sostiene todo el mecanismo de la historia de la boxeadora Maggie y la fotografía de Tom Stern asienta la película en lo más profundo de la ambigüedad del cine negro con su paleta de claroscuros. Una obra maestra de Clint Eastwood que se vió compensada en Gran Torino.

Todos los Videoblog de Peter Jackson sobre El Hobbit. Cómo transformar 266 días en marketing

 

La labor que ha hecho el equipo de Peter Jackson durante 266 días ha sido asombroso. Más lo es, si cabe, de cara al público si durante ese tiempo hemos podido participar de esa esperiencia. P. Jackson puntualmente nos ha ido informando del rodaje y de cómo ha puesto en marcha semejante máquina en la que han intervenido centenas de personas que han dejado su granito de arena para que fuera posible hacer real, literalmente, la Tierra Media de Tolkien.

Los créditos de la Trilogía de El Señor de los Anillos eran infinitos con listas interminables de nombres a los que por primera vez les vemos las caras de la manera más cercana gracias a los ocho videoblogs protagonizados por su director, cosa alguna que antes en ninguna producción sus responsables se habían preocupado por lograr de manera tan radical: hacer cercana la "fábrica de sueños" a su público y vender el producto desde casi el cascarón. Eso sí, presentando todo como si fuese real pero sin mencionar nada que suponga un desbarajuste para el marketing de la una película. Pues por muy cerca que nos ponga Peter de su mundo tolkiano nunca correrá el riesgo de mostrarnos de verdad el día a día real de un rodaje.

Videoblog 10: Promoción y Premiere de la película



Videoblog 9: La Post-Producción



Videoblog 8: El último antes de la Post-Producción

CASO #40 In the mood for love o El estado propicio para amar

Reinaba la intranquilidad.

Ella, tímida, inclinaba la cabeza

Para que él se acercase.

Pero a él le faltaba el valor

Ella dio media vuelta y se alejó

Leu Yee-Chang

Dos parejas se mudan a una pequeña comunidad instalada en el Hong Kong de los años 60. Diferentes circunstancias hacen que el marido de una de las parejas y la mujer de la otra tengan que estar continuamente de viaje lo que supone que los otros dos cónyuges, Ms. Chang y Chow Mo-wan, tengan que encontrarse asiduamente. Inevitablemente empieza a surgir entre ellos una relación que supera la curiosidad como vecinos. Las situaciones de ayuda mutua, de comprensión, de compartir sus soledades les supone que arda en ellos el amor como si de un fuego lento pero que se extiende en todas direcciones. A partir de aquí Wong Kar Wai nos irá desvelando el éspiritu del que estamos hechos y su capacidad para enamorarse de una forma sutil y elegante, muy elegante. ¿Hasta dónde serán capaces de llegar en su pasión? ¿A qué razones se atendrán y sacarán las fuerzas necesarias para mantenerse fieles a su compromiso?

CASO #39 Moonrise Kingdom. El detalle de la teatralidad

Wes Anderson está entusiasmado con su universo friki, mágico, irreal y tremendamente actual por sus temas, tanto que ha logrado crear un grupo fiel de seguidores, que aumenta película tras película, manteniéndose fiel al estilo que ha creado, reforzándolo hasta tal punto que Moonrise Kingdom es el resultado de llevar al extremo los planteamientos iniciales iniciales de su carrera: planos geométricamente planificados, ambientación kitsch (sin menospreciar), la incomunicación, el amor, la soledad, la familia, el guitarrista casi siempre presente y una música perfectamente elegida (Life of mars, I am waiting, Making time, Hey Jude, String Quartet, These days, …). Podría decirse que sus películas son la aspiración de un personaje a encontrarse a sí mismo.

Aquí tenéis algunos puntos-contrastes comunes en su filmografía, especialmente aquellos que hacen referencia a su última película, Moonrise Kingdom (presente en el Festival de Cannes 2012).

CASO #38 Realismo en construcción. La lista de Schindler VS 4 Meses, 3 Semanas, 2 Días

A primera vista Steven Spielberg y Cristian Mungiu no tendrían nada en común. Spielberg se mueve más en el terreno del sentimiento y Mungiu en el lado más frío de la vida. Pero si cogemos La lista de Schindler de Spielberg y 4 meses, 3 semanas, 2 días de Mungiu guardan cierta relación. En las dos ocasiones ambos quieren hacer una película lo más realista. En un caso se cuenta cómo Oskar Schidler logró salvar la vida a cientos de judíos durante la 2ª Guerra Mundial, en el otro como Otilia ayuda a su amiga Gabita a abortar en la Rumanía de los últimos años de la URSS. En ambos casos un drama en torno a la muerte y al poder de la solidaridad filmado con una especial atención a la ambientación y al realismo de las situaciones y de los hechos que acaecen.

Sin embargo, son dos películas, a la vez, completamente diferentes. Spielberg demuestra su capacidad para organizar un descumunal despliegue de medios técnicos con una puesta en escena descarnada. Parece querer ser transparente y mostrarnos lo que hubiese ocurrido a aquellas personas, pero - ¡ay!- no es sincero en la manera de hacerlo. Se desplaza a las localizaciones reales (Polonia, Auschwitz o Jerusalén) para rodar, pero es falso en la construcción de sus personajes, que es lo más importante en un contador de historias como Spielberg. Hace un universo de ficción cerrado, en donde todo encaja absolutamente bien pero comete el error de asfixiar la historia con tal de tenerlo ordenarlo todo. Por ejemplo, es implanteable que los judios en el campo de concentración no sufran ni una sola crisis emocional, ni que el judío Stern, encargado de las cuentas de Schindler, decaiga en su en ni una sola ocasión.

7 retratos de la realidad: De Origen a 4 meses, 3 semanas, 2 días

4 meses, 3 semanas, 2 días

Dejo caer esta pequeña bomba: ¿Qué es retratar la realidad?

El cine, a diferencia de la literatura, trabaja con las cosas materiales que tenemos para construirse. No vasta con que el director, el guionista o el productor tenga una buena idea; hay que darle forma y construirla. Pero hay muchas maneras de enfocar el combate entre la cámara y la realidad.

1. El cine es contar una historias. El cine es una evolución de la literatura y por tanto existe todo un despliegue de géneros a los que atenerse para crear historias con sus reglas, modelos, estándares...
2. La realidad es una anécdota: que le den dos duros a la realidad. Yo cuento mi historia y me da lo mismo ambientarla en la Edad Media o en el futuro. Por ejemplo, War horse (Steven Spielberg, 2011) se centra en la amistad. En su caso, mientras que el escenario en el que transcurra tenga un halo de romanticismo pasteloso y de tragedia, podría desarrollarse en el jardín de mi casa y tener de protagonista a un perro en lugar de a un caballo.
3. La realidad se construye, ya sea con escenarios o con CGI (imágenes generadas por ordenador como en el caso de Origen  de Cristopher Nolan). Crear mundos fantásticos o de ciencia ficción, películas históricas...

¿Wes Anderson? ¿Monrise kingdoom?

Este viernes 15 de junio se estrena Moonrise Kingdom, la última película de Wes Anderson y presentada en el Festival de Cannes. Sus películas son cuentos visuales. La propia planificación de las escenas, con largos trávellings horizontales y encuadres medidos con regla, parecen estar servidas de una manera infantil; todo tiene un aire de superficialidad en sus historias. Sin embargo, siempre trata temas universales como la relación entre padres e hijos o la aventura mostrados de una manera única.

En su última película nos cuenta cómo dos niños de los años 60 tras enamorarse en un campamento de Boy Scouts se fugan para casarse. Bruce Willis, Eduard Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton y Jason Schwarzman son los actores que aparecen en esta película pero no esperemos verlos interpretando sus papeles más conocidos pues en el cine de Anderson todo tiene un aire de teatralidad y fantasía.

Aquí os dejo una recopilación de imágenes para que os hagáis una idea del universon Anderson. También el trailer de Moonrise kingdom.

Esa cosa rara llamada cine: hacer comedias no es gracioso

Johnny Depp "es" Barnabas Collins

Esta entrada es una continuación de lo que dije en ¡Mirar al pajarillo!

El cine es una maravilla. Incluso en sus películas malas. En esas en las que sabemos perfectamente que se han hecho porque las productoras tienen que cumplir su cupo de películas anuales o en aquellas hechas por directores que tuvieron sus genialidades pero que ahora están de capa caída como Tim Burton. ¿Por qué digo que ese tipo de cine de "mala calidad" es incluso una maravilla? Porque es toda una proeza lograr hacer sentir en el espectador una sensación de realidad. ¿Sensación de realidad? Pero si la mayoría de las películas se hacen siguiendo unos cánones, unas técnicas, que los productores, directores y guionistas en su mayoría conocen y saben utilizarlas para lograr un efecto. Es esta una de las maravillas del cine y uno de sus grandes lastres.

¿Acaso no vamos a ver Los Vengadores sabiendo que no van a inventar nada nuevo, que solo van a aplicar la fórmula (pero bien aplicada)? Y con la ventaja de que casi todos los personajes han sido trabajados en otras películas. Y si por un casual el público no los conoce, por supuesto que ha visto a los actores en otros trabajos. Ante todo en este tipo de producciones es fundamental que el público no se sienta extraño ante lo que va a ver: no vaya a molestarse a su majestad el público. Más mágico y extraordinario resulta que veamos a Jeremy Renner, primero, como desactivador de bombas en En tierra hostil, y ahora, de sustituto de Ethan Hunt en Misión Imposible: Protocolo fantásma, más adelante de Ojo de Alcón en Los Vengadores y nada más y nada menos que de nuevo chico Bourne en la próxima cuarta entrega. No. Por su puesto que el cine no puede hacer realidad. Tan solo un trasunto de ella. ¿Y entonces por qué vamos al cine a vivir experiencias que nos gustaría ver cumplidas en nuestras vidas: una comedia, un drama sobre la crisis económica o una tierna o trágica historia de amor? Sabemos que los contadores de esas historias han establecido todos los elementos, todas sus artimañas de cara a una estrategia que con suerte funcione y el espectador, en la oscuridad de una sala o en la pantalla de su ordenador, con gente hablando a su alrededor e importunando, SIENTA un algo, un no-se-qué que haga que se le escape una sonrisa, una lágrima, se le ericen los pelos, tenga un escalofrío o pegue un bote en su asiento vertiendo su Coca-Cola de 2,50€.

CASO #37 Juno y el optimismo ácido de Diablo Cody

“I don’t see what anyone can see 

In anyone else. But you” 

Yo acabé con un nudo en el estómago. Y es que Juno es una comedia fantásticamente trágica, pero muy optimista. Muy moderna y de la que espero que vengan otras más. Con solo la música, la película es realmente conmovedora e inteligente. Ellen Page hace una interpretación que hace envidiar a cualquier actriz experimentada: logra una actuación sincera (si se puede hablar así de las actuaciones). Page carga con el personaje de Juno y todo lo que este lleva consigo, si se puede hablar así de su papel de una chica de 16 que se queda embarazada de un amigo en el instituto. El personaje de Ellen Page sería la Jody Foster de Taxi Driver o el Antonine Doinel de Los 400 golpes.

Dirigida por Jason Reitman, Juno tiene mucho del estilo de Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton, Valerie Faris), estrenada dos años atrás y premiada en el festival de cine independiente de Sundance. Recibió el premio a Mejor Guion original en los Oscar y en los BAFTA del año 2007 y otra decena de premios sobre todo para la actriz protagonista (ahora conocida más por Origen).

FESTIVAL DE CANNES: Retrospectiva y premios (2008-2006)

Continuamos con la historia de las películas del Festival de Cannes. El primer cartel que aparece corresponde al año 2006. Es un homenaje a Deseando amar (In the mood for love) de Wong Kar Wai, una película magistral del año 2000. En aquel año se celebraba la 59ª edición del festival teniendo de ganadara El viento que agita la cebada. El cartel de la 60ª edición del festival tuvo de protagonista a varios artistas que saltaron delante del fotógrafo Philippe Halsman. Entre ellos se encuentran Pedro Almodovar, Juliette Binoche, Jane Campion, Penélope Cruz, Gérard Depardieu o Samuel L. Jackson. Por último el cartel de la 61ª edición está basado en un fotograma de una de las películas de David Lynch.

AÑO 2008 - 61ª EDICIÓN DEL FESTIVAL

La clase (Entre le murs). Este Festival tiene una especial predilección por películas que aborden temas de actualidad. La educación fue el tema premiado con la Palma de Oro de ese año. El francés Laurent Cantet escribe y dirige esta película que hace una radiografía del panorama francés en la enseñanza. Con el eje central en una clase de un instituto y con un estilo que se diluye entre la ficción y el documental, Cantet nos regala un film crudo en donde la fuerza que reside en unas interpretaciónes austeras pero muy convincentes y en el aplomo del retrato de la realidad francesa (que se puede estrapolar a Europa en general). Nada queda fuera de la mirada de Laurent Cantent en esta película que hay que ver.

FESTIVAL DE CANNES: Retrospectiva y premios (2011-2009)

Si en la anterior entrada hablamos de los directores de Cannes de esta temporada toca hoy hablar de la historia del Festival: quienes fueron las películas ganadoras de los últimos 12 años. Muchos de los títulos sonarán. Ahí está la fantástica El árbol de la vida, El pianista, Bailar en la oscuridad o El viento que agita la cebada son títulos conocidos. Siempre pasar por un festival de cine supone un gran impulso publicitario para cualquier película, crea lazos con futuras distribuidoras y gana el beneplácito de la crítica y de un futuro posible público cuando la película salga a la cartelera. Son filmes arriesgados que, por su calidad cinematográfica y el respeto que genera el hombre que hay tras ella, logran la tan ansiada Palma de Oro, el máximo galardón que otorga el jurado del Festival de Cannes.

CANNES 2012: ¿El Festival que crea a sus autores?

El año pasado seguí más de cerca este festival anual en el que se congrega el cine de autor ¿de Europa?, donde se refugian algunos cineastas independientes de las salas de cine y donde otros buscan una salida a sus películas y a sus carreras como cineastas. Este año sin embargo lo he pensado mejor y dejaré que el día 27 den el veredicto final y anuncian la ganadora. Ya habrá tiempo de ver las películas (las que lleguen a la cartelera y a tu ciudad, claro). Aún así, lo que sí resulta de interés es todo lo que rodea al Festival: ¿de qué países son las películas a competición? y ¿qué directores compiten?

¡Mirar al pajarillo! Reglas no escritas sobre la mirada a cámara

Es interesante ver cómo pocos años después de la aparición de las primeras 'mayors' de Hollywood allá por la primera década del siglo XX se estableció una regla no escrita según la cual los actores no podrían mirar a cámara.

La principal razón de esta medida es, y sigue siendo, no romper la magia de la cuarta pared que separa a los actores del público. Tiene todo el sentido del mundo. El público mira lo que les ocurre a los personajes. E incluso se identifica con lo que les ocurre, expectantes a ver cómo se desarrolla la trama: estamos solo los actores y yo (no nosotros: el cine es una experiencia personal) como espectador. Nada puede romper ese fino hilo que nos une. Y MUCHO MENOS UNA MIRADA A CÁMARA dirían los productores de las Mayors. Vamos, que si hiciésemos lo que hacemos en el cine, es decir, estar atentos a los aconteceres más íntimos de la vida de una persona, así sin más, como unos cotillas, más de un guantazo nos costaría.

CABEZONES DE MAYO: Koreeda, Moretti, Rohmer y Frank Marshall

Los Cabezones del blog de este mes de mayo son Frank Marshall, Éric Rohmer, Hirokazu Koreeda y Nanni Moretti. Tres de ellos están en activo haciendo cine cada uno con una mirada distinta. Tan solo Éric Rohmer dejó de hacer cine tras su muerte en el 2010. Vamos ha hacer un repaso de cada uno de ellos:

FRANK MARSHALL es uno de los productores de Hollywood que más han influido en las últimas décadas. Puede que no os suene nada el nombre pero hace posible que se sostenga el cine tal y como lo entendemos hasta ahora. Ha trabajado con Steven Spielberg en la saga de Indiana Jones y según se ha confirmado tiene en mente producir la quinta entrega (aún sin fecha concretada). Si ya Spielberg tiene suficientes ideas como para no poder dirigirlas todas (por ejemplo Los Goonies o Gremlins) Marshall siempre estuvo allí. Quizá no consiguió la misma fama pero sí se embolsó el suficiente dinero. También ha trabajado junto a Robert Zemeckis en la saga de Regreso al futuro en la década de los 80. Más recientemente ha producido la mundialmente conocida saga Bourne de los años 2000. Junto a M. Night Shyamalan ha hecho El sexto sentido, Señales o Airbender, el último guerrero. Fuera de las tierras americanas ha traido a occidente parte de los trabajos de Hayao Miyazaki más recientes como Ponyo en el acantilado o Arrietty y el mundo de los diminutos.